CineArte

Tarde e a más horas - The 2010 Oscars in a nutshell:

2010-03-08T21:27:00.006Z

Vitória completamente merecida de "The Hurt Locker" (estava à espera que ganhasse o Avatar por ter trazido muitos espectadores de volta às salas de cinema, mas a Academia conseguiu ver para além dos números), Kathryn Bigelow a receber um prémio justíssimo (há dúvidas de que é uma excelente realizadora? Vejam "Near Dark"...) e a fazer história no processo. "Up In the Air" merecia prémios e não os teve, Tarantino ficou mal de mãos a abanar mas viu "o seu" genial Christoph Waltz confirmar as expectativas. De resto, foi uma cerimónia algo aborrecida, com uns bons números de Steve Martin & Alec Baldwin mas sem a mais pequena centésima de "inovação" que tanto se prometeu - a não ser que o ritmo cada vez mais alucinante a que eram entregues estatuetas fosse o tal aspecto revolucionário que era prometido! Pela minha parte, e pela 1ª vez na minha história de espectador dos Oscars, acabei por adormecer a meio...

P.S. - Era indecente esquecer isto: a homenagem a John Hughes foi um dos pontos altos da cerimónia, e foi espantoso ver tanta gente "lançada" pelo autor do "Breakfast Club" junta no palco a prestar o seu tributo ao realizador. É a prova de que a Academia não precisa de grandes números de music-hall para oferecer-nos um momento simples e bonito.

Para 2010...

2010-02-08T21:27:00.004Z

... 500 dias de Verão. E, já agora, o filme "500 Dias com Summer" nas salas de cinema nacionais. Porque é mesmo tão bom quanto a hype o pinta...

(off-topic) Motivação é o que é preciso!

2010-02-08T20:38:00.006Z

Ora eis a melhor razão para nunca, mas mesmo NUNCA!, fazer uma pausa na escrita do blog: 13 menagens de Spam na caixa de comentários de um único post!

Com esta bela experiência, fiquei a aprender que carregar no botão "apagar" tantas vezes cansa muito mais do que escrever um ensaio de 20 páginas sobre a montagem na obra de Elia Kazan ou as maravilhas da construção Multi-Plot nos filmes de Robert Altman. E, apesar de tudo, não é tão recompensador. Enfim, adiante...

Geração perdida ou esquecida?

2009-10-04T00:50:00.006+01:00

Numa altura em que parece haver uma pequena euforia em torno de Pedro Costa graças à retrospectiva da sua obra no Tate Modern e ao lançamento em DVD de "O Sangue", vale a pena chamar a atenção para o excelente artigo de Jorge Mourinha no Ipsilon, "Geração Perdida", sobre os seus antigos colegas da Escola de Cinema que trabalharam no filme e cujos contributos para a obra em questão e para o cinema português, em muitos casos, foram injustamente esquecidos ou menosprezados. Faltou falar da montadora do filme, Manuela Viegas, mas não deixa de ser um dos textos mais elucidativos sobre toda uma geração de cineastas cuja história ainda está por contar.

(Off-topic) Período de reflexão

2009-09-26T16:02:00.002+01:00

Sobre o dia de amanhã, deixo dois pensamentos que esses génios da comédia que são Trey Parker e Matt Stone tão bem conseguiram cristalizar:

Para bom entendedor...

Há listas e listas, mas quando temos Tarantino envolvido...

2009-08-19T02:03:00.001+01:00

THE AUTEURS – Uma outra forma de lidar com a net

2009-06-28T23:56:00.030+01:00

Com tanta agitação actualmente em torno do tema da pirataria (cujo ponto mais fascinante será, certamente, a recente eleição, na Suécia, de um deputado do Partido Pirata para o Parlamento Europeu), vale a pena chamar a atenção para um novo serviço baseado na Internet que procura alterar as regras do jogo e oferecer uma alternativa viável e legal às pessoas que descarregam filmes através dos programas peer-to-peer.

The Auteurs é um site norte-americano que fornece acesso a uma imensa selecção de filmes de qualidade para visionamento em streaming de óptima definição – nele podemos encontrar títulos tão distintos como “Dogville” de Lars Von Trier, “O Despertar da Mente” de Michel Gondry, “Mulholland Drive” de David Lynch, “A Aventura” de Michelangelo Antonioni e inclusive algumas obras portuguesas como “O Fatalista” de João Botelho.

Cinema de autor, cinema independente, alternativo/experimental, clássico e mainstream sem ser “desprovido de visão pessoal” constituem o núcleo duro do catálogo do site. Os filmes estão disponíveis online através de protocolos assinados com entidades tão reputadas como a editora norte-americana The Criterion Collection e a World Cinema Foundation de Martin Scorsese – estando os títulos restaurados por esta última, aliás, a ser disponibilizados gratuitamente (e para todo o mundo) no site num gesto de verdadeiro serviço público que só se pode aplaudir de pé.

O preço médio de cada visionamento (para Portugal) é de cinco euros, sendo que o utilizador tem direito a ver o filme escolhido por um número de vezes limitado. Para além do serviço de video-on-demand através da consulta do catálogo, a apresentação dos filmes também é feita através de ciclos temáticos organizados pela equipa do site, e estes são complementados com artigos e dossiers criados especificamente para as suas páginas. Também funciona como uma espécie de rede social baseada nos modelos do FaceBook, MySpace ou Hi-5, tendo como enfoque principal os gostos cinematográficos definidos no perfil de cada um dos utilizadores. Existe igualmente um fórum onde se discutem os mais diversos temas (até o cinema português!) e onde a conversa geralmente mantém um nível argumentativo sólido. No fundo, procura-se criar um espírito de comunidade cinéfila num espaço virtual onde se pode alugar filmes.

Apesar das várias virtudes deste projecto há, no entanto, alguns defeitos que não o tornam tão apetecível quanto poderia ser e que merecem ser mencionados:

1 – O preço dos downloads é, sobretudo para um mercado não propriamente rico como o português, manifestamente elevado. Cobrar cinco euros (aquele que era, até há pouco tempo, o preço normal de um bilhete de cinema por estas partes) pelo visionamento em streaming de um filme de catálogo que o utilizador não pode guardar é um exagero que irá afastar muitos espectadores que prefiram gastar um pouco mais (ou, em vários casos, o mesmo ou menos!) para comprar a obra em DVD numa loja física ou online. Se o objectivo do serviço é ser uma espécie de evolução dos alugueres clássicos feitos num vídeoclube, os preços praticados deveriam ser semelhantes, ou seja, nunca superiores a qualquer coisa como 2,5 euros. E quando ficamos a saber que os nossos congéneres norte-americanos pagam cinco dólares (cerca de 3.55 euros, à hora a que escrevo isto) pelo mesmo serviço...

2 – A tecnologia streaming é impecável, não tendo absolutamente nada a ver com a qualidade dos vídeos do YouTube, mas deveria haver a possibilidade de se guardar o filme visionado, nem que seja por um preço adicional. Percebe-se que o streaming tenha sido adoptado de modo a evitar uma subsequente pirataria dos filmes descarregados do site, mas seria preferível utilizar uma tecnologia que permita o armazenamento legal dos filmes. Um dos aspectos mais característicos da cinéfilia é, precisamente, o coleccionismo, uma vertente completamente impossibilitada pelo streaming.

3 – Apesar do notável esforço de se demarcar dos restantes sites de video-on-demand que só disponibilizam os seus filmes para download em territórios específicos, o catálogo à disposição dos internautas portugueses está ainda bastante limitado aos títulos da distribuidora Atalanta Filmes – existem algumas honrosas excepções como o “After Life” de Hirokazu Koreeda ou o “Akarui Mirai - Bright Future” de Kiyoshi Kurosawa, mas o grosso dos filmes são os mesmos que podemos encontrar numa FNAC na secção de Cinema de Autor a um preço um pouquinho mais caro do que aqueles praticados no site (com a diferença significativa do cliente poder guardar os DVDs e vê-los as vezes que desejar durante o tempo que quiser). Note-se que as razões para estas limitações apontadas pelos responsáveis pelo site são completamente válidas: como cada filme tem os seus direitos comprados para cada país por editoras distintas, é certo que é difícil negociar com todas estas e conseguir acordos razoáveis, sobretudo quando, nalguns casos, só se quer comprar os direitos de um filme específico; e sim, é óbvio que é mais fácil negociar um catálogo inteiro do que um título em particular. Mas falta ainda dar alguns passos para tornar a selecção verdadeiramente “completa”, e acredito plenamente que sejam dados com a evolução do serviço.

4 – Por último, quem não conseguir ler inglês fluentemente vai passar alguns maus bocados, já que nem todos filmes disponíveis são apresentados com legendas em português (muitas vezes, a única opção disponível é a de legendas em inglês para filmes cuja versão original não é falada na língua de Shakespeare). Seria igualmente salutar que o site pudesse oferecer o download das legendas de cada filme à parte consoante as preferências do cliente. Pode parecer uma piquinhice numa época em que o inglês assume o papel de “novo latim”, mas é mais um aspecto que pode ser melhorado e que ajudará a aliciar novos espectadores.

Não se pretende, com estas observações, denegrir os objectivos do site – pelo contrário, creio que “The Auteurs” é um passo em frente significativo e inteligente no combate à pirataria e à consolidação do video-on-demand como nova janela de exibição, simplesmente precisa de ser aperfeiçoado aqui e ali. Para um projecto que ainda está na fase BETA, só se pode elogiar aquilo que já se conseguiu.

Acima de tudo, nota-se que The Auteurs é feito e mantido por pessoas que nitidamente amam o cinema, que têm uma visão verdadeiramente cinéfila do relacionamento de um espectador com um filme – e este é um aspecto nada negligenciável nestes tempos que correm.

O espólio de um mestre

2009-06-10T23:44:00.004+01:00

Descobri recentemente nas páginas do Ípsilon que, para grande alegria de qualquer cinéfilo que se preze, está a ser colocado online grande parte do espólio do mestre Akira Kurosawa no site Kurosawa Digital Archive. Estão incluídos, entre outras preciosidades, story-boards, notas de produção e fotografias de rodagem bem como alguns itens mais peculiares - como um artigo escrito pelo cineasta japonês a elogiar a obra de John Cassavetes!

Para já, o site só está disponível em japonês, mas uma versão em inglês está prometida para breve - e o facto da navegação ser bastante simples e intuitiva só deve encorajar qualquer apreciador da obra do autor de "Os Sete Samurais" a passar algum tempo a explorar estes fabulosos arquivos.

Bill got killed...

2009-06-10T23:32:00.004+01:00

David Carradine (08/12/36 - 03/06/09)

(Já vem com uma semana de atraso, mas não queria de modo nenhum deixar passar ao lado...)

João Salaviza ganha a Palma de Ouro para Melhor Curta-Metragem em Cannes!

2009-05-24T20:51:00.003+01:00

Foi com uma grande alegria que soube que o meu antigo colega João Salaviza recebeu, há pouco, a Palma de Ouro em Cannes para Melhor Curta-Metragem pelo seu filme "Arena". Já o tinha visto no Indie Lisboa, onde tive a hipótese de congratular o realizador pelo sucesso desta obra. Agora, só me resta bater as palmas: este é só o maior prémio que um cineasta português recebeu em Cannes em toda a história do festival - não exactamente um feito pequeno! Saber que foi atribuído a alguém da minha geração cujo talento genuinamente admiro só torna as coisas ainda mais doces. Como depois da projecção no Indie, deixo aqui os meus mais sinceros parabéns ao João, de quem espero muitos e bons filmes nos próximos tempos!

Notícia no I-Online

João Bénard da Costa (1935 - 2009)

2009-05-21T16:07:00.004+01:00

Texto sobre a morte de João Bénard da Costa publicado no Ípsilon.

Globos de Ouro SIC (2009)

2009-05-19T14:33:00.004+01:00

A cerimónia dos Globos de Ouro da SIC do passado domingo teve um único momento realmente memorável - aquele em que Nuno Lopes, ao receber o globo para melhor actor de cinema pela sua prestação em "Goodnight Irene" de Paolo Marinou-Blanco, convidou os restantes actores nomeados (Gonçalo Waddington, Ivo Canelas e o ausente Filipe Duarte) a subirem ao palco para serem igualmente aplaudidos e, de seguida, ofereceu o prémio a um dos seus mentores, António Feio, sublinhando que esta decisão não era motivada pela conhecida doença de Feio mas pelo facto de este ter sido sido seu professor e largamente responsável pela sua entrada no mundo da interpretação. Num discurso marcado pela simplicidade, aquele que é um (o?) dos maiores actores da sua geração teve um gesto de humildade e pura humanidade como há raros nestas cerimónias ao aproveitar os seus minutos no palco para reconhecer os seus pares e o seu mestre. Mereceu todos as palmas que recebeu - e a nossa admiração também.

Em complemento, veja-se o fantástico sketch alusivo à nomeação de Nuno Lopes d'os Contemporâneos que foi para o ar quase à mesma hora:

Os universos (televisivos) da crítica

2009-05-13T23:49:00.011+01:00

Temos, semanalmente, nos nossos pequenos ecrãs (pelo menos) três programas distintos sobre cinema que são incrivelmente parecidos. O formato é essencialmente composto pela seguinte receita: trailers das estreias recentes, previews de filmes que aí vêm, apresentação do box-office português e norte-americano, entrevistas com as estrelas dos filmes (e, uma vez por outra, com o realizador), uma ou outra featurette dos bastidores de uma grande-produção... e pouco mais.

O que falta a estes programas? Numa palavra: crítica. Não parece haver espaço para uma análise dos filmes que estreiam nas nossas salas e nas prateleiras de DVDs das lojas. A excepção à regra é o espaço de João Lopes no Cartaz da SIC Notícias, que peca sobretudo pela brevidade que advém de ser um segmento num programa mais generalista.

Poderíamos tentar explicar a ausência da crítica dos pequenos ecrãs com uma justificação de que qualquer discussão ou análise de um filme afugentaria as audiências por ser "demasiado aborrecida". Mas um exemplo emblemático de como se pode fazer um programa de televisão sobre cinema que é ao mesmo tempo inteligente, popular e, acima de tudo, portador de uma perspectiva crítica, é o célebre "At the Movies", um talk-show semanal de 30 minutos apresentado durante anos pelo duo de críticos Roger Ebert-Gene Siskel, tendo este último sido substituído por Richard Roeper após a sua morte.

O conceito do programa é de uma simplicidade invejável: junta-se dois críticos num cenário básico (duas cadeiras e uma parede onde são "projectadas" imagens), um deles faz uma breve sinopse do filme em questão enquanto imagens deste vão passando e, feita a descrição sumária da narrativa, inicia-se um diálogo entre os dois onde se alterna a análise inteligente e o confronto de pontos de vista não raramente antagónicos, sem nunca cair numa conversa de surdos. O resultado é um belo momento de televisão, entertaining e didáctico no melhor sentido das duas palavras.

Veja-se, por exemplo, o modo como Siskel e Ebert fazem a crítica de "O Padrinho III" de Francis Ford Coppola e discutem o tópico polémico da interpretação de Sofia Coppola como Mary Corleone:

Ou o modo como divergem sobre "Veludo Azul" de David Lynch:

E como analisam uma cena de "Halloween" de John Carpenter:

Resta-nos só questionar qual a razão para não termos nada parecido com este programa na nossa televisão. Nuno Markl e Rui Pedro Tendinha, há uns anos, fizeram uma espécie de "adaptação" deste formato no Curto-Circuito com o segmento Cine-Bolso e o mínimo que se pode dizer é que deixou saudades.

É indispensável consultar o site oficial do programa, que dispõe de um precioso arquivo de vídeo onde estão guardadas todas as críticas gravadas desde a sua primeira emissão em 1986.

Pequenas Alegrias - Love Letter to Japan

2009-03-30T13:49:00.002+01:00

Vídeo original do tema "Love Letter to Japan" dos The Bird and the Bee. Uma boa descoberta destes últimos tempos.

"Espectadores de Elite" e "Espectadores Irrequietos"

2009-03-29T20:33:00.004+01:00

“Na apresentação, em Lisboa, Serra, talvez com alguma ironia, apelidou-se o melhor realizador espanhol desde Buñuel, e queixou-se de uma incompreensão geral do público. Claro que os seus filmes estão reservados a uma elite. Uma elite esteticamente sofisticada, capaz de apreciar a beleza de uma boa fotografia, conhecedora da história do cinema e da sua cumplicidade com as outras artes, e sem sono. Os planos fixos, a montagem minimal, a reduzida acção, repudiam os espectadores mais irrequietos.”

Manuel Halpern, crítica a “O Canto dos Pássaros” de Albert Serra, in JL – Jornal de Letras e Ideias, nº 1004

Não sei o que é pior nesta citação. Não sei se é a típica vitimização do realizador (porque a culpa da má recepção de uma obra é sempre dos espectadores, esses malandros!, nunca do criador, que está sempre à frente do seu tempo...) misturada com uma auto-glorificação que não funciona nem como blague ou, antes, a curiosa descrição da “elite esteticamente sofisticada” que o crítico Manuel Halpern faz.

Acabei por me encontrar mais perturbado com esta assustadora ideia de uma espécie de “espectador de elite”, como se quem for “conhecedor da história de cinema, da sua cumplicidade com as outras artes” e não tiver sono não possa, de maneira alguma, não gostar deste filme. Como se quem aprecie fotografia e não tenha problemas com filmes mais “lentos” não posso achar esta obra oca e superficial porque, se o fizer, passa à categoria de “espectador irrequieto”, uma espécie de mentecapto que não pertence “à elite sofisticada” que sabe como se deve, verdadeiramente, apreciar o cinema. Esta é, simultaneamente, uma visão redutora das pessoas que participam nesse fabuloso ritual que é ver um filme e uma visão “clubista” da arte cinematográfica que só se pode lamentar.

Vicky Cristina Barcelona - Cómica Angústia

2009-03-09T22:19:00.005Z

Não consigo deixar de ficar impressionado com o modo desinteressado como algumas pessoas acolheram a mais recente obra de Woody Allen. Falou-se aqui e ali de uma obra menor, de um filme feito quase “de encomenda”, “a despachar”, com actores atraentes a fazerem bons números e o realizador a entreter-se filmando belas imagens de “bilhete postal” de Barcelona e de Espanha, faunas bem diferentes da sua mui familiar Nova Iorque, palco quase natural do seu universo cinematográfico. Em suma, uma comédia light agradável, estival, bem construída, mas esquecível e, sobretudo, irrelevante no contexto da obra de Allen.

Ora, não sendo “Vicky Cristina Barcelona” um “Annie Hall” (nem tendo obrigação de o ser), o que temos neste filme enganadoramente descontraído é um discurso incrivelmente angustiante sobre as relações amorosas, com um ponto de vista pessimista que faz lembrar algumas obras de Ingmar Bergman. Há comedia, sim, há vários momentos em que nos rimos alegremente do que se está a passar no ecrã – mas o modo como o realizador desconstrói dois pontos de vista absolutamente antagónicos sobre o amor (uma visão, mais “conservadora”, de Vicky e outra, mais “liberal” de Cristina) e nos mostra o imenso vazio das personagens após todos os acontecimentos atribulados por que passam no Verão que o filme relata relembra-nos de que estamos perante uma análise das relações humanas (e das nossas noções do amor) que não é nada superficial.

Como praticamente todos os filmes de Woody Allen, esta é uma obra que realça o trabalho dos actores, e é quase óbvio destacar a prestação premiada de Penélope Cruz como um exemplo de como é possível dar vida a uma cena só pelo modo como uma personagem se mexe. Mas gostaria de referir especialmente o trabalho de Rebecca Hall, cujo nome tem sido, por vezes, injustamente ofuscado pelos do restante elenco principal. Hall tem aqui uma personagem muito mais difícil do que parece - o de uma mulher intelectual, conservadora, repleta de conflitos internos e várias contradições. Seria muito fácil cair no cliché da mulher tradicionalista frustrada, mas Hall consegue conferir à personagem uma dimensão bem mais profunda com o seu desempenho. Nesse sentido, embora Scarlett Johansson não esteja mal, a sua performance não é tão rica em nuances e na exposição de um mundo interior mais perturbado do que parece como a de Hall – é um trabalho conseguido, mas bem longe dos resultados fabulosos obtidos em obras como “Lost in Translation” ou “Match Point”. Javier Bardem, por sua vez, desempenha o seu papel com charme e inteligência e consegue que o seu artista-macho-cool seja mais complexo e interessante do que se poderia pensar à primeira vista.

O argumento de que esta é uma visão turística de Barcelona também me parece algo bizarro – se a narrativa parte do ponto de vista de duas turistas norte-americanas que vêm ou desenvolver uma tese (Vicky) ou passar férias (Cristina) no coração da Catalunha, é natural que a imagem, adequadamente, siga um ponto de vista turístico, isto é, a de alguém exterior àquele mundo, que só o consegue conhecer parcialmente. O objectivo não é fazer um filme sobre a realidade de Barcelona, mas sim o de acompanhar aquelas duas mulheres na sua viagem exterior e interior. Está coerente com a história que se pretende contar e apetece dizer que estranho seria se fosse de outra forma.

Esperemos, pois, que o Óscar atribuído a Penélope Cruz permita alguma reavaliação do filme – ou, pelo menos, uma catalogação mais interessante do que a de simples “Postal Ilustrado”.

Slumdog Millionaire

2009-02-24T04:13:00.004Z

Gostei de "Quem Quer Ser Bilionário?" (Slumdog Millionaire) de Danny Boyle. Não achei o filme extraordinário, e muito menos isento de defeitos, mas encontrei nele imensas qualidades que me fizeram perceber o porquê de tanto entusiasmo e de tantas nomeações (e vitórias...) no ciclo de cerimónias de prémios que agora chegou ao fim com a entrega dos Oscars - e com a obra em questão a arrecadar o Oscar para Melhor Filme no fim da noite.

A equipa responsável pelo projecto descreveu o filme como um "conto de fadas", definição à qual eu acrescentaria o adjectivo "contemporâneo". Existe, no argumento de Simon Beaufoy, um sentimento de urgência de contar uma história que nos mostre o combate do ser humano perante a adversidade, a sua capacidade de "aprender com a vida", ultrapassar o seu obstáculo e tirar lições do seu esforço - com a preocupação fundamental de enquadrar esta história não numa floresta de gnomos e bruxas, como nos contos dos irmãos Grimm, mas no contexto da realidade de uma cidade dos nossos tempos. Ou seja, a necessidade de criar uma narrativa de esperança num mundo duro e actual, de ter um pé no "realismo" e o outro no "sonho", sem nunca cair no ridículo ou disparatado. Esta é uma aposta muito arriscada, não sendo nada difícil cair numa xaropada moralista.

E é aqui que o filme de Danny Boyle consegue um equilíbrio raro - Jamal, o herói, é uma personagem que luta por aquilo que quer, que tem que enfrentar as dificuldades da vida e do meio em que está inserido... mas que, mesmo assim, não desiste, por muito duro, cinzento e complexo que seja o mundo em que vive. Ao longo da história, acontecem-lhe coisas espantosas mas plausíveis, desde a chegada em helicóptero de uma star de Bollywood à sua surpreendente performance num concurso televisivo - onde a sorte e o acaso jogam um papel tão importante como a astúcia do herói - e, apesar de tudo, o que se sucede é credível e a causalidade não é posta em causa, o que não deixa de ser um feito considerável. Há cenas que não funcionam tão bem (os turistas americanos que dão a nota de cem dólares, por exemplo), mas, no conjunto, o argumento encontra-se solidamente construído.

O estilo formal muito próprio de Boyle no "contar" desta história pode não ser do agrado de todos, mas está longe de ser o disparate superficial e sem qualquer "reconhecimento de herança cinematográfica" que por aí foi apregoado. Sim, a montagem pode ser acelerada ao ritmo de mil-cortes-por-segundo, os planos enquadrados de forma "torta" e com uma câmara-à-mão nervosa, pode haver várias canções pop a aparecer de forma pouco habitual no decorrer de uma sequência, cada cena pode ser fotografada com centenas de filtros e efeitos de pós-produção - mas há toda uma concepção de narrativa e de construção dramática que, na realidade, vai beber muito mais aos ideais do cinema clássico do que a um mau videoclip. David Bordwell, aliás, explica isto de forma muito clara e desenvolvida no seu excelente texto de análise à obra de Boyle.

Falou-se, em vários sítios, da chamada "pornografia da pobreza" de que o filme seria um aparente e muito triste exemplo. Alicia Wells, no Times Online, chega ao ponto de dizer que Boyle é um realizador brilhante mas que mostrar violência com crianças é "Vile" - ou seja, sujo, porco, indecente. Igualmente, alguns críticos têm apontado a "pobreza de olhar" como factor para denegrir o filme. A eterna questão sobre "o que é pornográfico ou não" é interessante, mas seria mais interessante se quem atribui esta etiqueta explicasse, claramente, como se filma a pobreza, a miséria, a violência para com crianças e semelhantes atrocidades sem se cair no voyeurismo ou numa qualquer gratificação do espectador. Parto do princípio que o cinema, como as outras artes, pode confrontar-se com os aspectos degradantes da existência humana e reflectir sobre eles. Em relação à "pobreza do olhar", tópico vago que daria para um texto inteiro, digamos só que gostava de acreditar que não é por se filmar a miséria com um estilo de montagem acelerado e estilizado e não num único plano-sequência fixo que se vai determinar se um filme é ou não um dejecto...

Sobre a questão da verosimilhança no filme, e a recepção crítica deste, vale a pena ler:

Finais felizes. Algumas notas sobre o filme "Slumdog Millionaire" de Ana Sofia Couto.

Nuno Bragança e uma sugestão...

2009-02-13T01:24:00.006Z

A Dom Quixote vai reeditar a obra completa de Nuno Bragança neste mês de Fevereiro de modo a assinalar a passagem do octogésimo aniversário do nascimento do escritor, e o volume apresentado parece ser verdadeiramente fabuloso. Porém, reparei numa pequena ausência do espólio que talvez não incomode muita gente mas que, definitivamente, me chamou a atenção: a do guião de "Os Verdes Anos" de Paulo Rocha, para o qual Bragança assinou os diálogos. É certo que não é um romance, nem tão pouco uma obra de prosa, e é também verdade que Bragança foi um colaborador e não o autor da história. Mas, ainda assim, não seria esta uma boa ocasião para editar o argumento de uma obra para o qual o seu contributo foi decisivo? Ou, como alternativa limite, disponibilizá-lo como "extra" numa eventual (e há muito desejada) edição em DVD do referido filme?

A Arte da Montagem - Uma Conversa entre Walter Murch e Michael Ondaatje

2009-02-12T03:56:00.009Z

Aquando da pós-produção do filme "O Paciente Inglês" de Anthony Minghella, Michael Ondaatje, o autor do romance original que serviu de base à longa-metragem, ficou fascinado com o trabalho minucioso levado a cabo pelo montador Walter Murch na sala de edição. Este fascínio fez com que Ondaatje quisesse conhecer melhor aquele homem que tinha a particularidade de montar de pé "como um cirurgião realiza uma operação" e, depois, iniciasse um conjunto de entrevistas com ele que viria a formar o livro "The Conversations: Walter Murch and the Art of Editing Film".

Uma pequena introdução impõe-se, sobretudo tendo em conta que os montadores nunca são tão conhecidos como os realizadores. Pertencente à mesma geração de movie-brats onde se incluem realizadores como George Lucas, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg ou Martin Scorsese, Walter Murch, ao contrário dos nomes citados, fez carreira longe das câmaras, trabalhando (quase) sempre na pós-produção como montador de imagem, designer de som e director de misturas, chegando algumas vezes a acumular todos estes cargos num mesmo filme. É largamente reconhecido como um dos mais importantes montadores vivos, e o seu livro, "In the Blink of an Eye: A Perspective on Film Editing", pode facilmente ser considerado um dos grandes textos da teoria contemporânea de montagem, ancorado numa larga experiência profissional na pós-produção de filmes tão marcantes como "Apocalypse Now" ou a trilogia "O Padrinho".

Um exemplo primordial do modo como a montagem, e o contributo pessoal do editor, molda uma obra cinematográfica surge no relato que Murch faz do seu primeiro trabalho como montador de longa-metragem no filme "O Vigilante" ("The Conversation", 1974) de Francis Ford Coppola. Um projecto antigo e muito pessoal do seu realizador/argumentista, "O Vigilante" foi rodado entre o final de "O Padrinho" e o início de "O Padrinho II", sendo que Coppola, por obrigações contratuais com a Paramount, foi forçado a partir para a rodagem do segundo volume da sua lendária trilogia sem poder participar na montagem do filme com o envolvimento que desejaria. Sem poder fazer muito mais, optou por deixar o material nas mãos de Walter Murch, limitando-se a aparecer nalgumas reuniões semanais para ver o modo como a montagem evoluía.

Com o realizador ausente e a dar carta-branca ao seu montador, Murch teve uma liberdade criativa pouco habitual na montagem do filme e, ao não limitar-se a "alinhar e cortar" o material disponível, reestruturou a narrativa, atribuiu novos significados a cenas problemáticas, criou a atmosfera de solidão e paranóia do filme através de um desenho de som minucioso e construiu um final marcante com o aproveitamento de uma má take de som (!). O resultado foi uma estrondosa obra-prima que arrecadou a Palma d'Ouro em Cannes no ano de 1974 e que permanece uma das obras favoritas do seu realizador.

Dividida em cinco extensas entrevistas, a conversa entre Ondaatje e Murch vai focando diversos pontos sempre com grande interesse e um bom ritmo, com o escritor a colocar perguntas do ponto de vista de um "leigo-culto" que nitidamente admira o seu entrevistado sem abdicar de dar o seu contributo pessoal para a discussão. Os diálogos abrangem temas tão distintos como o relacionamento entre realizador e montador; a criação e construção narrativa; técnicas e teorias de montagem (é reexplorada a célebre teoria do "piscar de olho"); a remontagem de "A Sede do Mal" de Orson Welles de acordo com as notas deixadas pelo realizador (naquela que é, actualmente, a única versão do filme disponível em DVD no mercado português); a adaptação literária em "A Insustentável Leveza do Ser" ou "O Paciente Inglês"; a sua tentativa de criar um sistema de partitura para o cinema semelhante ao que existe na música; o restauro digital de um curtíssimo filme-sonoro de Edison e a sua única experiência no campo da realização nessa encantadora fábula que é "Return to Oz" (1985).

Ao longo de cerca de 350 páginas, Murch revela-se uma fonte de sabedoria quase inesgotável, tão capaz de falar, num momento, de uma sinfonia de Haydn como, noutro, da poesia de Curzio Malaparte, sendo que a única área onde, a páginas tantas, confessa não ter grande conhecimento é precisamente... a história de cinema! Afirmação esta que, contudo, temos de aceitar como marca de modéstia mais do que verdadeira auto-análise - veja-se o modo detalhado como Murch teoriza sobre a importância que Edison, Beethoven e Flaubert tiveram na concepção do cinema como o entendemos e apreciamos hoje!

Tal como "In the Blink of an Eye", este "The Conversations" há muito que merecia uma tradução portuguesa - até porque transcende largamente a categoria de "livro técnico de nicho" que parece tornar a edição de textos ligados ao cinema tão difícil. Enquanto esperamos (ou não...), temos as edições de língua inglesa e, inclusive, uma espanhola (muito bem traduzida, diga-se de passagem) que costuma abundar pelas FNACs, para nos satisfazer...

O que é a Montagem (I)

2009-01-14T04:29:00.006Z

Uma das pedras lapidares de toda a teoria da montagem (e do cinema tout court...) é o chamado "Efeito Kulechov". Trata-se de uma experiência formal levada a cabo pelo realizador/montador/professor russo Lev Kulechov* (com a participação de um aluno muito especial chamado Vsevolod Pudovkin) por volta de 1921 que consistia na projecção de uma sucessão de imagens perante um grupo de espectadores cujas reacções ao material com que foram confrontados fizeram história.

O enunciado teórico pode resumir-se à seguinte ideia: o posicionamento de um primeiro plano neutro em relação a um segundo plano neutro cria uma sequência cujo significado é inteiramente construído pelo espectador. Ou seja, a justaposição permite-nos estabelecer ligações entre dois planos que, por si só, nada dizem.

O seguinte vídeo ilustra o efeito na sua forma mais básica, procurando recriar a mesma sucessão de imagens montada por Kulechov a partir de planos do rosto do popular actor de teatro Mosjoukine posicionados com imagens tão diversas como a de um prato de sopa, a de um caixão de uma criança ou a de uma mulher deitada num divã:

Ainda hoje, o efeito Kulechov pode ser visto em toda a sua potência nas mais diversas obras audiovisuais contemporâneas (filmes, séries, clips, telenovelas, publicidade, etc). Veja-se a divertida explicação da aplicação prática do efeito dada por Alfred Hitchcock, que tão bem utilizou os princípios teóricos de Kulechov em toda a sua obra:

Uma versão mais alargada desta entrevista pode ser encontrada aqui. Há só que perdoar a má legendagem em castelhano...

* - É conveniente referir que a grafia do nome do realizador russo tem uma estranha variação conforme a língua dos textos que se consultar - em inglês, é habitual aparecer escrito como "Lev Kuleshov", com "s"; porém, os textos em francês costumam utilizar "Kulechov" - optei por utilizar a segunda hipótese, muito embora esteja consciente de que posso estar errado e de que não tenho quaisquer conhecimentos de russo que me permitam ter autoridade para determinar a transcrição correcta...

Em defesa da cultura e das ideias

2008-12-15T23:01:00.005Z

Ao estrear a edição espanhola do DVD da série Monster, fui presenteado, poucos segundos depois de colocar o disco no leitor, com uma publicidade anti-pirataria. Para meu espanto, não se trata do mesmo anúncio que conhecia de diversos DVDs adquiridos ou alugados nos últimos anos, mas sim de um clip original financiado pelo Ministério da Cultura de Espanha, realizado por uma equipa espanhola e dirigido especificamente ao mercado espanhol (onde, diga-se, os números de pirataria são bem grandes). E, para minha estupefacção, gostei muito do spot!

O que tem de tão especial a publicidade espanhola? Diria, antes de mais, o tom: em vez de tratar o espectador como uma criança que deve ser assustada com as consequências de um download de um ficheiro Torrent ou de uma visita "frutífera" à Feira da Ladra, o clip visa realçar o valor da cultura e o valor das ideias na nossa existência humana, defendendo que estas têm que ser protegidas e não deixadas ao abandono. "Defende a tua cultura" é o slogan da campanha. Formalmente, o spot é construído com uma montagem lenta e suave, acompanhado de uma música calma que não me distrai da mensagem que a publicidade visa transmitir. Saio do visionamento deste spot a sentir-me respeitado por quem o fez. Consequentemente, o seu apelo toca-me.

É um contraste absolutamente notório com o outro spot a que já aludi. Quem tenha comprado DVDs (tanto nacionais como internacionais) nos últimos anos certamente já terá visto a campanha publicitária que, à falta de um título melhor, podemos designar por "Você não roubaria um filme". Este spot, que também já passou pelos ecrãs grandes, é marcado por um tom agressivo tanto a nível das mensagens de texto como das formas visuais e sonoras (a música e a montagem, em especial, parecem estar constantemente a tentar martelar na cabeça do espectador!). A moral da história é feita através da comparação entre diversas formas de pirataria (download, compra nas feiras, etc.) e o roubo de um carro ou de uma mala. E, claro, acaba com uma ameaça: esta actividade é um crime, e quem o cometer pode apanhar vários anos de prisão e uma multa dolorosa!!! Sinto que quem fez este spot pensa que o espectador é uma criança ingénua que tem de saber que se brincar com o fogo, queima-se. Mas eu não sou uma criança...

Além de tudo isto, tem uma outra característica particularmente irritante: surge no início do carregamento de cada disco e não pode ser saltado - o comando do utilizador fica bloqueado e este tem mesmo de o aturar caso queira ver o filme que o spot acompanha. Se alguém quiser ver uma série de TV (como "Alfred Hitchcock Apresenta", cuja box conta com a presença do spot), e fizer questão de ver um episódio de cada vez em sessões diferentes, vai ser forçado a gramar o clip toda e cada vez que o fizer. Outro ponto curioso: só surge em DVDs completamente legais comprados numa loja normal, constituindo, a meu ver, um dos piores incentivos inadvertidos à pirataria...*

A questão da cópia ilegal de filmes é muito mais complexa do que se pode presumir. Mas nem é isso que está em causa na comparação destes dois spots: trata-se, antes de mais, de saber e questionar o modo como as entidades culturais/industriais escolhem lidar com este problema - tratando os espectadores/consumidores como pessoas inteligentes que sabem pensar por si? Ou como uma espécie de infantes crescidos que têm de ser assustados para chegarem à razão?

*Entretanto, o spot tem sido alvo de inúmeras paródias tanto a nível amador como profissional. Deixo aqui duas particularmente bem conseguidas:

"My theory that you should see a movie on a big screen is sound, but utopian."

2008-12-08T21:54:00.004Z

A frase que serve de título a este post foi escrita pelo crítico Roger Ebert na conclusão do seu artigo sobre os melhores filmes de 2008 e surge a propósito do estado pouco recomendável da distribuição de filmes nas salas de cinema dos EUA.

De facto, um dos aspectos que mais pode chamar a atenção no texto de Ebert sobre o ano cinematográfico que agora chega ao fim é o facto de que vários dos títulos mencionados são uma completa incógnita não só para espectadores deste lado do oceano Atlântico como, também, para os do país onde tal lista foi elaborada. Da mesma maneira que é difícil para um espectador português ter a diversidade e a possibilidade de escolha de um congénere parisiense, no país que mais filmes exporta para todo o mundo também pode ser uma odisseia conseguir ver a mais recente obra de um realizador conceituado simplesmente porque se vive no Kentucky e não em Nova-Iorque.

É aqui que os novos suportes de distribuição digital desempenham um papel deveras importante, como confirma Ebert ao afirmar que "This is a time when home video, Netflix and the good movie channels come to the rescue." De facto, torna-se muito difícil contestar o poder do DVD, dos Blu-Ray e dos downloads (legais ou não, isso é outra história...) na divulgação de filmes que, normalmente, seriam barrados pelos imperativos económicos de chegarem ao(s) público(s) que os quer(em) ver. E não esqueçamos, já agora, a importância que as televisões, com especial incidência para os canais dedicados à sétima arte e aos "generalistas" que organizam ciclos, têm, através da exibição de clássicos, na formação do gosto e da cinefilia de muita gente que não tem acesso a um espaço como a Cinemateca Portuguesa. Sem estar sequer perto de perder o gosto por ver os filmes no grande ecrã, Ebert revela, nestas duas simples frases, uma frescura de pensamento em relação à evolução tecnológica do cinema que é salutar e, a meu ver, exemplar.

Uma breve nota sobre "A Turma" de Laurent Cantet

2008-11-24T20:11:00.005Z

Como se está a tornar hábito (chato) por estes lados, só agora é que consegui ir assistir ao filme que arrebatou a Palma d'Ouro no Festival de Cannes deste ano. Mas em boa hora: "A Turma" de Laurent Cantet é, sem margem para dúvidas, uma das grandes obras cinematográficas de 2008. Espantoso tanto a nível do tratamento dos temas abordados (a educação "dentro das paredes" da sala de aula) como da própria concepção formal e narrativa, a mais recente longa-metragem do autor de "Recursos Humanos" é uma pedrada no charco que merece ser vista e discutida por toda a gente, não só por pessoas ligadas à área da educação ou do cinema.

É conveniente sublinhar que Cantet não quer pregar uma pedagogia neste filme: não estamos perante um típico "conto inspirador" de um professor que vem pôr uma turma difícil na ordem ao revelar-lhes as pessoas extraordinárias que são. François, o professor e protagonista da história, é um ser humano falível, capaz tanto de conduzir uma aula de uma turma problemática com inegável mestria como de errar, de assumir uma postura questionável perante um aluno ou até mesmo descontrolar-se. Da mesma maneira, um aluno problemático pode num momento surpreender-nos com uma atitude ou um gesto reveladores do seu real potencial como, no seguinte, voltar a confirmar más expectativas.

O ser humano enquanto ser eminentemente complexo - é este fascínio pela personagem enquanto ser falível e não como "exemplo de coerência" que eleva a dramaturgia do filme para um nível inesperadamente elevado e de uma riqueza rara. E, numa altura em que muito se fala do realismo e do naturalismo nas artes representativas, é refrescante ver uma obra que nos dá a ver o interior de uma sala de aula com uma enorme atenção ao pormenor e uma visão não estereotipada das diversas realidades que podemos encontrar nessa mesma sala.

Nesse sentido, é também fascinante descobrir os métodos de trabalho (ou, se quisermos, a aproximação) que o realizador e a sua equipa adoptaram para a feitura do filme*, centrando-se nos temas do livro sem seguir as situações à risca, dando um vasto espaço de improvisação aos seus intérpretes e usando uma estética semi-documental, com uma câmara à mão muito controlada e selectiva. O resultado está à vista: não só a realização é fantástica, como as interpretações de todos os envolvidos, actores e não-actores, é brilhante.

E, claro, para quem apregoe que o cinema de autor é incapaz de conciliar as palmas da crítica com o agrado do grande público, "A Turma" é um dos maiores estalos na cara: para além da Palma d'Ouro e dos elogios da imprensa especializada, o filme de Cantet tem feito uma carreira comercial invejável por onde tem passado. Em Portugal, já ultrapassou a barreira dos 15 mil espectadores. E acredito que não fique por aqui...

* Ler, a este propósito, a extensa e excelente entrevista dada por Laurent Cantet aos Cahiers du Cinema no número 637 da mencionada revista.

Duas breves sugestões para uma Noite das Bruxas cinéfila

2008-10-31T17:06:00.005Z

Primeiro, uma das maiores obras-primas de John Carpenter, incontornável neste dia do ano, para ver e rever pela enésima vez e continuar a ficar fascinado pelo modo como resiste ao tempo e permanece uma pura lição de cinema.

Depois, atrevo-me a dizê-lo, um dos melhores remakes do género, assinado por um dos nomes mais estimulantes do cinema de terror norte-americano contemporâneo que, correndo o maior dos riscos, não teve medo de dar a sua visão muito pessoal do original. Não o seguindo à risca, prestou-lhe a melhor das homenagens e, acima de tudo, ganhou essa autonomia que todo o remake deve ter em relação ao original.

Happy trick or treating!

"Halloween - O Regresso do Mal" de John Carpenter no IMDB.

"Halloween" de Rob Zombie no IMDB.

Revista da Associação Portuguesa de Argumentistas e Dramaturgos online

2008-10-30T04:00:00.005Z

Só há uns dias é que descobri que a Associação Portuguesa de Argumentistas e Dramaturgos, desde o início de Outubro, colocou online uma "e-magazine" com diversos artigos redigidos pelos seus sócios.

Neste conjunto de textos dedicados ao sempre intrigante e polémico tema "Ser Guionista em Portugal", há que destacar um perspicaz olhar sobre a situação do cinema português da autoria de Jorge Vaz Nande (com o sugestivo título "Devemos sempre olhar para a Nigéria"); uma divertida (e nem por isso pouco amarga) crónica da profissão escrita por Tiago Santos ("Call Girl"), e, também, uma muito interessante entrevista a António Ferreira, o cineasta que escreveu e realizou esse delicioso retrato de uma família portuguesa em colapso chamado "Esquece Tudo o Que Te Disse". Há outros textos bem interessantes, mas deixo os links dos artigos citados para aguçar o apetite para o resto.

Num país onde a profissão de argumentista, para além de ser injustamente desvalorizada, parece dar novo sentido à expressão "trabalho intermitente" (a não ser, claro, que se esteja a escrever para telenovelas), é de louvar que a sua maior associação dê provas de dinamismo ao pedir aos seus sócios para reflectirem sobre o estado e a arte do seu ofício. A seguir atentamente.

Elogio de "Mal Nascida"

2008-10-27T21:57:00.008Z

Tenho estado para escrever aqui sobre "Mal Nascida", a mais recente longa-metragem de João Canijo estreada entre nós no início de Outubro num número bastante reduzido de salas e com menos "burburinho" crítico que a sua "prequela", "Noite Escura". Já passou uma semana desde que tive a oportunidade de o ver, mas tem sido difícil ordenar as ideias que o filme suscitou e colocá-las por escrito. Aqui vai uma tentativa...

Antes de começar, porém, devo avisar que este texto não é uma crítica nem uma análise da obra em questão. É, antes, um elogio ao que se fez neste filme: adaptando a história de Electra à nossa realidade contemporânea, Canijo transpôs a acção de uma tragédia grega para um cenário no interior de Portugal (esse país "de brandos costumes" onde "não se passa nada" e, por isso mesmo, todos são poetas...) arrebatando, no processo, uma história de um enorme folgo dramático com uma naturalidade que impressiona.

Ao contrário de outros cineastas portugueses, Canijo não filma as suas personagens "feias, porcas e más" como se estivesse do lado de fora de uma jaula do jardim zoológico a ver uma qualquer atracção exótica. Sabe que, no meio daquela rudeza, daquela má educação, estão seres humanos, pessoas colocadas numa situação extrema e cujas (re)acções têm tanto de revoltante como de triste e, não raras vezes, de comovente. Consequentemente, consegue mostrar que aquelas almas perdidas que habitam aquela aldeia aparentemente tão remota têm muito mais a ver connosco, espectadores sentados confortavelmente nas cadeiras da sala de cinema, do que poderíamos pensar. O fabuloso trabalho dos actores (do qual não apetece destacar ninguém, de tal forma Anabela Moreira, Fernando Luís, Márcia Breia e Gonçalo Waddington estão maravilhosamente à altura uns dos outros), o cuidado notório na caracterização do ambiente tanto a nível visual como sonoro e, claro, uma realização segura, tornam esta obra obrigatória no início deste Outono cinematográfico.

Não é um filme "bonito" - é um filme justo. Só por isso, merece toda a nossa atenção...

Reboot

2008-10-27T21:45:00.002Z

Nada de justificações, nada de promessas. Refresque-se a máquina e venham os textos que vierem...

Le Roi est mort... Vive le Roi!

2008-02-02T18:17:00.000Z

Estreia hoje, às 21h 15m, na RTP1, a série "O Dia do Regicídio", um projecto em que tive o prazer de trabalhar o ano passado enquanto assistente de montagem. Trata-se de uma ficção centrada nos eventos que levaram ao assassinato do rei D.Carlos.

Infelizmente, a versão que, para já, vai para o ar é uma espécie de "compacto" da série, com dois episódios a serem "colados" um ao outro para que a totalidade da série seja exibida nestes próximos três dias em "fatias" de 90 minutos... o que pressupõe vários cortes na montagem final.

Como alguém que participou, ainda que de forma bastante secundária, na feitura desta obra, lamento com um considerável desapontamento que, de momento, tenhamos de ver uma variante "encurtada" da série por razões que me escapam completamente - fica a esperança e o desejo de que, no futuro, a versão integral seja transmitida tal como o realizador, os argumentistas, o director de fotografia, o montador e toda a restante equipa a imaginou.

De qualquer forma, não se demovam de assistir aos episódios, porque a série, na minha modesta (e, claro, não exactamente isenta) opinião, continua a ter um nível e uma qualidade inegável - para aguçar o apetite de quem ler estas linhas, deixo-vos aqui a trailer:

Espero que gostem!

Talk-Radio! Entrevista ao indivíduo responsável por este blog...

2008-01-23T16:29:00.000Z

Tive o prazer de ser recentemente entrevistado para a secção Posta@Posta do site Jornalismo Porto Rádio da Universidade do Porto - trata-se de um programa centrado na blogosfera portuguesa e na conversa com as pessoas que se sentam por de trás do computador a debitar textos para o Blogger ou para outro qualquer site de alojamento de blogs!

Da minha parte, posso dizer que a entrevista correu bastante bem (não obstante uma pequena calinada no português, uma expressão dita de forma incorrecta E uma gaffe no nome do realizador Hiroyuki Yamaga - tudo da minha autoria...), o pessoal da JPR foi de um profissionalismo acima de qualquer dúvida e conseguiu escolher bem as frases a reter de entre 45 minutos de conversa ao telefone! No programa: algumas considerações sobre o mundo do cinema (tanto lá fora como em Portugal), algumas histórias dos bastidores deste blog, a experiência de ter trabalhado com o Canto e Castro; e, claro, uma breve promo de "O Dia do Regicídio"!

Portanto, se quiserem ouvir o meu gaguejar e ficar com uma ideia da minha voz, dêem um saltinho ao site do Posta@Posta! Da minha parte, fica aqui o meu agradecimento à equipa de Diana Albuquerque, Marta Maia e Tatiana Carvalho por me terem posto à vontade e pelo interesse demonstrado por este cantinho da blogosfera! ^_^

Entrevista

http://jpr.icicom.up.pt/postaposta/

Site Jornalismo Porto Rádio

Heath Ledger (1979-2008)

2008-01-23T16:07:00.000Z

Agora que se preparava para conseguir o impossível e fazer-nos esquecer, nem que só momentaneamente, o extraordinário Joker que Jack Nicholson criou para "Batman" de Tim Burton, ficamos com aquela sensação desconfortável de que iremos ver, no seu derradeiro trabalho em "The Dark Knight" de Christopher Nolan, um canto de cisne negro que só nos lembrará que este jovem actor ainda tinha muito para dar - a nós e à 7a arte. Ficamos com essa certeza e com a memória daquele cowboy solitário magistralmente retratado em "Brokeback Mountain" - o que, se pensarmos bem nisso, não é nada pouco para quem só tinha 28 anos...

Ficha no IMDB

Entrada na Wikipedia

Pela honra de quem se mata a escrever

2007-12-08T19:28:00.000Z

Como já deve ser do conhecimento geral, os argumentistas norte-americanos inscritos no Writer's Guild of America (WGA) encontram-se actualmente em greve - o resultado disto é que séries de ficção como "Heroes" e talk-shows como o "The Tonight Show" ou "The Daily Show" estão, actualmente, a passar episódios antigos (e isto tanto nos EUA como em Portugal), num regime de repetições que só terminará quando as negociações com as produtoras e as cadeias de televisão se resolverem.

Mas se a greve tem sido amplamente divulgada nos media, já as razões que levaram à sua existência não têm sido suficientemente esclarecidas. Encontrei este vídeo no blog da Ardelua, e não resisto a colocá-lo aqui, pois explica, de uma forma concisa, completa e muito divertida, o busilis da questão:

Se ficarem sensibilizados, convido-vos a visitarem o blog oficial dos grevistas e a assinarem a petição online de apoio à causa dos argumentistas. O meu nome já lá está...

P.S. - E quando é que, em Portugal, os nossos profissionais do audiovisual se decidem a "bater o pé" com a mesma dignidade que os seus congéneres americanos?

O tamanho importa...

2007-11-18T17:58:00.000Z

Ontem, pouco antes do jogo da Selecção Nacional, o noticiário da RTP apresentou um curioso alinhamento de notícias que, de certa forma, é um primoroso retrato do nosso país: a primeira reportagem falava-nos do encerramento do Cinema Quarteto por falta de condições de segurança; a isto, seguiu-se um mui pomposo bloco que nos mostrava como o país olhou deslumbrado para a inauguração da Maior Árvore de Natal da Europa no Porto.

Um dos cinemas mais emblemáticos de Lisboa, responsável pela exibição de centenas de títulos marcantes que qualquer cinéfilo que o tenha visitado não pode esquecer, ameaça fechar as portas apesar dos esforços dos seus responsáveis para corrigir a situação, mas não há problema: a nossa Árvore de Natal é maior do que as dos outros países do nosso continente! Enfim, prioridades...

Dario Argento Ritorna: La Terza Madre (The Third Mother: Mother of Tears)

2007-10-21T00:40:00.000+01:00

Estreia dia 31 deste mês na Itália aquele que deve ser um (o?) dos filmes de terror mais aguardados dos últimos tempos - "La Terza Madre" de Dario Argento, o terceiro e último capítulo de uma mítica trilogia iniciada há precisamente 30 anos com o extraordinário "Suspiria" pelo realizador de obras como "Profondo Rosso" ou "Phenomena", trilogia essa interrompida (e só agora retomada) após o fracasso comercial do segundo opus, "Inferno" (1980).

A trailer, que pode ser vista aqui, está na net há já algum tempo e permite aguçar o apetite para o que aí vem. Não parece que estejamos perante os mesmos espectáculos visuais do primeiro filme (embora, diga-se de passagem, a fotografia esteja com óptimo aspecto), mas o argumento parece bastante interessante e é sempre bom saber que a música é composta por Claudio Simonetti (grande colaborador de Argento e antigo membro dos Goblin, banda responsável pela fabulosa música de "Suspiria") e que Asia Argento, a filha do realizador e uma actriz de excepção, é a protagonista.

Dario Argento declarou à revista francesa Mad Movies que este é o filme mais gore que alguma vez rodou e que foi criado no mesmo estilo das suas obras dos anos 70 (que muitos fãs consideram ser o seu período de ouro). As reacções às poucas exibições que o filme teve em festivais têm sido mistas, mas nada que tolde o entusiasmo em torno da obra.

Argento é um dos nomes de referência do cinema fantástico Italiano desde o início dos anos 70. Capaz de fazer algumas das maiores obras dos respectivos géneros ("Suspiria", "Profondo Rosso") como também títulos francamente fracos ("Trauma", "Ti Piace Hitchcock?"), os seus mais recentes trabalhos foram dois episódios para a série "Masters of Horror" - "Jenifer", na primeira temporada, e "Pelts", na segunda. O seu último filme estreado nas salas foi "Il Cartaio - O Jogador Misterioso", que foi editado em Portugal directamente em DVD numa edição unicamente dobrada em inglês. Por cá, a última obra que vimos nos ecrãs grandes portugueses foi "O Fantasma da Ópera" em... 1999.

Alguma esperança de virmos a ter este filme a estrear nas nossas salas? Façamos figas...

Um novo Jump Cut!

2007-09-29T18:29:00.000+01:00

Vem tarde, mas não podia deixar de fazer a publicidade gratuita ao recentemente reactivado Jump Cut, um blog de cinema assinado por um velho amigo desta casa (o famigerado Excombatente!) que voltou à escrita sobre a 7ª arte neste mês de Setembro. Fica aqui o desejo de uma boa continuação nesta aventura, e também a recomendação de leitura do artigo sobre o fantástico "Nevoeiro" desse mestre que é John Carpenter. A consultar frequentemente, até porque o seu autor escreve com alguma maior regularidade do que eu...

Publicidade Divina

2007-09-29T17:54:00.000+01:00

"My Blueberry Nights" de Wong Kar-Wai tarda a estrear em Portugal (estreará sequer?). Mas enquanto vamos aguardando pelo dia em que as nossas salas possam descobrir a primeira aventura em território americano do realizador de "In the Mood for Love", podemos deleitar-nos com esta pequena maravilha de anúncio que WKW dirigiu recentemente para a Dior. E quando a musa* do autor para esta very-short-story é só a sublime Eva Green, temos a certeza que o que nos espera é algo de realmente especial! Vejam e admirem - afinal, a publicidade também é (ou pelo menos pode ser) cinema...

* - Por falar em musas, e para que a questão não fique sem resposta, a música de fundo do spot é nem mais nem menos do que "Space Dementia" dos Muse.

R.I.P. PREMIERE PORTUGUESA:1999 - 2007

2007-09-18T16:31:00.000+01:00

Hoje, ao voltar a casa, descobri, com enorme choque, a notícia de que a Premiere, a única revista de cinema actualmente em publicação em Portugal, irá ter o seu derradeiro número já no próximo mês. Podem ler uma emocionada (e bem esclarecedora) nota do director da revista, José Vieira Mendes, no blog da revista. Creio que esse post explica melhor o que se passou para as coisas chegarem a este ponto do que qualquer tentativa de sumarizar o assunto numa ou duas linhas.

Sou leitor da versão portuguesa da Premiere desde o primeiro número. Quando surgiu no mercado, estávamos numa época onde a crítica cinematográfica e os textos sobre cinema estavam limitados a uma secção nos jornais generalistas e a uma ou duas "promo mags" oferecidas nas salas de cinema que pouco mais eram do que uma publicidade alargada disfarçada de "textos sérios". Se não me engano, a última tentativa de fazer uma revista dedicada à 7ª arte com uma grande circulação no país tinha sido a TV Filmes que, tal como as suas antecessoras, não se aguentou por muito tempo. A longevidade e a resistência da Premiere às atribulações do mercado português pareciam, por isso mesmo, sugerir que esta seria uma publicação para se aguentar durante muitos anos e bons. Prestes a concluir nove trezentos-e-sessenta-e-cinco dias de existência, vê agora as suas portas fecharem por "motivos de ordem económica". Ironia das ironias, as vendas até iam bastante bem...

Que fique claro, não creio que a Premiere fosse uma revista perfeita. Não alinho com os comentários disparatados que pintaram a revista como estando "ao serviço dos estúdios americanos", mas o certo é que as entrevistas às celebridades (importadas da Fotogramas espanhola, há que recordá-lo...) por vezes pareciam saídas da Caras, e muitos artigos interessantes pecavam por serem excessivamente curtos, sem desenvolver suficientemente o tema que propunham abordar. Porém, seria de uma tremenda injustiça e grosseria não reconhecer o enorme mérito de toda a equipa da revista em criar, todos os meses, textos e artigos que foram formando a cinefilia nacional - das crónicas de Criswell à cobertura dos festivais, passando pelas análises dos DVDs nacionais e importados, permitiu que críticos jovens como Marco Oliveira, Luís Salvado, Nuno Markl, Rui Pedro Tendinha ou Luís Canau pudessem ver os seus textos publicados. Sem nunca descurar os acontecimentos e as novidades da indústria a nível mundial, deu uma noção do que se fazia cá dentro na área da 7ª arte. Possibilitou, via o DVD que se tornou no "extra" da revista nos últimos anos, o contacto com alguns filmes de grande qualidade a um preço mais acessível. E, sobretudo, difundiu e partilhou a evidente paixão dos seus redactores pelo cinema. A crescente quantidade de respostas ao post de obituário da revista no seu blog oficial só prova que, nestes oito anos, conseguiu criar uma considerável comunidade de leitores fiéis que não pode ser ignorada.

Parece uma maldição que todas as revistas de cinema lançadas em Portugal tenham um fim inglório. Não deixa de ser paradoxal (e muito triste) constatar que aquela que é uma das mais populares artes das civilizações contemporâneas tem mais dificuldade em se impor por terras lusas do que uma revista de jardinagem ou a enésima publicação cor-de-rosa...

"We'll be right back after these wise words from our sponsors..."

2007-08-30T20:25:00.000+01:00

Por motivos de cariz profissional (isto é: porque vou estar a trabalhar!), o CineArte vai ficar de actividade suspensa até, pelo menos, 5 de Setembro. Entretanto, e para compensar a minha curta ausência, deixo aqui um vídeo hillariantemente genial que descobri há uns tempos no Blog da Premiere e que não resisto a partilhar! Espero que apreciem e que a entrada em Setembro seja proveitosa!

AMERICAN DONUTS - SIMPSONS: o Filme

2007-08-12T22:39:00.000+01:00

Foram precisos 18 anos para que a família norte-americana mais famosa da televisão fizesse a tão aguardada transição para o grande ecrã. O resultado está aí – uma sátira completamente louca às vicissitudes da família e da sociedade, ancorada num guião deliciosamente construído (assinado por 11 argumentistas, hélas!) com um sentido de humor insano digno dos Monty Python que não se coíbe de criticar tudo e todos (e nem a Disney escapa a umas boas farpas!).

Como o próprio James L. Brooks (produtor da série desde o primeiro dia) já afirmou, não é necessário estar a contar o plot para justificar o acto de comprar o bilhete de admissão – espera-nos uma história de hora e meia com Homer, Bart, Marge, Lisa, Maggie e todo um vasto elenco de personagens secundárias que já conhecemos com a familiaridade de velhos amigos, apresentada com uma animação “à antiga”, desenhada à mão, mas mais trabalhada do que o habitual (atente-se aos detalhes das sombras das personagens e à riqueza da paleta de cores) e com uma sucessão de gags absolutamente alucinante que vão desde a sátira política ao pura e simplesmente absurdo.

Há quem venha criticar que esta incursão cinematográfica não acrescenta nada ao que já vimos nas várias temporadas emitidas na televisão – um dos primeiros gags, aliás, toca precisamente nessa questão criativa com um tom irónico fabuloso – mas quando a série original já é acima da média em tudo (realização, argumento, interpretações vocais, etc.) e constitui um olhar único sobre as parvoíces e qualidades redentoras da nossa sociedade, que razão temos para nos queixarmos? Tal como outras séries que fizeram com êxito a sua passagem para o cinema (penso em South Park, por exemplo) estamos perante uma aventura “bigger, better and uncut” – que mais poderíamos querer?

Para terminar, duas observações não relacionadas com o filme em si: primeiramente, e tendo em conta de que esta é uma obra de animação de humor inteligente dirigida (sobretudo) a um público adulto, há que questionar quem é que teve a ideia brilhante de nos apresentar uma versão dobrada, ainda para mais quando a série sempre foi emitida em Portugal com legendas? Confesso que, como não vi a dobragem portuguesa, posso estar a ser injusto com todos os envolvidos nesta, mas parece-me impossível manter o rigor e a magistralidade das prestações dos actores originais, bem como todos os subentendidos e todas as brincadeiras com a língua inglesa que os diálogos têm no script, numa versão “falada em português”. A legendagem pode nem sempre acertar na sua adaptação para a língua portuguesa, mas quem tiver bom ouvido e conhecimentos razoáveis de inglês, pelo menos, tem a hipótese de não perder nada. Felizmente, saúde-se o facto de termos a alternativa de visionar a versão legendada, se não em todas, pelo menos em várias das salas que, actualmente, exibem a película.

Em segundo: num filme cujo genérico de fim arranca com uma paródia às pessoas que saem da sala assim que este começa, é impressionante assistir-se à “fuga” de uma grande parte dos espectadores da sessão a que assisti – caramba, os criadores estão praticamente a berrar-nos que o genérico vai estar cheio de bons gags para quem ficar até ao (verdadeiro) fim, e mesmo assim cedemos ao impulso infantil de sair IMEDIATAMENTE após a história terminar? É caso para dizer: D’oh!

Uma Série de Séries

2007-08-04T17:09:00.001+01:00

Fui desafiado pela Sara do Transeunte Inútil de Ti e de Mim (a quem retribuo o desafio com esta resposta e com um beijo...) a fazer uma lista das minhas cinco séries de TV favoritas. Ora, quem me conhece sabe que não gosto particularmente de fazer tops (apesar de um dos últimos artigos da antiga versão deste blog ser, precisamente, um top...) por diversas razões - a maior das quais é o facto de acabarmos sempre por nos esquecer de um ou dois títulos importantes. Depois, há sempre o factor do momento da escrita - qualquer top que faça agora teria outra forma amanhã, ou depois de amanhã, ou na próxima semana, etc, etc. Daí que, como já fiz anteriormente, faça a ressalva de que esta lista é inteiramente subjectiva, temporária e serve, mais do que para dizer "esta é a melhor série de todos os tempos" antes para chamar a atenção para várias obras de ficção que a TV nos deu a conhecer.

Numa altura em que só se fala dos malefícios da televisão, como se se tratasse da fonte de todo o mal do mundo, e como se se limitasse a transmitir telenovelas e reality shows rascas em rápida sucessão, é bom relembrar que a "caixa que mudou o mundo" tem sido, nas últimas décadas, o palco privilegiado para a mostra destas séries e, também, a rampa de lançamento de alguns grandes talentos no campo da ficção - sejam eles actores, realizadores, argumentistas ou quaisquer outros profissionais do audiovisual.

Dito isto, venha(m) o(s) top(s) - sim, porque um só top não faria justiça! Deixo também algumas "menções honrosas", ou seja, séries que podiam estar nas listas noutro dia, mas hoje não estão pura e simplesmente porque não calhou. E não, os tops não estão organizados por ordem de preferência!

SÉRIES "DRAMÁTICAS"

SETE PALMOS DE TERRA (Six Feet Under)

É uma das obras de ficção mais brilhantes dos últimos tempos (e não me estou a limitar à ficção para cinema ou TV!), um prodígio de escrita de argumento, um trabalho de actores brilhante, uma realização sempre impecável - e, acima de tudo, é das séries que mais e melhor nos tem falado das incertezas e dos problemas do nosso tempo. Daqui a 50 anos, presumo que vai ser possível perceber um pouco o que era a nossa sociedade ao ver-se uns quantos episódios de Six Feet Under. E essa, para mim, é a marca das grandes obras de ficção.

TWIN PEAKS

Não fosse TP e provavelmente não teria havido nenhuma das grandes séries norte-americanas dos anos 90 em diante - pela mão de um realizador de cinema (David Lynch), a América (e, depois, o resto do mundo) ficou agarrada ao ecrã pequeno só para saber quem, na cidade superficialmente pacata de Twin Peaks, tinha assassinado uma adolescente exemplar chamada Laura Palmer. Misturando com inegável mestria o bizarro, o macabro, o drama familiar, o plot-por-vezes-telenovelesco e uma dose bem sugestiva de humor negro, TP veio provar que era, afinal, continuava a ser possível fazer obras de qualidade cinematográfica na televisão com uma história que nos mostrava como a paz suburbana não passa de uma ilusão bem desenhada (coisa que "Veludo Azul", do mesmo realizador, também já fizera). Infelizmente, um final abrupto devido a uma queda cruel nas audiências não veio dar o ponto final que se desejava à história, e nem o filme "Fire Walk With Me", injustamente mal-amado na altura, deixou tudo concluído. Quem sabe, um dia...

A QUINTA DIMENSÃO (TWILIGHT ZONE)

A mítica série de Rod Serling tem todas as razões para estar aqui - por ser uma das mais influentes séries dentro do Fantástico (catalogação algo "vaga" que serve para abranger a ficção-científica, o terror, o suspense e o pura e simplesmente bizarro...), pela geração de cineastas que marcou, pela excelência das histórias que se tornaram de antologia, pelo tema musical que dá sempre vontade de assobiar... enfim, por estas e por outras razões, já se justificava uma nova reposição na SIC Radical!

O POLVO (La Piovra)

A Máfia vista pelos italianos numa excelente série que a RAI produziu (e, ocasionalmente, continua a produzir) - apesar do tema de "polícias que combatem a corrupção mafiosa" já parecer muito batido, esta obra foi das que melhor mostrou o dilema dos que não se deixam corromper e a dificuldade de tentar erradicar um Mal que parece enraizado na própria maneira de estar dos Italianos. Incluo aqui todas as séries até ao final da 4ª temporada - onde termina a saga do Comissário Cattani (um brilhante Michele Placido) e a série começa a não acrescentar muito de novo ao que já vimos.

ALIAS - A VINGADORA (Alias)

Antes de "Lost", J.J. Abrams tinha chegado à ribalta com uma série sobre uma espia que sofre mais reviravoltas na sua vida por episódio do que todos o filmes de Shyamalan postos juntos! Apesar de, à primeira vista, parecer "só" mais uma série de acção com muitas explosões, tiros, gadgets incríveis e mulheres deslumbrantes, o modo como a narrativa é construída leva-nos numa busca pela identidade da protagonista que é tão aliciante que não podemos deixar de ver o próximo episódio! Acrescente-se a isto um conjunto de personagens muito bem delineadas (e com actores de estofo para as interpretar), uma direcção de fotografia e uma montagem bem acima da média, cameos de luxo (Quentin Tarantino, Isabella Rosselini, Sónia Braga, etc.) e temos um show que é um prazer de ver!

Menções honrosas: Dr. House, Sopranos, Ficheiros Secretos (até ao filme, que a partir daí é sempre a descer...), A Balada de Hill Street, Masters of Horror, etc, etc.

SITCOMS

SEINFELD

O show sobre nada que acabou por nos falar de quase tudo. Há grande coisa a acrescentar sobre as brilhantes situações cómicas, os diálogos inacreditavelmente bem escritos, um conjunto de actores que nunca esteve tão bem como aqui, etc? Creio que não. Além disso, qualquer série que tenha inventado uma personagem chamada "O Nazi das Sopas" merece destaque só por isso!

QUEM SAI AOS SEUS (Family Ties)

A sitcom é um dos géneros mais mal tratados de sempre - injustamente, porque, tal como as grandes comédias do passado, conseguem fazer-nos rir num momento e chorar no outro, de tão bem construídas que são as personagens. É o caso de Quem Sai aos Seus, a série de Gary David Goldberg que revelou Michael J. Fox e que nos fez acompanhar o crescimento de uma família americana ao longo de vários anos. Há quem cometa o disparate de dizer que é uma série "conservadora" só porque o seu protagonista, Alex, é um republicano convicto. Mas isso é não perceber rigorosamente nada do que é a série...

FRASIER

Dois irmãos psiquiatras com mais disfunções e inseguranças que os seus doentes, um pai que é polícia reformado, um cão com mais personalidade que muitos humanos e uma empregada inglesa sexy são os ingredientes que bastam para criar uma sitcom de um humor muito inteligente que é sempre um prazer de ver! É um caso raro de um spin-off que é muito melhor que a série que a originou (neste caso, "Cheers, aquele Bar").

SIMPSONS

Ao fim de dezoito anos, torna-se difícil seguir todos os episódios com a mesma devoção e atenção com que se seguia os das primeiras temporadas - muito por culpa da constante programação e desprogramação das últimas seasons pela parte da RTP. Mas é inegável que a série continua a ter um excelente nível de escrita, com gags absolutamente geniais a serem disparados à velocidade de uma AK-47. Por isso, e como já são um ícone incontestável da nossa cultura-pop, têm um lugar de ouro neste top.

SOUTH PARK

Sinónimo de "subversivo", South Park é a prova de que não é preciso uma animação super fluída para termos uma série genial - basta termos um argumento que crítica, com um ácido sulfúrico capaz de derreter aço, toda uma sociedade hipócrita sem qualquer vergonha ou pudor. Muito para além do conceito de "putos mal-criados que dizem palavrões" que a tornou célebre, South Park é um grito de insatisfação de dois criadores (Trey Parker e Matt Stone) que têm sido dos mais perspicazes cantores de escárnio da América do Norte.

Menções honrosas: Tudo em Família, The Office, Uma Família às Direitas, Coupling, Blackadder, Allo Allo, Fawlty Towers, etc, etc.

ANIME

COWBOY BEBOP

É das obras mais marcantes que a animação nos deu. Para além do seu visual "cool", da sua animação impecável, da banda-sonora jazz fabulosa de Yoko Kanno, da realização extraordinária de Shinichiro Watanabe (que, só com esta série, ganhou o direito de ser considerado um dos maiores "autores" da sua geração) ou das interpretações brilhantes de todo o elenco, há qualquer coisa de eminentemente melancólica na história de Spike Spiegel e os seus companheiros. Uma das grandes séries dos anos 90 (e não falo só de animação!).

NEON GENESIS EVANGELION (Shin Seiki Evangelion)

A recente transmissão da série na SIC Radical só veio evidenciar que a série resistiu ao teste do tempo - como qualquer clássico, os visuais hoje podem não ser tão impressionantes como eram em 1995, mas a história, a realização e todas as questões que levanta continuam a ser tão perturbadores e brilhantes passados mais de dez anos. Se isso não é sinal da sua qualidade intemporal, então o que é?

RANMA 1/2 / MAISON IKKOKU

É difícil escolher um sem pôr o outro. Ranma é uma delícia de humor completamente insano, com personagens inesquecíveis e um charme inegável, mas Maison Ikkoku, da mesma autora, é uma obra muito mais contida, completamente centrada na realidade, e que nos vai directamente ao coração. Para além disso, e de um sentido de humor sempre fabuloso, é realizada com uma tal atenção ao pormenor que, ao vê-la, temos a plena sensação de estarmos a assistir a um documentário sobre o que é ser-se um jovem adulto no Japão dos anos 80.

TENCHI MUYOU!

Depois de uma série de OVAS (obra feita especialmente para vídeo) de grande êxito, os criadores do universo de Tenchi Muyou decidiram dar as rédeas de realização da versão televisiva a um jovem Hiroshi Negishi que, sem que ninguém esperasse, deu um toque muito pessoal à história e às personagens originais - e acabou por fazer uma série melhor que a original! Uma das obras pilares dos chamados "harem-anime", Tenchi Muyo é uma comédia deliciosa que, porém, é dirigida com enorme sensibilidade, chegando não raras vezes a fazer-nos vir uma lágrima ao olho. Se há série que prove a importância que um realizador tem na sua direcção criativa, é esta.

PARANOIA AGENT

Depois de duas brilhantes incursões na longa-metragem de animação, Satoshi Kon decidiu realizar um anime "para adultos", exibido num canal pago e a horas em que as crianças estivessem todas na cama, que abordasse as neuroses da sociedade japonesa com menos restrições (de orçamento, de censura) que a habitual produção televisiva tem. O resultado foi uma magnífica série de 13 episódios que nos mostra que uma série de TV pode ter a qualidade de argumento e realização de uma longa-metragem!

Menções honrosas: Dragon Ball, Escaflowne, Death Note, X, Lain, Boogiepop Phantom, Full Metal Alchemist, Naruto, Rurouni Kenshin, Wolf's Rain, etc.

Como é suposto "passar" a corrente a cinco pessoas, mas o blog ainda é "novo", deixo o desafio de continuarem o tópico:

À Ardelua
Ao Hugo
Ao Rui
Ao Noise Apático
À TV-Child

MICHELANGELO ANTONIONI: 1912 - 2007

2007-08-01T00:35:00.000+01:00

Parece mentira que, num espaço de um dia, dois dos maiores cineastas tenham desaparecido. Depois de Ingmar Bergman, perde-se o Mestre italiano Michelangelo Antonioni. Que dizer do autor que nos fez viver "A Aventura" do cinema de uma maneira completamente diferente daquela a que estávamos habituados? Ou do homem que nos fez crer que não estávamos a ver bem as coisas (e a sociedade) nesse enigmático "Blow-Up - A História de um Fotógrafo"? Pouco posso acrescentar aos inúmeros elogios que já lhe foram feitos. A filmografia de Antonioni fala por si - e os filmes falam ainda melhor.

A sua última obra de ficção foi o segmento, "Il filo pericoloso delle cose - O Fio Perigoso das Coisas", escrito por si e pelo seu habitual argumentista, parceiro criativo e amigo Tonino Guerra, para o filme "Eros", ao lado de duas outras short-stories sobre o erotismo assinadas por Steven Soderbergh e Wong Kar-Wai. Esta derradeira curta-metragem, bem como, obviamente, a longa de que faz parte, está escandalosamente inédita em Portugal (mesmo no mercado de DVD), e se alguma vez houve uma ocasião para corrigir essa aberrante falha, agora é a altura...

Como a poesia pode sempre ajudar a exprimir melhor a complexidade da alma humana, deixo aqui a letra que Caetano Veloso escreveu para a canção "Michelangelo Antonioni", o tema musical de "Eros", em homenagem ao realizador:

Visione del silenzio

Angolo vuoto

Pagina senza parole

Una lettera scritta sopra un visio

Di pietra e vapore

Amore

Inutile finestra

Biografia na Wikipedia

Ficha no IMDB

Artigo no site "Senses of Cinema"

INGMAR BERGMAN: 1918 - 2007

2007-07-30T21:24:00.000+01:00

Bastavam "O Sétimo Selo" e "Morangos Silvestres" para que Ingmar Bergman tivesse ficado na história do cinema como um dos seus grandes Mestres intemporais. Mas títulos como "Persona", "Em Busca da Verdade", "Mónica e o Desejo", "A Fonte da Virgem" e tantos, tantos outros constituem um legado artístico que muito dificilmente alguém conseguirá igualar. Isto sem mencionar as peças de teatro que escreveu e as que levou ao palco - estas últimas, infelizmente, destinadas a ficarem na memória unicamente das pessoas a que a elas puderam assistir.

Quanto às suas obras na 7ª arte, essas, felizmente, permanecerão imortais desde que haja suportes para as reproduzir e pessoas para as ver. Saliente-se, também, o seu considerável trabalho na televisão, quer com a marcante série "Cenas da Vida Conjugal" como com a sua derradeira obra "Saraband" - um telefilme rodado em vídeo de alta-definição que tivemos a hipótese de ver em Portugal em todo o seu esplendor. É um belíssimo e perturbador canto de cisne que urge rever para se perceber melhor por que razão cineastas como Woody Allen tanto o admiravam.

Notícia da morte de Ingmar Bergman no IMBD
Biografia na Wikipedia
Ficha no IMDB
Artigo no site "Senses of Cinema"

Scorsese e o Silêncio

2007-07-26T21:56:00.000+01:00

Sabe-se que Martin Scorsese, ainda antes de ter recebido o há muito merecido Oscar para melhor realizador, estava a preparar a adaptação do romance "Silêncio", do escritor japonês Shusaku Endo, em colaboração com o argumentista Jay Cocks ("A Idade da Inocência", "Gangs de Nova-Iorque"). O livro conta-nos a história de um grupo de missionários portugueses que, no século XVII, rumam ao Japão em busca do seu mestre, o padre Cristóvão Ferreira, líder da Companhia de Jesus no Japão que terá renegado a sua fé num momento em que o cristianismo estava a ser erradicado das terras nipónicas.

Depois da cerimónia de entrega das célebres estatuetas, porém, tornou-se menos claro se esta adaptação seria o seu próximo projecto após o fabuloso "The Departed", já que o realizador, entretanto, rodou um documentário sobre os Rolling Stones ("Shining Light") e surgiram rumores sobre um eventual reencontro com Robert De Niro numa longa-metragem chamada "Frankie Machine" a ser filmada, supostamente, já este Verão...

Ora, "Silêncio" é um projecto a aguardar com alguma ansiedade, já que para além de abordar um dos temas preferidos do seu realizador (a fé e as dúvidas daí resultantes), para os espectadores portugueses, terá o interesse suplementar de falar-nos de um momento da nossa história muito pouco analisado por estes lados.

Não se sabe ainda muita informação relativa ao casting para além dos habituais rumores que povoam a net. Mas enquanto não sabemos mais novidades sobre a adaptação cinematográfica, fica aqui um artigo que escrevi sobre o livro de Endo para o blog "Bungaku! - Clube de Literatura Japonesa". Vale bem a pena ver os restantes artigos do site e, já agora, o blog pessoal da coordenadora Sara F. Costa - Transeuente Inútil de ti e de Mim.

À Prova de Morte - A Apologia do Chunga

2007-07-23T22:16:00.000+01:00

Muita tinta tem corrido nos últimos tempos acerca do novo filme de Quentin Taratino. No programa original, “À Prova de Morte” é a segunda parte de um projecto do realizador de Pulp Fiction em colaboração com o seu amigo Robert Rodriguez (“El Mariachi”, “Sin City – A Cidade do Pecado”) que pretende reviver as velhas sessões de “Grindhouse” – ou seja, de uma dupla-sessão de filmes de série B/Z MUITO maus, feitos de encomenda para essas sessões, com valores de produção ridículos, uma inépcia técnica por vezes desconcertante, argumentos onde a coerência nunca foi um factor relevante, uma exploração de violência e sexo absolutamente gratuita, etc. Por outras palavras, de um cinema assumida e orgulhosamente chunga, de um cinema que dá prazer ver pelo mau que é e cujas projecções deixaram, na memória dos cinéfilos que a elas puderam assistir antes da sua extinção durante a década de 80, uma imensa nostalgia por momentos em que o público vibrava com o que via no grande ecrã ao ponto de gritar em voz alta com os personagens!

É simultaneamente o universo estético deste cinema-chunga e o espírito das sessões descritas atrás que o filme “Grindhouse” pretende recriar. Mas se os espectadores europeus vão poder desfrutar do factor de homenagem, já o segundo dos objectivos está algo comprometido graças ao facto das duas partes terem sido divididas em “longas-metragens independentes” com datas de estreia distintas e “novas” cenas que o público americano não pôde ver devido a constrangimentos de tempo a que o sistema de exibição obriga. Se o fracasso nas bilheteiras norte-americanas da versão “dois-em-um” teve ou não a ver com a decisão de lançar as obras separadamente em solo europeu é uma incógnita pouco relevante – mais vale apreciar o filme tal-e-qual nos surge agora e esperar que a edição em DVD nos permita ver a dupla-sessão tal como ela foi projectada nos ecrãs americanos.

E, sejamos directos, há mesmo muito para apreciar naquilo que podemos ver neste “À Prova de Morte”. Quem espera ir ver uma reflexão profunda sobre a condição humana pode muito bem deixar-se ficar pelo átrio do cinema – a homenagem à leveza dos originais Grindhouse é plenamente conseguida neste Slasher que, nas palavras do realizador, substitui a faca do assassino por um carro “à prova de morte”, com a imagem da película intencionalmente degradada (a cópia está cheia de riscos, cortes abruptos dentro do mesmo plano, o som falha aqui e ali...), um raccord entre planos que é pura mentira e um fan-service abundante das várias personagens femininas (embora sem chegar aos níveis dos exploitation originais), indo beber, pelo caminho, inspiração ao universo cinéfilo do autor, com referências a gente do cinema tão diferente como Roger Corman, Russ Meyer, Alfred Hitchock, Brian de Palma, Ennio Morricone, Bernard Herrmann...

O arranque da história tem a simplicidade do Capuchinho Vermelho: um grupo de raparigas sexualmente activas vai de carro passar uns dias a uma casa de férias e, no caminho, deparam-se com um louco que só as quer matar. A estrutura básica de um Slasher, portanto. Contudo, e apesar de toda a aparente superficialidade do projecto, quem procurar com cuidado poderá encontrar uma reflexão algo amarga sobre o estado do cinema popular actual. Isto está patente, por um lado, na faceta desiludida e amarga do perverso Stuntman Mike (Kurt Russel, absolutamente brilhante e finalmente de volta aos papéis de badass que John Carpenter sempre foi exímio em lhe escrever), um duplo da velha guarda que os gráficos de computador (CGI) tornaram dispensável, um “homem do passado” e de um universo ficcional de que a grande parte da juventude nunca ouviu falar e pouco interesse tem em conhecer. O gosto pelo artesanal existe tanto no assassino como no próprio realizador, e a confirmá-lo existe o facto de todas as cenas violentas terem sido encenadas com duplos e sem o auxílio de CGI.

É, no fundo, a tentativa de recuperação de um cinema eminentemente popular que não se armava em “entretenimento de luxo para toda a família”, não deixando de ser, paradoxalmente, talvez o filme mais experimental do realizador, aquele em que o autor mais se deixa seduzir pela manipulação das formas, dos planos (é o próprio Tarantino, aliás, que assina a direcção de fotografia e a operação de câmara), dos sons, da direcção de actores e, também, da escrita do argumento. Se a habitual mestria nos diálogos já se tornou uma espécie de dado-adquirido nos filmes de Tarantino, o que impressiona aqui é o modo como o autor brinca com as convenções da estrutura clássica de três actos, enchendo a narrativa de “momentos mortos” que só nos deixam conhecer melhor as personagens mas em nada fazem avançar a narrativa – um dos crimes capitais da dramaturgia clássica. E o estranho é que funciona! A prová-lo, veja-se a intensidade da passagem da primeira parte do filme para a segunda, numa homenagem escancarada às lições de escrita de argumento de “Psico”, e a eficácia do efeito de catarse da perseguição final, das mais emocionantes dos últimos anos, fazendo-nos lembrar as orquestradas por William Friedkin nos seus filmes de acção.

Esse prazer, o da experimentação, passa para o espectador com um encantador rejúbilo que raramente se vê nos dias de hoje. Mais genuinamente divertido do que qualquer blockbuster actual, “À Prova de Morte” é o verdadeiro filme de Verão e, há que dizê-lo, num mar de monstros politicamente correctos que só vêm apresentar fórmulas gastas e repetitivas, é tão bom ver uma obra tão mal comportada.

"Restart in 5, 4, 3, 2, 1..."

2007-07-22T02:47:00.000+01:00

Demorou. Foi preciso acabar uma licenciatura, repensar algumas coisas, limpar o pó do estaminé e matar alguma preguiça (e muitas saudades) para regressar a este cantinho. Mas cá estou outra vez, o blog está com um novo design (prometido há já quase dois anos - data do último post!) e, espera-se, com toda uma nova dinâmica de escrita.

A emissão segue dentro de momentos... e creio que valerá a pena acompanhá-la.

Remodelações...

2005-09-01T21:37:00.000+01:00

Quase oito meses sem escrever nada pouco depois de publicar um post a anunciar que "o blog não está morto" é obra.

O CineArte não fechou. Simplesmente passou por um fase difícil do qual espero que esteja agora a chegar ao termo. Dentro dos próximos dias irá voltar a entrar em actividade, com actualizações mais regulares mas provavelmente não tão extensas. De momento, está só numa (ligeira) remodelação que não deverá demorar muito mais tempo.

Entretanto, posso adiantar que nos próximos posts deverá aparecer, inúmeras vezes, a palavra "zombie"...

Os Melhores de 2004

2005-01-12T01:40:00.000Z

O princípio do ano é sempre propício à criação de tops e, para compensar a inactividade do site, achei que talvez fosse interessante contribuir com os meus cinco cêntimos para as infindáveis listas de tops que por aí abundam. Assim sendo, o top a seguir apresentado assume-se como sendo inteiramente subjectivo e, como tal, aberto a todas as discordâncias. Provavelmente, amanhã teria feito um top com escolhas bastante diferentes, nem que fosse pelo simples facto de (ainda) não ter visto algumas das obras que mais marcaram a cinéfilia nesta ano passado (caso de, entre outros, “Finding Neverland” ou “Terminal de Aeroporto”). Para evitar as típicas (e injustas) comparações a que os tops se prestam, escolhi não pôr números antes dos filmes e, em vez disso, acompanhá-los de um pequeno texto a justificar a minha escolha. Escrito isto, venham os filmes:

“Lost in Translation – O Amor é um Lugar Estranho” de Sofia Coppola

Tocante, belo, poético, marcante, profundo, brilhante e comovente. São adjectivos que (não) bastam para classifcar Lost in Translation. Sofia Coppola conseguiu, com este filme, sair definitivamente da sombra do seu pai (e a sombra não é nada pequena!), dar a Scarlett Johansson o papel que faz uma carreira, dar a Bill Murray outro que consolida (e, para muitos, ressuscita esplendorosamente) a sua, e tornar Tóquio na cidade mais romântica do planeta. Melancólico sem ser tristonho, belo sem ser espalhafatoso, poético sem ser pedante, profundo sem ser obscuro, complexo sem deixar de ser de uma simplicidade espantosa. É uma daquelas raras maravilhas que nos faz lembrar por que é que começámos a gostar de cinema.

“2046” de Wong Kar-Wai

Pertence àquela categoria tão frágil e problemática que é a dos filmes que ou se ama ou se odeia. Eu amo-o, não há muito mais que se possa dizer. Wong Kar-Wai é o grande poeta-narrador das imagens, e este filme confirma-o como um dos maiores cineastas actualmente em actividade. “Sequela” do magnífico “In The Mood For Love – Disponível para Amar”, WKW pega na personagem principal dessa obra e aventura-se numa dura meditação sobre a mágoa e a dificuldade de sarar as cicatrizes emocionais. O resultado é de uma grandiosidade raramente vista. Mas não é só o realizador que brilha – como esquecer as interpretações de todo o elenco, a belíssima fotografia, a montagem, a música, etc? Não é por acaso que Sofia Coppola, ao receber o Oscar de Melhor Argumento Original, agradeceu a WKW – é tão fácil encontrar afinidades entre ambos os realizadores e as suas obras...

“The Eternal Sunshine of the Spotless Mind – O Despertar da Mente” de Michel Gondry

Sim, Charlie Kaufman é um dos grandes argumentistas actuais quer nos EUA como em todo o mundo. Mas nós já sabiamos isso (vide “Inadaptado”). E, no entanto, eis-nos de boca aberta perante a absoluta maravilha que é “The Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, uma comédia genuinamente romântica e atípica que surpreende, mais do que pela sua imensa originalidade, pela sua grande honestidade. Uma montagem estonteante, uma direccção de fotografia que não lhe fica atrás, uma das mais inteligentes utilização de efeitos visuais de que há memória e um conjunto de actores absolutamente formidável são mais do que razões suficientes para ver o filme. Michel Gondry assina aqui uma obra bela, contando com inegável mestria uma daquelas histórias que conseguem a extraordinária proeza de nos fazer acreditar no amor, nem que seja só nos 108 minutos que o filme dura.

“Collateral” de Michael Mann

Não é pelo facto de constituir um passo importante na afirmação do vídeo digital como uma alternativa séria à película de 35mm que Collateral consta desta lista. É um facto que o HDV provavelmente nunca forneceu uma fotografia tão bela como aqui. Mas é todo o resto que nos deixa deslumbrados bem depois dos créditos terem passado no ecrã: o excelente argumento, a realização soberba, as interpretações (com Jamie Foxx e Tom Cruise maravilhosamente à altura um do outro)... e o final. Aquele final. Mann sabe, como poucos, que um thriller de acção pode ser uma obra pessoal e intíma, mas depois do grandioso tour de force que foi “Heat” parecia que nunca mais iamos ver algo parecido. Aqui está a prova contrária.

“O Regresso” de Andreï Zviaguintsev

As comparações com Tarkovski e Pudovkin podem ter sido repetidas até à exaustão, mas o facto é que serviram para chamar a atenção para um dos filmes Russos mais estimulantes dos últimos anos. Vencedor do Leão de Ouro em Veneza, a obra de estreia de Zviaguintsev chegou e impressionou pela sua simplicidade e grande segurança narrativa. É um cinema lento mas nada monótono, bonito mas pouco contemplativo, de aparência “fria” mas de um calor humano tremendo. Um grande exemplo de que o cinema dito “de autor” não tem que ser obscuro para ser interessante.

“Ser e Ter” de Nicholas Philibert

2004 foi um ano de afirmação do documentário nas salas lusas. E este foi um dos grandes títulos que tivemos a oportundidade de ver. Belo e simples tratado sobre a educação, Philibert filma uma turma de infantário do interior da França com uma delicadeza e uma descrição notáveis, evitando cair no erro de comover o público pelo simples acto de mostrar crianças a brincar e a sorrir para a câmara. Mostra, sem paternalismos ou moralismos baratos, que educar é muito mais do que deixar as crianças na escola e obrigá-las a fazer os trabalhos de casa. Houve quem dissesse que esta era uma obra a mostrar a todos os estudantes de pedagogia e educação – e apetece dizer que, realmente, muitos “educadores” portugueses têm tanta coisa a aprender com este filme.

“Fahrenheit 9/11” de Michael Moore

Outro título polémico. Considerado por muitos como um mero (e redundante) panfleto anti-Bush, o filme estreou e, ainda mais acentuadamente do que no anterior “Bowling for Columbine”, imediatamente dividiu o público. Porém, e agora que passou todo o frenesim e a polémica em torno da “parcialidade” do filme, da veracidade do material apresentado e da justeza da atribuição da Palma de Ouro em Cannes, creio que há que olhar com mais atenção (e sem preconceitos ideológicos ou políticos) para a obra que Moore construiu – e encontraremos aqui uma obra documental extremamente pessoal, porque subjectiva e fortemente opinativa, de uma potente e rara eficácia. Não teve o efeito eleitoral com que o realizador sonhava, é um facto. Mas quem quiser, daqui a um século, tentar perceber o que foi exactamente o clima político norte-americano na era Bush terá necessariamente que passar por aqui. Nem que seja para ver que, por vezes, um David pode mesmo dar luta a um Golias...

“21 Gramas” de Alejandro Gonzales Iñarritu

Parecia impossível que após uma grandiosa primeira-obra que, praticamente, obrigou o mundo a pôr os seus olhos no cinema mexicano, o mesmo realizador viesse a criar um filme tão dramaticamente poderoso e igualmente marcante. Mas conseguiu. E de que maneira! Que dizer de um filme onde um trio de actores está sempre (sempre!) no campo do genial? Que dizer de um argumento e de uma realização de um humanismo pura e simplesmente tocante? Que dizer de um dos mais brilhantes trabalhos de montagem dos últimos anos? Simplesmente que é daqueles casos em que tem de se ver o fillme para crer nele...

“Kill Bill 2 – A Vingança” de Quentin Tarantino

Se restavam dúvidas sobre a genialidade do opus 4 de Quentin Tarantino, esta segunda-parte veio definitivamente enterrá-las! Após o exercício estilistico do primeiro filme, Tarantino agarrou nas mesmas personagens e tornou-as não larger than life, mas pura e simplesmente as big as life itself. Não é um filme (só) para localizar referências cinéfilas e passar um bom bocado – é também um drama muito, muito poderoso.

“Tokyo Godfathers – Padrinhos de Tóquio” de Satoshi Kon

Lançado directamente para vídeo em Portugal, a terceira obra de Satoshi Kon veio confirmá-lo como um dos grandes realizadores de animação japonesa contemporânea, apresentando aqui o conto de natal mais original e francamente divertido do ano! Não é, porém, nas áreas técnicas (por muito impecáveis que sejam) que o filme nos deslumbra: é antes o argumento, as personagens minuciosamente construídas e a profunda humanidade de Kon no tratamento da sua história que fazem com que esta obra se torne de (re)visionamento obrigatório na noite da consoada (e não só!). O DVD anda por aí nas estantes das lojas, e é uma das melhores surpresas que estão à espera de serem descobertas por toda a gente que, simplesmente, goste de cinema, seja ele de live-action ou de animação.

Nippon Koma - 2nd Edition

2004-11-28T20:14:00.000Z

Começa amanhã, dia 29, a segunda edição da mostra de cinema documental e animação japonesa Nippon Koma na Culturgest. Ao preço módico de 2€ por bilhete, aqueles que visitarem as salas da CG até dia 4 de Dezembro poderão ver um conjunto bastante diversificado de títulos.

Há que destacar, de entre os vários filmes em cartaz, a exibição de um conjunto de curtas-metragens assinadas pelo lendário Osamu Tezuka (autor de obras marcantes como "Black Jack", "Tetsuwan Atom - Astro Boy" e "Buddha", «pai» das linguagens gráficas e narrativas do manga moderno, bem como um dos grandes realizadores e impulsionadores da industria de animação nipónica), sendo estas exibidas dia 30 de Novembro e 3 de Dezembro. Pela raridade das mesmas, e pela já mencionada importância histórica de Tezuka, é uma sessão a não perder por nada!

Entre os outros títulos em exibição, o documentário "Otaku" de Jean-Jacques Beineix e Jackie Bastide deverá ser de grande interesse, já que aborda um tema muito actual da sociedade japonesa - a vida dos chamados "fãs obsessivos" que vivem unicamente para a sua paixão, seja ela a animação, o cinema, os videojogos, pop-idols, etc. Todos os filmes exibidos estão legendados em inglês, sendo de prever que as versões apresentadas serão as originais japonesas.

Lamenta-se, porém, que tenha sido retirado da programação original o filme "Ghost in the Shell 2 - Innocence" de Mamoru Oshii, a célebre e polémica sequela do original "Ghost in the Shell - A Cidade Assombrada", uma das longas-metragens de animação mais marcantes da década de 90. "Inocence" causou algum barulho em Cannes, onde foi promovido como sendo uma obra revolucionária, mas cuja projecção oficial acabou por deixar muita gente desiludida. Ainda assim, não deixa de ser um dos títulos de animação mais aguardados do ano, e é uma pena saber que não teremos hipótese de o ver, pelo menos, tão cedo. Já é a segunda vez que a Nippon Koma vê um dos filmes anunciados ser removido da programação, já que no ano passado o maravilhoso "Sennen Joyu - Millenium Actress" de Satoshi Kon também não chegou a ser projectado apesar de ter sido anunciado nas primeiras versões do programa. Infelizmente, desde então a única maneira de vermos o dito filme em território português tem sido através da compra do DVD zona 1, via importação nas lojas especializadas ou pela net. Esperemos que o "Innocence" não tenha o mesmo destino, sobretudo quando se sabe que a sua distribuidora para o Ocidente é a mesma (a Dreamworks...). De qualquer modo, este acto não tira mérito às restantes obras que vão ser projectadas, portanto, continua a ser um evento que vale bem a pena visitar!

Aqui fica a programação, retirada directamente do site oficial:

29 de Novembro

18h30

Winter Days, 2003
de Kawamoto Kihachiro
1h45 · animação

21h30
Otaku, 1994
de Jean-Jacques Beineix
1h17 · documentário

30 de Novembro

18h30
Tales of a Street Corner, 1962
Pictures at an exhibition, 1966
Jumping, 1984
Broken Down Film, 1985
de Tezuka Osamu
1h24 · animação

21h30
Knocking on Heavens’s door - Kamagasaki, 2002
de Brice Pedroletti
1h02 · documentário

1 de Dezembro

18h30
Conjunto de animações de Akagi Takanori, Nagata Naomi, Hanahiro Junko, entre outros.
1h34 · animação

21h30
Dream Girls, 1993
de Kim Longinotto e Jano Williams
50' · documentário

2 de Dezembro

18h30
Dream Girls, 1993
de Kim Longinotto e Jano Williams
50' · documentário

21h30
Conjunto de animações de Akagi Takanori, Nagata Naomi, Hanahiro Junko, entre outros.
1h34 · animação

3 de Dezembro

18h30
Knocking on Heavens’s door - Kamagasaki, 2002
de Brice Pedroletti
1h02 · documentário

21h30
Tales of a Street Corner, 1962
Pictures at an exhibition, 1966
Jumping, 1984
Broken Down Film, 1985
de Tezuka Osamu
1h24 · animação

4 de Dezembro

18h30
Otaku, 1994
de Jean-Jacques Beineix
1h17 · documentário

21h30
Winter Days, 2003
de Kawamoto Kihachiro
1h45 · animação

Fonte: Site oficial da Culturgest

Not Dead Yet...

2004-11-20T19:30:00.000Z

Não, ao contrário do que possa parecer, o CineArte não fechou as portas. Nem por sombras. Simplesmente acontece que, como já foi aludido num dos posts anteriores, a minha incapacidade de gerir o (pouco) tempo livre das aulas não tem permitido com que o site tivesse actualizações dignas desse nome. Daí que, durante um mês inteiro, isto não se tenha mexido. Porém, espero nesta próxima semana ir pondo aqui novos textos que, de uma forma ou de outra, compensem o tempo perdido.

Um honesto "obrigado" a todos os que, apesar da inactividade do site, o têm visitado e... bem, fiquem para ver os updates!

DVD killed the Video star

2004-10-10T16:01:00.000+01:00

Outro dia, depois de uma jornada de aulas particularmente cansativa, decidi dar um salto pelo meu videoclube para alugar um filme que sabia que tinham em catálogo - "Terror na Ópera" de Dario Argento.

Chego lá e deparo-me com uma situação que me deixou um tanto despedaçado - um cartaz com a inscriçao "Liquidação Total de videocassetes - €1 por VHS" junto a uma prateleira com todas as VHS que o videoclube costumava ter, sendo que estas não estavam ordenadas nem por ordem alfabética, nem por género nem por nada. Não perguntei as razões por esta liquidação ao rapaz que estava na caixa, mas também não era preciso - bastava olhar para as restantes prateleiras para ver que o DVD estava a reclamar a totalidade da loja, e o VHS, formato há muito condenado a sucumbir ao disco digital versátil, tinha finalmente hasteado a bandeira branca. Infelizmente, parece-me.

Faço parte de uma geração que nasceu e cresceu com o VHS. Vi uma grande parte dos filmes que formaram a minha cinéfilia neste formato, e algumas das memórias mais ternas da minha infância são daqueles momentos em que passava largos minutos com os meus pais e o meu irmão a escolher quais os dois filmes de três dias que iamos levar para casa. Através das cassetes do videoclube, conheci os clássicos de Hitchcock, Eisenstein, Kubrick ou Coppola; os filmes de terror de série B e os de culto de Sam Raimi ou John Carpenter; os grandes "blockbusters" e os filmes "de autor"; as comédias geniais e as intragáveis; algumas das mais variadas séries de animação; e até títulos que hoje considero mediocres mas que na altura me encantaram! Custou-me tremendamente ver aquelas cassetes, muitas das quais me lembro de ter tido em casa numa altura ou noutra da minha vida, estarem agora a serem desprezadas e dispensadas ao preço de dois cafés. É a ordem natural das coisas, claro - afinal, ainda me lembro daquelas estranhas cassetes (que vim a descobrir chamarem-se BETA...) terem também desaparecido de um dia para o outro das poucas prateleiras em que se encontravam. Talvez por nunca terem feito parte da minha vida, não me custou nada vê-las sumir das estantes. Mas com o VHS...

Não é que não estivesse à espera que isto viesse a acontecer. Mas creio que uma das funções que um videoclube deve(ria) ter é a de arquivo cinematográfico local, como que um "banco de memórias" sempre acessível a todos por um preço irrisório. Ao desembaraçarem-se daquelas VHS, não é só das fitas magnéticas e das caixas de plástico que se estão a livrar, mas também de todo um conjunto incalculável de títulos que dificilmente voltaremos a ver em DVD, pelo menos em Portugal. É uma certa memória (ou imaginário) colectiva que desaparece. E isso não consigo deixar de achar lamentável.

Lá encontrei e comprei o "Terror Na Ópera", numa edição da já exinta Videotime. Só uns dias mais tarde é que pude ver o filme. E então, o efeito nostalgia fez-se sentir: os avisos do copyright, as trailers de filmes relativamente conhecidos misturadas com as de títulos quase totalmente obscuros, as legendas ultra-grossas, a qualidade de imagem nunca impecável devido aos fracos telecinemas que se realizavam na altura (mas que deixaram um "charme" incrível em certos filmes), o genérico final recheado de riscos graças aos leitores de vídeo deficientes por onde terá passado a cassete... Creio que percebi, nos 90 minutos de duração do filme, o que é que os apologistas do LP sentem quando dizem que o CD pode ser maravilhoso, mas que o disco de vínil terá sempre o seu encanto...

La Rentrée...

2004-10-05T22:31:00.000+01:00

Amanhã regresso à condição de estudante activo, e começo logo às nove e meia da manhã com uma aula de Realização, ainda por cima! O que isto quer dizer é que é possível que os updates ao blog venham a escassear ainda mais do que é habitual - o triste facto de quase todos os dias ter aulas até às 20h 30m também não ajuda! No entanto, prometo fazer um esforço para ver se consigo que o blog não ganhe pó e vá merecendo as visitas que recebe, portanto, para utilizar pela enésima vez esse slogan tão batido, «estejam atentos»!

Entretanto, escolhi passar parte do meu último dia de férias a rever essa obra-prima da 7ª arte que é "Lost In Translation" de Sofia Coppola. Poucos filmes conseguiram tocar-me tanto quanto este. Já faz parte da minha lista de filmes da minha vida, e como este post é suposto ser breve, não me vou alongar a comentá-lo. Simplesmente vão por mim que é lindo. É um belo "beijo" de rentrée... e um belo e misterioso sussurro tambem.

Comentário (sobretudo) sobre a narrativa de "A Vila"

2004-10-04T15:52:00.000+01:00

"A Vila" (The Village) é um filme que suscitou, aquando do seu lançamento nas salas, uma divisão tremenda entre os que o viram- ora uns o defendiam como a melhor obra do seu cineasta e a prova de que este é muito mais do que um dos novos mestres do suspense, ora outros diziam que o filme falhava totalmente. Não acho que me encontre em nenhum destes polos opostos, mas o certo é que, até agora, "A Vila" é o desapontamento do ano, pelo menos para mim. Antes de continuar, há que dizer que sou fã da obra de M. Night Shyamalan e que esperava este "A Vila" com grande ansiedade. Acredito que o cineasta é um dos mais interessantes realizadores contemporâneos a trabalhar nos EUA, e basta olhar para o resto dos seus filmes para perceber que Shyamalan não é de todo um tarefeiro confortavelmente instalado no sistema de Hollywood mas sim um Autor, com um universo muito pessoal e dotado de uma grande capacidade de falar com o público. Como muitos outros, adorei "O Sexto Sentido", gostei bastante do "Unbreakable - O Protegido", e achei que o "Signs - Sinais" fazia todo o sentido e que foi muito subestimado pela crítica.

No entanto, não consigo olhar com a mesma satisfação para "A Vila". O seu principal defeito não é, como muitos já escreveram, o facto de não ser verdadeiramente um filme de terror carregado de "twists" e momentos de arrepiar como os títulos anteriores - aliás, até diria que a primeira parte do filme contém momentos de puro horror muito bem construidos que fazem perceber que Shyamalan não perdeu o seu toque. A questão fundamental está no argumento. É impossível descrever as falhas deste sem estragar o enredo do filme, portanto, aconselho a quem ainda não o viu e quiser desfrutar plenamente da história a saltar os próximos quatro parágrafos. Os restantes estão avisados...

- SPOILER ALERT -

Se olharmos bem, o cerne da história tem uma premissa genial - a ideia de, em pleno século XXI, existir uma aldeia escondida do resto do mundo numa reserva natural concebida por um grupo de anciãos que visa manter a inocência e pureza dos seus aldeões (que permanecem na ignorância e pensam que vivem no século XIX) isolando-os lá usando, para os assustar, uma mitologia da existência de monstros na floresta que os cerca é, de facto, uma brilhante setup para um filme, podendo até ser vista como uma metáfora de uma América que, nos dias de hoje, prefere isolar-se do resto do mundo no seu "combate ao terror/mal" de modo a preservar a sua "inocência" das mãos de "monstros da floresta" criados pelos seus próprios dirigentes unicamente para sustentar uma sociedade baseada no medo constante. A ideia de alguém vir perturbar a normalidade daquela aldeia ao desconfiar que "há segredos por todo o lado" e ao desejar entrar na floresta também é fabulosa. O problema é o modo como Shyamalan desenvolve estas ideias. Para começar, o romance entre o solitário Lucius (Joaquin Phoenix) e a cega Ivy (Bryce Dallas Howard), que será o verdadeiro ponto de partida para o conflito dramático do filme, é inserido quase a pontapé na narrativa, não nos dando tempo para conseguir achar aquela relação real. Sabemos que, quando eram miúdos, gostavam muito um do outro e é desses tempos que remonta a sua paixão actual mas, para além de uma cena (das melhores do filme) em que Lucius salva Ivy de um dos "monstros", não vemos aquela relação crescer nem nos é (suficientemente) dada a ideia de que ali estava uma "paixão contida" estabelecida há anos. O triângulo amoroso com Noah (Adrien Brody, em grande forma) é uma concepção infeliz, e não consigo de deixar de achar de muito mau gosto a ideia de fazerem de um atrasado mental o antagonista de Ivy, isto para não falar na ridícula cena em que os anciãos descobrem que Noah encontrou um fato de monstro debaixo do soalho da casa de castigo - caramba, tinha LOGO que ser ali que o iam esconder???

Quem realçou como característica autoral de Shyamalan os twists narrativos que tão bem resultaram no "Sexto Sentido", no "Sinais" e até no "Unbreakable", vai encontrar aqui um exercício muito menos eficaz dos mesmos. A revelação de que toda aquela sociedade é uma farsa (o principal twist) surge cedo de mais na história, não é um «murro no estômago» tão forte quanto poderia ser e deixa os restantes minutos do filme sem a grande tensão de suspense que até então fora construida. Quando Ivy chega ao exterior da reserva, por exemplo, as cenas carecem de alguma força dramática porque aquilo que vemos não é verdadeiramente chocante nem revelador - o que ressalta é o efeito cómico das reacções estupefactas do polícia! O outro twist (o ataque de Noah vestido de monstro, que durante alguns segundos faz-nos crer que, afinal, sempre há demónios na floresta) é um «cheap-shot» que se revela froxo e pouco imaginativo, como se tivesse sido inserido para dar alguma dinâmica a uma situação, de resto, pouco interessante.

Igualmente, a personagem fulcral de Walker (William Hurt) é muito pouco credível - quem consegue acreditar que um "avôzinho" tão querido, doce e simpático seja a mente perversa por de trás de um esquema tão diabólico? Nunca conseguimos não simpatizar com aquela personagem que passa grande parte do tempo a gabar as virtudes de Lucius, nem vislumbrar nele um lado perverso capaz de arquitectar toda aquela farsa. Aliás, se o romance entre Lucius e Ivy parece forçado, já a relação entre Walker e Hunt (Sigourney Weaver) parece ser a mais convincente e interessante de todo o filme - e por isso mesmo é uma pena que o realizador não lhe dê mais atenção. Como também é pena que o amigo de Lucius (aquele que faz a vigia da aldeia) desapareça da história a certa altura sem deixar qualquer rasto - era dos poucos elementos que verdadeiramente humanizava a personagem de Lucius.

Por fim, Shyamalan escolhe encerrar o filme com um final em aberto não muito feliz. O problema assenta no facto do realizador ter-nos deixado com perguntas que, a meu ver, precisavam pelo menos de algo que nos deixasse uma sugestão do que iria acontecer muito depois do rolar dos créditos. Podia ficar no ar qual a maneira como os aldeões reagiriam à descoberta de que a vida que tinham tido até então era uma pura encenação, mas a questão é que nem nos é dado a saber se eles alguma vez descobrirão isso (a cena final, com os anciãos a debaterem o assunto e Ivy a fazer o seu regresso, não sugere nem que a "verdade vá ser dita" nem que tudo vá ficar na mesma - não sabemos sequer se Ivy tem intenções de contar tudo aos aldeões!). Daí que, mesmo como uma eventual crítica política, acabe por se revelar ineficaz. E, como história de amor, pouco comovente.

- SPOILER END -

Acrescentemos a isto alguns diálogos francamente maus ("The world moves for love. It kneels before it in awe!") e uma música de fundo que alterna entre a muito bem colocada e a excessivamente presente, e temos um filme que poderia ter sido mesmo muito melhor. Naturalmente, existem pontos positivos que convém realçar: Bryce Dallas Howard é uma verdadeira revelação; a direcção de fotografia de Roger Deakins dá uma beleza visual enorme à pelicula e, juntamente com um trabalho de direcção de som várias vezes soberbo, cria o ambiente necessário. O guarda-roupa, a direcção de actores e a art-direction também são factores muito positivos a ter em conta.

Um passo em falso. Mas Shyamalan não deixa de ser um realizador de enorme talento, e o seu próximo filme, que já garantiu ser consideravelmente diferente de todas as obras anteriores, promete dar-nos a ver novas qualidades do autor de "O Sexto Sentido".

Bloco de Notas: Clássicos Americanos no Público

2004-10-04T15:15:00.000+01:00

Descobri, ao ler um post no Moviesuniverse, que a Série Y do Público terminou para dar lugar a uma nova colectânea de filmes, sendo esta dedicada ao cinema clássico Norte-Americano. Os filmes são, no fundo, uma reedição a baixo preço de vários títulos do vasto e rico catálogo da Costa do Castelo.

Trata-se de uma iniciativa que de certo agradará a todos os cinéfilos portugueses. Agora que a RTP 2 (err, desculpem, "A 2") mantém-nos alimentados com uma dieta de «um» filme por semana, sendo a escolha do título em questão relativamente aleatória (pelo menos assim parece), é bom saber que sempre há uma outra via de acesso para vermos ou revermos algumas das obras que fizeram história e marcaram gerações de cinéfilos e cineastas em todo o mundo. Além disso, agora que filmes como "O Mundo a Seus Pés" ou "Suspeita" estão disponiveis a um preço acessível, já não há desculpas para não os incluirem na vossa colecção!

Para mais detalhes e para consultarem a lista completa dos títulos que vão ser editados, visitem o site oficial da colecção.

Fonte: Moviesuniverse.

Bloco de Notas: lista de candidatos admitidos à Escola Superior de Teatro e Cinema

2004-10-01T15:39:00.000+01:00

Já sairam os resultados das candidaturas ao curso de cinema da Escola Superior de Teatro e Cinema. Embora a lista apresentada não esteja devidamente ordenada, fazendo as contas dá para perceber quem entrou e quem ficou de fora. Para quem vai agora fazer o seu primeiro ano do curso, os meus sinceros parabéns e espero que a passagem pela escola resulte em muitos e bons filmes! Para os que não entraram, não há que desanimar: perdoem os lugares comuns, mas (sem cinismos) acontece aos melhores, há sempre o próximo ano e, além disso, lembremo-nos que Rainer Werner Fassbinder não passou o exame de admissão na Escola e Cinema de Televisão e, hoje, é «só» considerado um dos maiores cineastas alemães de todos os tempos!

De qualquer modo, uma boa rentrée a todos!

Evento: Indie Lisboa - Festival Internacional de Cinema Independente de Lisboa

2004-09-25T11:44:00.000+01:00

A notícia já vem tarde, mas de qualquer maneira convém relembrar que começou ontem a primeira edição do Festival Internacional de Cinema Independente de Lisboa, um evento organizado na capital pela Associação Zero em Comportamento, os mesmos senhores que nos prestaram alguns ciclos memoráveis nas saudosas sessões de culto das quais o Cine-Estúdio 222 costumava ser palco. A programação está disponível em formato .pdf no próprio site, sendo de destacar a homenagem ao Festival de Cinema de Sundance.

O surgimento deste festival é uma autêntica lufada de ar fresco no panorama lisboeta, que antes desta iniciativa tinha como único ponto de referência o Festival de Cinema Gay e Lésbico de Lisboa (que, aliás, termina hoje a sua oitava edição). Esperemos que a adesão ao novo festival seja significativa para que, assim, este possa continuar, crescer e oferecer todos os anos novas e cada vez mais aliciantes propostas.

Surpresas agradáveis: "Amor e Dedinhos de Pé" de Luís Filipe Rocha

2004-09-20T17:49:00.000+01:00

A colecção de DVDs "Série Y" lançada no jornal "O Público" chegou recentemente ao seu fim, e calhou que o filme proposto para encerrar (definitivamente?) a colectânea fosse português. Como já é tradição, foi escolhido um título do catálogo da MGN Filmes, sendo este assinado por Luís Filipe Rocha, que já vira três outras obras suas ("Adeus, Pai", "Sinais de Fogo" e "Camarate") serem editadas na mencionada colecção.

"Amor e Dedinhos de Pé" foi o filme que marcou o regresso à sétima arte de Luís Filipe Rocha depois de um período de passagem por Macau em que não assinou qualquer obra. Adaptando, com a colaboração de Izaías Almada, o romance homónimo de Henrique Senna Fernandes, este retorno do realizador de "Cerromaior" não costuma ser o título mais referenciado quando se fala da sua carreira cinematográfica. Injustamente, parece-me: "Amor e Dedinhos de Pé" não só ilustra perfeitamente as preocupações de Luís Filipe Rocha na construçãoo de uma narrativa interessante e coerente como é, na minha opinião, o seu melhor filme.

A história situa-se em Macau, nos primeiros anos do século XX. Francisco Frontaria (Joaquim de Almeida), um bon-vivant filho de uma família prestigiada, passa a vida na borga com o seu circulo de amigos: de apostas manhosas, jogos de adultério e destruição de casamentos, tudo parece valer para fazer o tempo passar agradavelmente. O seu encontro com Victorina Vidal (Ana Torrent), a "Mulher mais feia de Macau", vai inicialmente não passar de uma birra entre os dois. Porém, as consequências das acções de Frontaria vão fazer com que ambos se voltem a cruzar, anos mais tarde, em circunstâncias muito diferentes. Circunstâncias que obrigarão duas pessoas aparentemente tão diferentes a entender-se e, também, a descobrirem-se melhor um ao outro...

Esta "aventura" macaense pressupunha vários riscos de produção. Riscos esses largamente ultrapassados: nunca se nota qualquer limitação de produção ou constrangimento orçamental na construção narrativa do filme. Não há "planos a menos" ou cenas tecnicamente mais fracas que destoem do conjunto. E a dobragem dos actores estrangeiros não distrai, o que é sempre de louvar numa co-produção.

O que surpreende no filme é a enorme qualidade de tudo o que o constitui: a belíssima fotografia de Eduardo Serra, as interpretações excelentes dos actores (e tenhamos em conta que Joaquim de Almeida e Ana Torrent têm cenas em que falam cantonês durante minutos a fio!), o mais que fiel trabalho de reconstituição da época, a realização segura e dinâmica. É uma história bem contada, com uma grande beleza visual, uma técnica impecável e um trabalho dramático bem acima da média.

Defeitos? O final é talvez o ponto mais frágil do filme, já que parece ter sido "feito a despachar". Sabe-se que o realizador e o argumentista optaram por escrever um final menos "delicodoce" e mais em-aberto do que aquele que se pode ler no romance, mas a cena final acaba por revelar-se demasiado abrupta. E o título do filme não é propriamente apelativo. No entanto, para quê ligar a estes pormenores quando tudo o que veio antes é do mais estimulante que a nossa cinematografia tem para oferecer?

Por €8.90, parece-me mesmo muito pouco...

Chamada de atenção: "Chungking Express" em DVD na Premiere

2004-09-09T16:18:00.000+01:00

Quem comprar a edição de Setembro da Premiere portuguesa, e não se importar de gastar mais uns miseros dez euros, vai receber um excelente presente cinematográfico: trata-se do DVD do maravilhoso "Chungking Express" de Wong Kar-Wai.

É difícil falar de um filme sobre o qual parece que (quase) tudo já foi escrito. Filmado num espírito de guerrilha completamente apaixonante, "Chungking Express" liga duas histórias de "amor solitário" passadas na cidade de Hong-Kong. Numa das histórias, um polícia de coração recentemente despedaçado passa os dias a tentar perceber porque foi deixado pela sua antiga namorada, enquanto vai devorando latas após latas de ananás prestes a ficar fora-de-prazo. Num acto de puro impulso, promete apaixonar-se pela primeira mulher que entrar no bar onde consola as suas feridas emocionais. A questão é que essa mulher acaba por ser uma passadora em fuga... Na segunda história, um outro polícia de coração recentemente despedaçado torna-se o objecto de adoração de uma empregada do "Expresso Chunking", um carrinho-ambulante onde o mencionado polícia costuma ir comprar o seu almoço. Ao som constante de "California Dreamin'" dos Mamas and Papas, a rapariga vai, aos poucos, entrando na vida do polícia, mesmo que não o faça pelas maneiras mais tradicionais... Tudo isto "pintado" através da belíssima fotografia de Christopher Doyle, interpretado por um elenco extraordinário e brilhantemente contado pelo Mestre de uma certa narrativa-poética que é Wong Kar-Wai.

Há quem tenha comparado este filme com "O Acossado" de Jean Luc-Godard. WKW não nega a homenagem, e julgo que a comparação é mais que justa. Como alguém escreveu no guia de filmes da Time-Out "This is what Godard movies were once like: fast, hand-held, funny and very, very catchy".

A edição portuguesa da Atalanta Filmes não tem quaisquer extras à excepção de trailers para este filme e para o "Fallen Angels", mas talvez servirá de consolo saber que não existem edições estrangeiras muito melhores (havia uma britânica ou americana que continha uma pequena introdução por Quentin Tarantino, mas nada mais). Por €12.50, é um crime passar ao lado deste filme magnífico!

Uma obra-prima em absoluto, a ver (de preferência) numa sessão-dupla com a sua semi-sequela, o extrarodinário "Anjos Caídos".

P.S. - Tanto o DVD de "Chungking Express" como o de "Anjos Caídos" estão à venda em Portugal ao preço confortável de €14,49. Portanto, se não conseguirem arranjar o primeiro pela Premiere e/ou quiserem revisitar a Hong-Kong de WKW, sempre têm bom remédio...

P.P.S. - Se tudo correr bem, quando "2046", o novo filme de WKW, chegar às salas portuesas, voltarei a este "Chungking Express" (e a outros filmes) para um texto maior e melhor sobre o cineasta de Hong-Kong e a sua obra...

Desconte-se o público!

2004-09-09T15:53:00.000+01:00

Ao que parece, as exibidoras portuguesas já estão a reagir mal à Nova Lei do Cinema. O busilis da questão assenta na alínea da lei recentemente aprovada que dita a aplicação de uma taxa de 2% sob o preço dos bilhetes de cinema, sendo que os distribuidores são obrigados a investir (livremente) essa montante na produção nacional de cinema e/ou audiovisual.

De acordo com o noticiário da SIC Notícias, os distribuidores e exibidores estão a ponderar algumas medidas para lidar com esta sua nova obrigação. Uma delas passa pelo aumento do preço dos bilhetes (que, assim, ultrapassaria os já indesejáveis 5 euros) e a outra pela extinção dos descontos dos bilhetes à segunda-feira.

Qualquer uma destas soluções é, a meu ver, alarmante. O objectivo da Nova Lei (pelo menos na teoria) é o de dinamizar o sector do cinema português e tornar os distribuidores nacionais em investidores activos e com poder de decisão no que diz respeito aos montantes que investem. O problema é que subir o preço dos bilhetes ou acabar com os descontos de 2ª feira só resultará num afastamento incalculável das salas de cinema pela parte do público.

Os descontos de 2ª feira (bem como os provenientes dos cartões que o fornecem, como o Cartão Jovem) e o preço relativamente acessível dos bilhetes (abaixo de uma boa parte dos restantes países europeus) têm sido factores cruciais no crescimento diversificação da oferta cinematográfica em Portugal. Ainda assim, se actualmente um "português médio" já tem dificuldade a desembolsar cinco euros por um bilhete e, portanto, tem tendência a ir ver os filmes "de que está habituado a gostar" (ie: blockbusters e grandes produções americanas) em vez de experimentar algo de novo ou do qual tem uma imagem não muito boa (ie: os filmes portugueses!); com o aumento do preço dos bilhetes, menos o espectador arrisca, menos público tem o cinema português e as restantes cinematografias mundiais. E o fundo de investimento acaba por cair em saco roto...

"Spartan - O Rapto"

2004-09-01T18:34:00.000+01:00

Scott (Val Kilmer), um agente das forças especiais norte-americanas, é destacado do seu actual posto de treinador de soldados debutantes para participar numa missão muito particular: resgatar a filha do presidente dos EUA, que foi raptada quando o seu guarda-costas não lhe estava a prestar atenção, sendo que o seu resgate tem que ser realizado o mais rápido possível pois, no fim de contas, as eleições estão à porta... A investigação que se segue, porém, vai revelar que o que está em jogo é muito diferente daquilo que se esperava.

A sinopse atrás apresentada poderia sugerir que "Spartan" se trata de um banalíssimo filme de acção saído das majors norte-americanas, pronto a ser visto e esquecido pelos espectadores de fim-de-semana como mais um blockbuster oco e vazio de conteúdos, mas cheio de explosões, tiros, perseguições de automóveis e mulheres de corpos esculturais. A trailer também dá essa sensação. Mas há um nome na ficha técnica que nos convida a olharmos com (bem) mais atenção: David Mamet.

É a pista certa para entrarmos no filme. Não é a primeira vez que o célebre dramaturgo/encenador e argumentista/realizador experimenta a sua mão no thriller (veja-se o hitchcockiano "House of Games - Jogo Fatal"), e se pensarmos que muitos dos deliciosos (e ácidos) diálogos de "Manobras na Casa Branca" de Barry Levinson são da sua autoria, não é de admirar que este seu regresso ao género surja temperado com uma dose bem forte de crítica política. De facto, "Spartan" não é só um thriller emocionante e extremamente bem construido - é, também, uma reflexão irónica sobre o actual clima político norte-americano, sobre a ilusão das aparências (um tema muito querido a Mamet), sobre a degeneração da família tradicional, sobre a manipulação política a e obediência cega imposta pela instituições militares aos seus soldados. Nesse sentido, a invocação da mitologia do rei Leónidas de Esparta (que enviava um só homem para atacar de surpresa os seus adversários em detrimento de mandar batalhões inteiros) na figura de Scott resulta tanto mais poderosa.

À semelhança de "Jogo Fatal", o argumento é construído como o acto de descascar uma cebola, expondo camada após camada e revelando, de cada vez, um novo e inesperado caminho para a história. A mestria de Mamet está na maneira como cria os "twists" com a maior das verosimilhanças, bem como no modo como brinca com as emoções dos espectadores com cada nova reviravolta. Joga sabiamente com algumas convenções do thriller e do filme de acção, não caindo em nenhuma das armadilhas que uma tal "mistura" poderia originar.

E, depois, há os diálogos. No seu livro "On Directing Film", Mamet expõe uma teoria acerca da narrativa cinematográfica que tem deixado mais do que uma pessoa ligeiramente baralhada: "Basicamente, o filme perfeito não tem diálogos. Deve-se sempre ter como objectivo fazer-se um filme mudo"* Estas afirmações podem parecer irónicas para quem já tenha ouvido as frases sonantes ditas pelas personagens de obras como "State & Main". No entanto, nesse mesmo parágrafo, Mamet também diz que "...se estamos a contar a história com as imagens, então os diálogos são a cobertura por cima do gelado". Assim o é em "Spartan". Porque se realmente os diálogos desempenham um papel crucial na composição das personagens e no avanço da narrativa, também é verdade que a sua eficácia é possível graças a uma découpage minuciosamente pensada, a uma direcção de fotografia impecável, a uma montagem precisa e a uma música de fundo que estabelece perfeitamente o ambiente.

Há também que referir o soberbo trabalho dos actores. Val Kilmer tem aqui aquele que é muito provavelmente o melhor dos papéis que desempenhou nos últimos anos, sendo que Derek Luke, Tia Texada e Kristen Bell têm todos composições acima da média. Lamenta-se, simplesmente, que a personagem de William H. Macy (bem mais importante do que parece) não seja mais explorada e, por consequência, não tenha mais tempo no ecrã. A interpretação de Macy é correcta a todos os níveis, e chega mesmo a proporcionar-nos alguns momentos excelentes, mas como contraponto à personagem de Scott, acaba por não ter o desenvolvimento que se desejaria.

Não que isso prejudique tremendamente o resto do filme. Continua a ser um dos títulos mais interessantes actualmente em sala e um thriller notável.

Spartan - O Rapto (Spartan)
Thriller, EUA, 2004

Argumento e realização: David Mamet
Elenco: Val Kilmer, Tia Texada, Derek Luke, Kristen Bell, William H. Macy.
Produção: David Bergstein & Moshe Diamant
Dir. de fotografia: Juan Ruiz Anchía
Música: Mark Isham
Montagem: Barbara Tulliver
Som: Felipe Borrero

* A tradução livre é da minha autoria, visto que o livro "On Directing Film" nunca foi publicado em Portugal. Para quem a quiser arranjar (vale bem a pena), a edição em língua inglesa da Penguin Books ainda está disponível no site da Amazon britânica.

Só umas poucas palavras sobre "Wanda"

2004-09-01T00:03:00.000+01:00

Confesso que não consigo partilhar o entusiasmo que Isabelle Huppert e muita da crítica têm tido por "Wanda", o único filme que Barbara Loden (mulher de Elia Kazan) realizou e protagonizou em 1971 e que só recentemente estreou entre nós. Tem sido dito por aí que se trata de "um dos melhores filmes norte-americanos dos anos 70", ou até mesmo de uma "obra-prima negligenciada". A primeira observação parece-me completamente exagerada, sobretudo tendo em conta de que se trata de uma década que nos brindou com tantos filmes memóraveis que fazer aqui uma lista seria uma tarefa (quase) interminável! Com a segunda também me parece difícil de concordar: embora "Wanda" tenha uma ideia de partida interessante e algumas sequências bastante bem pensadas e dirigidas (como é o caso da cena em que Wanda pede emprego numa fábrica de tecelagem, bem como a do assalto ao banco), o filme não deixa de passar uma sensação de "à-deriva" que nos deixa emocionalmente desligados dos dramas e tragédias da personagem principal. A fragilidade de algumas interpretações (sobretudo de alguns actores secundários) e o distanciamento e quase-indiferença que Loden cria entre Wanda e tudo que lhe rodeia fazem com que, quando o filme chega ao fim, não nos sintamos realmente muito afectados com aquilo que vimos. Faz, por vezes, lembrar vagamente algumas obras de John Cassavetes, mas falta qualquer coisa...

No entanto, a memória da interpretação de Loden enquanto irmã outsider de Warren Beatty no maravilhoso "Esplendor na Relva" continua a ser marcante...

"O Regresso" do cinema Russo

2004-08-21T22:42:00.000+01:00

A vida de Andrei (Vladimir Garine) e Ivan (Ivan Dobronravov), dois irmãos em fase de início de adolescência, é completamente abalada quando o seu pai (Konstantin Lavronenko) aparece em casa após uma ausência inexplicada de 12 anos. Tudo o que sabem acerca dele é que é (ou foi) piloto, e a única memória que retêm deste estranho homem é uma fotografia tirada há mais de dez anos. A aparente frieza que o pai mantém para com os seus filhos não parece oferecer grandes esclarecimentos. No entanto, este regresso não será um mero retorno a casa: Andrei e Ivan partem com o seu pai numa viagem com o suposto objectivo de recuperarem o tempo perdido. No entanto, as "férias" que terão com o pai serão muito diferentes do que alguma vez poderiam imaginar...

"O Regresso" chegou a Portugal transportado numa verdadeira avalanche de elogios onde não faltavam citações a praticamente todos os grandes cineastas russos do passado (sobretudo Tarkovski e Kulechov), e carregando consigo o prestígio do Leão de Ouro do Festival de Veneza do ano passado. Ainda assim, as poucas imagens que se vêem por aí poderiam sugerir que se tratava de um filme essencialmente contemplativo, de grande beleza visual mas de um possível vazio narrativo. Felizmente, está muito longe de ser o caso. "O Regresso" é uma das estreias mais estimulantes deste Verão e, para variar, dá mesmo para acreditar na hype de que se trata de um dos melhores filmes Russos das últimas décadas!

Se é verdade que a qualidade do notável trabalho do director de fotografia Mikhail Krichman salta à vista desde os primeiros planos do filme, não é (apesar de tudo) nela que encontraremos os maiores prazeres. A primeira sequência, onde um grupo de rapazes testa a sua "virilidade" numa competição privada de mergulho e onde o pequeno Ivan é gozado por não querer saltar para a água gelada, imediatamente estabelece o tom e lança a temática que o súbito retorno do pai só vem confirmar e aprofundar: trata-se de um filme sobre o crescimento no masculino e, também, sobre um conflito entre duas gerações de homens muito diferentes. Não é por acaso que as únicas mulheres neste filme, a mãe (figura essencialmente protectora, como podemos ver no início) e a avó (completamente apagada em segundo plano) estejam ausentes no resto da história, e nem a empregada do restaurante tem qualquer função que não a de dar a oportunidade ao Pai de ensinar algumas boas maneiras a Andrei.

O argumento, tal como a figura do Pai, assenta em poucos diálogos (a maioria e os mais extensos pertencem aos dois irmãos), optando por expressar as suas ideias através das pequenas insinuações do pouco que é dito, do que não é dito e dos momentos de silêncio. Recusa-se a fazer qualquer separação maniqueísta das personagens, evitando a tentação de tornar o pai no "vilão" da história, conseguindo assim fugir a quaisquer estereótipos e conferir uma enorme profundidade e um certo mistério às três personagens masculinas. Isto porque em vez de nos brindar com as respostas a todas as perguntas, prefere dar-nos pistas e deixar outras questões no ar. É uma aposta díficil, mas definitivamente ganha.

Há espaço para alguma crítica social (nomeadamente no modo como é sugerida a pobreza de diversas partes da sociedade russa), mas é na composição de personagens que se marcam alguns dos maiores pontos. O Pai é um homem no sentido mais "tradicional" do termo: másculo, reservado, autoritário, seguríssimo de si, absolutamente víril e com uma enorme dificuldade em expressar qualquer tipo de carinho. A viagem para a qual parte com os seus filhos será uma espécie de ritual de iniciação onde procurará, com métodos muito pouco usuais, transmitir os seus valores e fazer deles uns "Homens". No entanto, se Andrei ainda se identifica minimamente com o seu pai, esta sua atitude vai suscitar um confronto com Ivan que destabilizará tudo e que constituirá o principal ponto de interesse da história. Para isso muito contribuem as excelentes interpretações de todo o elenco, estando os três actores principais completamente à altura uns dos outros. É, portanto, de lamentar ainda mais a morte precoce de Vladimir Garine (morreu afogado no lago onde decorreu uma parte das filmagens, pouco depois destas terminarem), que certamente ainda teria muito a dar à 7ª arte. Resta-nos a esperança de Ivan Dobronravov e a já confirmada capacidade de Konstantin Lavronenko. O que não é pouco.

Há que sublinhar, muito especialmente, a estreia na realização de Andreï Zviaguintsev, um antigo actor que consegue revelar uma maturidade absolutamente impressionante para uma primeira obra. Num filme em que podia muito facilmente cair na tentação de se limitar a justapor uma quantidade de imagens bonitas na vaga esperança de fazer "poesia", o realizador consegue contar uma história sobre o crescimento com uma enorme segurança e, ao mesmo tempo, realmente ser poético. É, aliás, na découpage e na montagem que Zviaguintsev revela uma enorme noção de ritmo, um conhecimento muito preciso de quais planos se devem prolongar e quais se devem cortar mais cedo. O resultado é uma dilatação do tempo extraordinariamente conseguida, capaz de nos fazer passar as emoções das personagens sem alguma vez despertar o tédio e a monotonia.

"O Regresso" é um filme onde o frio parece transpor o grande ecrã e invadir-nos e, no entanto, consegue também ser de um enorme calor humano, chegando a proporcionar-nos vários momentos de um humor discreto que nos fazem sentir que estamos perante seres humanos e não meras personagens de uma ficção encenada. E não esqueçamos a música de Andrei Dergatchev, subtil e poderosa ao mesmo tempo. A enigmática sequência final é o derradeiro murro no estômago, deixando-nos a tarefa de interpretar as (belíssimas) imagens que desfilam diante dos nossos olhos muito depois dos créditos acabarem de rolar. Exercício a que nos dedicamos com prazer, tal é o fascínio que o filme deixa em quem o vê.

O Regresso (Vozvrashcheniye)
Drama, Rússia, 2003.

Realização: Andreï Zviaguintsev
Argumento: Vladimir Moiseyenko & Aleksandr Novototsky
Elenco: Ivan Dobronravov, Konstantin Lavronenko, Vladimir Garine, Natalia Vdovina, Galina Petrova
Produção: Dmitri Lesnevsky
Produção executiva: Yelena Kovalyova
Dir. de fotografia: Mikhail Krichman
Música: Andrei Dergatchev
Montagem: Vladimir Mogilevsky
Som: Andrei Khudyakov
Tradução: Sara David Lopes (a partir da versão inglesa)

Site oficial português: http://www.atalantafilmes.pt/2004/oregresso/

Dossier: A Questão Michael Moore - Operação Toucinho Canadiano (Parte IV de VI)

2004-08-14T23:34:00.001+01:00

Depois da sua incursão no documentário cinematográfico com “Roger & Eu” e no mundo da TV com a primeira temporada de “TV Nation”, Michael Moore decidiu largar (temporariamente) a sua veia documentarista e experimentar a ficção com uma sátira política completamente nonsense – chamou-se por cá Operação Toucinho Canadiano. E não resultou tão bem quanto isso nem na bilheteira nem na página da crítica de cinema.

O plot é simples: o presidente dos Estados Unidos da América (Alan Alda) depara-se com uma situação de impopularidade tremenda. As eleições não estão muito distantes e se algo não for feito rapidamente, o partido arrisca-se a uma estrondosa derrota. O que fazer então para distrair a atenção do público Americano e garantir uma subida de popularidade? Declarar uma guerra fria ao Canadá (isto porque os Russos estão numa de investir nas infra-estruturas e na educação e não têm nem tempo nem dinheiro para mais uma guerra fria...)! O problema é que o que começa como sendo simplesmente uma “guerra de papel” acaba por descambar numa guerra a sério quando o xerife Bud Boomer (o falecido John Candy) e a sua amada Honey decidem fazer justiça pelas suas próprias mãos e realizarem a sua própria invasão ao Canadá!

Se em “Bowling for Columbine” Michael Moore viria a abordar os temas da cultura do medo, da influência das indústrias de armamento e o contraste entre as realidades sociais norte-americanas e canadianas, bem que se pode dizer que já neste filme se assistia a um “ensaio” de tais temáticas. O realizador brinca com os estereotipos que existem sobre americanos e canadianos, usando-os para efeito cómico - o povo norte-americano (mas, sobretudo, o poder político e militar norte-americano) é retratado como sendo completamente ignorante da realidade do seu país vizinho, enquanto que o Canadá é apresentado como um país de pessoas de uma boa vontade inacreditável, incapazes de ficarem violentos mesmo perante os maiores insultos... a não ser que estes sejam dirigidos à sua cerveja ou equipa de hóquei nacional!

O que falha no filme é o seu (assumido) exagero burlesco. Embora Moore queira criar uma farsa política na onda de “Dr. Estranhoamor” de Stanley Kubrick, muitas das suas qualidades acabam por se perder nalguns gags mais óbvios e básicos. A ideia da “criação de uma guerra a todo o custo” para reconquistar as eleições é original, mas seria melhor explorada em filmes como “Manobras na Casa Branca” de Barry Levinson; enquanto que a invasão do Canadá seria retomada em moldes ainda mais ácidos no delicioso "South Park - O Filme" de Trey Parker e Matt Stone (que, por acaso, até são amigos de Moore). No entanto, há que realçar alguns diálogos particularmente inteligentes que por vezes vão surgindo, como é o caso daquele semi-profético em que o presidente dos EUA despreza completamente a possibilidade de existirem ameaças terroristas!

Não é um filme excepcional, e é a confirmação de que Moore é muito mais um documentarista do que um ficcionista. Mas não deixa de ser um filme curioso, com alguns pontos fortes que tornam o seu visionamento bastante agradável.

Já agora, mantenham os olhos bem abertos e estejam atentos durante todo o filme: entre outros, há para descobrir cameos de James Belushi (como um reporter de TV para a “NBS”), Dan Aykroyd (num pequeno mas hilariante papel como polícia canadiano) e do próprio Michael Moore como um manifestante que idolatra Bud Boomer!

Operação Toucinho Canadiano (Canadian Bacon)
Comédia, 1995, EUA.

Argumento e realização: Michael Moore
Elenco: John Candy, Alan Alda, Rhea Pearlman, Kevin Pollack, Rip Torn, Kevin J. Connor,
Produção: David Brown, Ron Rotholz, Michael Moore
Dir. de fotografia: Haskell Wexler
Música: Elmer Bernstein & Peter Bernstein
Montagem: Wendy Stanzler, Michael Berenbaum

Disponibilidade:

O filme já passou no Canal Hollywood algumas vezes, e o IMDB atribui-lhe um certificado de “para maiores de 12 anos” para o território Português, mas desconheço qualquer edição nacional em DVD do mesmo.

Quem procurar edições estrangeiras também não terá muito por onde escolher: as edições americanas, inglesas e francesas são praticamente iguais (só a inglesa é que dispensa umas legendas em espanhol e francês) e, de conteúdos adicionais, só têm mesmo a trailer...

Dossier: A Questão Michael Moore - Roger & Eu (parte III de VI)

2004-08-12T23:36:00.000+01:00

Em 1987, Roger Smith, chairman da General Motors, decidiu, em pleno apogeu económico da empresa construtora de automóveis, fechar a fábrica localizada em Flint, no Michigan. Desse encerramento resultou o despedimento de mais de 40.000 empregados e o início do caos social na pequena cidade. Michael Moore, habitante de Flint que na altura se encontrava desempregado, decidiu não ficar passivo perante esta situação e, após juntar algum dinheiro ao organizar jogos comunitários de bingo na sua casa (!), pegou numa pequena equipa de filmagens que conhecera dos seus tempos de jornalista e partiu numa missão muito peculiar: fazer um documentário onde se mostrasse as consequências desastrosas do encerramento injustificado da fábrica e, ao mesmo tempo, contactar directamente com Roger Smith e convidá-lo a visitar Flint para lhe mostrar o impacto da sua decisão na vida dos habitantes da sua terra natal. Nunca conseguiu falar com Roger. Mas fez um dos documentários mais marcantes dos anos 80.

Quando estreou em 1989, “Roger & Eu” causou um burburinho considerável nos EUA. Pela primeira vez em muito tempo, a “América dos pequeninos” via no grande ecrã um dos seus a fazer frente ao patrão de uma grande corporação, munido unicamente de uma câmara e um sentido de humor ácido, e a conseguir dar uma luta impressionante! Embora o próprio poster não deixe quaisquer dúvidas de que Moore nunca irá encontrar-se com Roger, o que cativa o espectador não é (só) as tentativas frustradas de Moore de chegar ao último andar da sede da GM para falar com o poderoso chefão – é que entre esses momentos, Moore faz um fresco da situação na sua cidade natal que é das mais sinceras e perturbadoras viagens à América do interior jamais registadas em película.

Somos confrontados com o contraste da despreocupação dos ricos (que organizam festas onde alguns desempregados fazem de estátuas humanas, não fazendo sequer ideia de que Flint está a passar por uma crise social) e o brutal despejo de várias famílias das suas casas (uma das quais em pleno dia de Natal...) pela parte de um Xerife-adjunto que diz honestamente que só está a fazer o seu trabalho. Há também a senhora que combate a pobreza vendendo coelhinhos como “animais de estimação ou como comida”, não tendo qualquer dificuldade em abater e esfolar os ditos animais em frente à câmara naquela que foi (ridiculamente) a cena mais contestada de todo o filme. Pelo caminho, também fazemos uma viagem ao passado de Flint, que em tempos foi uma dos maiores representantes do “Sonho Americano” e, na altura em que o documentário foi rodado, foi eleita pela “Fortune Magazine” como a mais pobre cidade dos EUA.

O que mais toca é a evidente identificação que Moore tem com as pessoas da sua cidade natal. “Roger & Eu” pode ter inúmeros momentos que nos fazem rir, mas é sempre um riso amargo. Trata-se de um documentário pessoalíssimo (não é por acaso que o filme, até no título, está narrado na primeira pessoa do singular) sobre uma situação extremamente dolorosa para o seu autor, e o humor apresentado é sobretudo irónico e reflexivo. Não sabemos por vezes se havemos de rir com o ridículo que é assistir à inauguração em Flint de uma prisão onde as pessoas são convidadas “a passar uma noite dentro” para comemorar a ocasião ou a ficar imensamente furiosos com o facto das coisas terem chegado a um ponto onde situações como esta não pertencem ao campo do surreal!

No fim do dia, Moore pode não ter conseguido fazer com que Roger Smith assistisse pessoalmente ao estado das coisas em Flint, nem ter feito com que os desempregados da sua cidade recuperassem os seus empregos. Mas conseguiu dar-lhes voz e fazer com que os espectadores do resto do mundo conhecessem e reflectissem sobre a sua situação. E essa é a maior vitória do filme.

Roger e Eu (Roger and Me)
Documentário, 1989, EUA.

Argumento, produção e realização: Michael Moore
Co-Produtora: Kathleen Glynn
Operador de Câmara: Christopher Beaver, John Prusak, Kevin Rafferty e Bruce Schermer.
Montagem: Wendey Stanzler & Jennifer Beman
Cor, 87 minutos.

Disponibilidade:

Tragicamente, a primeira obra de Moore permanece inédita em solo português, isto tanto em DVD como em VHS, embora já tenha, inclusive, recebido honras de passar na televisão há vários anos (na SIC, se a memória não me falha...), muito antes de Michael Moore ser MICHAEL MOORE.

No entanto, não é difícil encontrar nas FNACs nacionais o DVD francês da Warner Brothers (“Roger et Moi”) que, como mais valia para quem não for grande conhecedor da língua de Molière, vem abastecido de legendas em Inglês, Alemão, Sueco, Norueguês, Dinamarquês, Finlandês e... obviamente, Francês! Nada de legendas em português, mas sempre é melhor que nada! Ah, e também há no disco umas dobragens em Francês e Alemão, mas todos sabemos que a versão original é aquela que vamos querer ouvir!

É uma edição praticamente desprovida de extras, mas felizmente temos, para nos consolar, a trailer original para as salas de cinema e (mais relevantemente) um comentário de áudio do próprio Michael Moore que deverá ser do interesse de todos que queiram saber mais sobre a concepção do filme.

Existem também as versões norte-americanas e inglesas deste disco, sendo a primeira igual à francesa em termos de conteúdos (mas com menos legendas por onde escolher) e a segunda bastante inferior, já que contém o filme e... nada mais!

É só uma pena que em nenhuma destas edições se tenha incluído também a curta-metragem documental “Pets or Meat: The Return to Flint”, um especial de 24 minutos feito para a TV, documentando o que acontecera aos habitantes de Flint três anos depois da conclusão de “Roger e Eu”.

A Emissão prossegue dentro de momentos...

2004-08-12T23:28:00.000+01:00

A gerência pede desculpas pela demora da actualização do dossier "Michael Moore", mas problemas técnicos envolvendo discos rígidos, jumpers, fontes de alimentação e outros etc. do mundo informático não permitiram a inclusão diária de posts que se desejava. Se tudo correr bem, a partir de hoje os posts devem retomar o ritmo inicialmente previsto.

O post referente à primeira longa-metragem de Michael Moore, "Roger & Eu", será publicado dentro de breves instantes...

Dossier: A Questão Michael Moore - Fahrenheit 9/11 (parte II de VI)

2004-08-09T20:31:00.000+01:00

"Fahrenheit 9/11 - A Temperatura a que Arde a Liberdade"

“Fahrenheit 9/11” começa com o mesmo ponto de partida do livro “Stupid White Men”: regressamos a 2000, no dia das eleições para a Presidência dos EUA. Al Gore é anunciado como sendo presidente mas, pouco tempo depois, é a FOX quem revela que a contagem dos votos, na realidade, dá a vantagem a Bush. Os restantes média apressam-se a dar-lhe razão. Gore já não é presidente, e Bush entra na Casa Branca à chuva de ovos e tomates de inúmeros manifestantes que contestam a sua eleição. Terá sido tudo um sonho? Um pesadelo? Ou simplesmente a realidade?

O mais recente filme de Michael Moore assume-se desde logo como sendo “Anti-Bush”. Quem vai vê-lo não deve esperar encontrar aqui uma visão jornalistica do tema, mas sim uma tese sobre o fracasso berrante de uma administração que teve como lema o “conservadorismo compreensivo”. É talvez o filme mais criticado de Moore, mesmo entre os seus habituais admiradores. É também aquele em que o realizador aparece menos no ecrã, sendo que a maior parte daquilo que vemos são imagens de arquivo montadas sobre uma ordem específica e “narradas” pela voz de Moore.

Manipulação? Mas o que é o cinema senão a arte da manipulação dos sons e das imagens? Basta colocar um plano ao lado de outro para existir manipulação, por muito pequena que seja. Quanto à alegada manipulação de factos, é o próprio Moore que desafia quem encontrar incoerências para as denunciar publicamente de modo a ganhar uma recompensa choruda. De resto, os elementos factuais ditos “falsos” por muita gente têm sido prontamente desmentidos no site “The Facts in 9/11”.

É filme para Americano ver? Provavelmente. É, afinal, na população norte-americana que Moore espera que o seu documentário faça o maior efeito. Propaganda? O Grande Dicionário da Língua Portuguesa do Círculo de Leitores define «propaganda» como sendo “Acção de propagar ideias, princípios, conhecimentos, teorias, divulgação, evangelização Associação encarregada de vulgarizar certas doutrinas”. Estranhamente, não vejo no filme a apologia de uma ideologia específica, nem a defesa de um partido em particular (Moore também nunca foi generoso com os democratas – vide “The Big One”) nem sequer uma divisão maniqueista do mundo em “bons” e “maus” – vejo, isso sim, uma crítica dura e impiedosa a uma administação e ao seu presidente. Crítica essa com que podemos concordar ou discordar (o filme NUNCA passa a ideia de que quem não concorda com as teorias expressas nele é estúpido!). De resto, que não haja dúvidas: o filme respeita todas as regras do documentário.*

Mas pondo estas questões de propaganda de parte, podiamos perguntar-nos se o filme tem ou não algum valor artistico, independetemente da mensagem que quer transmitir. Parece-me que, neste ponto, é que muita da crítica existente tem sido particularmente injusta, pois “Fahrenheit 9/11” consegue mesmo ser um belíssimo documenário. Desde a soberba sequência de créditos (onde vemos os membros principais da administração Bush a serem maquilhados como se fossem actores a prepararem-se para o início da peça), passando pela parte em que Moore tenta (sem sucesso) convencer membros do congresso a alistarem os seus filhos para a guerra no Iraque até ao plano final em que Bush se vê incapaz de dizer o velho ditado “Fool me once, shame on you; fool me twice, shame on me” que o estilo é provocador, extremamente crítico mas sempre lúcido e coerente. E francamente muito bem construído.

O filme consegue mesmo momentos belíssimos de montagem – quem o acusa de oportunista é porque deveria estar distraído durante a cena em que se “mostra” o embate nas Torres Gémeas dos aviões unicamente através do som e, posteriormente, de imagens de várias pessoas e olhar para off, onde a desgraça ocorreu. Cineastas menos habilidosos certamente não teriam resisitido à tentação de ir buscar as mais que revistas imagens dos choques – Moore escolhe a decência de nos poupar de tais obscenidades. Ninguém parece ter reparado nisso.

Há alturas onde Moore quase que pisa o risco – quando a mãe de um soldado morto no Iraque lê a última carta enviada pelo seu filho, perguntamo-nos por vezes se não estamos a entrar no campo do voyeurismo. A posteriori, parece-me que a escolha de Moore de colocar essa cena na íntegra faz todo o sentido, já que era necessário mostrar as consequências da guerra no Iraque, por muito dolorosas que fossem. Mas não esqueçamos outros momentos memoráveis/perturbantes do filme - o impasse de Bush ao ser informado de que o país está a ser atacado enquanto lia um livro infantil a um grupo de crianças (a voz-off de Moore, ao contrário do que já foi escrito por aí, não nos diz o que o presidente estava a pensar, apenas faz suposições baseadas nas suas expressões faciais...); a realidade desoladora da vida dos jovens "voluntários" que participaram na guerra do Iraque, bem como os curiosos métodos de recrutamento usados pelas instituições militares dos EUA para os convencer a alistar-se; o choque que é saber que a maioria dos congressistas que aprovaram o "Patriot Act" nem sequer o tinham lido; etc. Nestas sequências, como é típico na obra de Moore, o riso (irónico) vai de mão dada com a reflexão.

Mereceu a Palma d’Ouro? Na minha sincera opinião, sim, mereceu. Controvérsia... Que controvérsia?

Fahrenheit 9/11
Documentário, 2004, EUA.

Argumento e realização: Michael Moore
Produção: Michael Moore, Kathleen Glynn & Jim Czarnecki.
Produtores executivos: Harvey Weinstein & Bob Weinstein.
Dir. de Fotografia: Mike Desjarlais; Imagens adicionais: Kirsten Johnson & William Rexer.
Música: Jeff Gibs & Bob Golden.
Montagem:Kurt Engfehr, Todd Woody Richman & Chris Seward.

Disponibilidade:

O filme está actualmente em exibição nos cinemas portugueses.

*Já que falamos de propaganda, lembremos um pequeno episódio do passado. Howard Hawks filmou, logo a seguir ao ataque de Pearl Harbour, um filme de ficção chamado “Air Force - Águias Americanas”. Nele, os japoneses são retratados como sendo monstros - quando os seus aviões são abatidos por caças americanos o ambiente é de festa, e há até uma tentativa de comic-relief personificada num cachorrinho de nome “Tripoli” que, muito “sabiamente”, só ladra quando lhe dizem nomes japoneses como “Moto”. É propaganda no seu estado mais puro – há bons (os americanos) e maus (os japoneses), os maus são monstros imperdoáveis e desuhamanos, os bons são modelos de virtudes (e a única personagem que começa por não o ser acaba por se redimir lá para o fim) e, claro, o bem ganha sempre. Mesmo que essa vitória do bem consista em bombardear Tóquio... No entanto, é difícil encontrar hoje quem ouse dizer mal do filme e de chamar de faccioso a Howard Hawks. Afinal, o homem é (muito justamente) o génio por detrás de obras-primas como “Rio Bravo” ou “Os Homens Preferem as Loiras”. Pelo contrário, elogia-se a (inegável) qualidade técnica do filme, que é formidável sobretudo tendo em conta o ano em que foi produzido e a rapidez em que foi feito. E além disso, ninguém esquece que foram as cenas de combate de caças deste filme que influenciaram George Lucas na concepção dos brilhantes combates especiais entre Tie-Fighters e StormTroopers no seu mítico “A Guerra das Estrelas”. Do lado de propaganda já ninguém parece querer saber. O nome de Hawks é superior a isso tudo.

Dossier: A Questão Michael Moore (Parte I de VI)

2004-08-09T19:54:00.000+01:00

O CineArte inaugura a sua secção de dossiers dedicados à obra de cineastas que, por uma razão ou por outra(s), merecem um destaque acrescido. Tentar-se-á, com estes dossiers, dar a conhecer a (quase) totalidade da obra de um determinado autor, dando a hipótese ao leitor de partir dos textos para um ou mais filmes. E começamos com uma escolha polémica – Michael Moore, o homem que tem como missão actual assegurar que George W. Bush não volte a ser eleito presidente dos Estados Unidos da América neste próximo Novembro.

Optou-se, neste dossier, por abordar unicamente a obra para cinema do documentarista oriundo de Flint, já que seria impossível (em termos temporais e financeiros...) escrever com a mesma consideração sobre os seus livros e sobre os seus trabalhos para a televisão.

Muito tem sido escrito sobre os filmes. Infelizmente, muito do que de negativo se afirmou sobre o seu último filme, “Fahrenheit 9/11”, tem nascido, um pouco à semelhança do que já acontecera com as suas obras anteriores, não só de diversas alegações de “manipulação dos factos” como, e isto muito mais gravemente, de um profundo desconhecimento do que é um documentário cinematográfico. Daí que, antes de continuar com este texto, convenha expor uma definição:

O documentário é um género que pressupõe uma visão subjectiva da realidade pela parte do seu autor, um ponto de vista nítido e sincero sobre uma determinada situação da actualidade. Não é uma reportagem e nem sequer se rege pelas leis do jornalismo (a primeira das quais, a objectividade no tratamento da informação - que mesmo no jornalismo televisivo de hoje em dia é mais que questionável...). É uma obra de arte, tão subjectiva como a mais honesta das ficções ou o mais rabiscado dos quadros.

Mas não vão por estas palavras. Michael Rabiger, autor do livro “Directing the Documentary” (1992, Focal Press) que é considerado uma leitura de referência nas escolas de cinema que leccionam o género do documentário, diz na sua obra lapidar que um filme documentário deve ser “ou um ensaio controlado e premeditado ou algo lírico e impressionista. Pode articular o seu significado principalmente através de palavras, imagens ou comportamento humano (...) O filme documentário reflecte um fascínio e um profundo respeito pela actualidade. É o exacto oposto do ‘escape entertainment’, estando comprometido com a riqueza e ambiguidade da vida tal como ela é”.

Nos seus documentários, Moore assume frontalmente a sua ideologia de esquerda. Embora diga que os seus filmes estão construídos de modo a entreter o espectador comum que pagou 10 dólares pelo bilhete de entrada, o certo é que estes oferecem muito mais do que umas quantas piadas dispersas por noventa ou cento e vinte minutos. Moore é um retratista da população da chamada “small-town America”, aquela que não tem qualquer expressão nos média ou nas artes norte-americanas, que só surge nos noticiários quando é vítima dos crimes de mão armada. As situações que aborda, como o crescente desemprego na classe média e as fraudes corporativas que passam incólumes, mostram uma nação de contrastes, que gosta de passar a imagem de que é o país mais rico do mundo e a “terra das oportunidades” mesmo que essa riqueza esteja longe de ser distribuída e que as oportunidades sejam só para alguns. São reflexões sobre “o Sonho Americano” feitas por alguém que soube ver nele o mais podre e, ironicamente, ser dos poucos privilegiados a vivê-lo.

Goste-se ou não, o certo é que Moore conseguiu uma proeza inegável, que foi atrair milhões de espectadores em todo o mundo para um género cinematográfico (o documentário) que geralmente tem grandes dificuldades em impor-se comercialmente perante as obras de ficção, isto quando consegue sequer chegar às salas de cinema. Os seus documentários geraram mais discussão e reflexão sobre a política interna e externa dos EUA do que muitos livros ou “reportagens objectivas” feitas para a imprensa escrita ou televisiva. E, no fim do dia, não será essa uma das mais nobres funções do cinema (e do cinema documental em particular), a de nos fazer discutir e reflectir sobre a nossa actualidade?

E goste-se ou não, é mais que certo que Michael Moore não ficará por aqui. A comprová-lo está o seu já anunciado próximo projecto de documentário “Sicko”, um filme que aborda o sistema de saúde norte-americano. Conhecendo a obra anterior do realizador, não é de esperar propriamente os maiores elogios pela parte do documentarista de Flint.

Memorial: "Hiroshima, meu amor" de Alain Resnais

2004-08-06T21:10:00.000+01:00

Faz hoje 59 anos que a humanidade assistiu a um dos actos mais hediondos da sua história. Um avião tristemente baptizado de "Enola Gay" sobrevoou a cidade de Hiroshima, o seu piloto alegremente largou uma das mais perversas invenções da ciência e, em poucos minutos, fez história no pior de todos os sentidos. Como a memória dos homens, por vezes, é curta, convém relembrar o acontecimento e um dos filmes que, de forma indirecta, melhor espelhou os "anos a seguir" à tragédia atrás descrita: o magnífico "Hiroshima, meu amor" de Alain Resnais.

Doze anos depois da tragédia, um homem japonês e uma mulher francesa têm um affaire na primeira cidade devastada pela bomba atómica. Ela é actriz, está de passagem pelo Japão para acabar de filmar um filme sobre a paz e regressar o mais rapidamente possível para Paris. Ele é um salary-man casado que sabe falar francês. Ambos sabem que a sua relação está condenada. No entanto, algo os une de uma maneira quase irracional. Ao passear por Hiroshima, ao abraçar-se ao seu amante nipónico, Ela irá fazer uma viagem pelas suas memórias, encontrando em Hiroshima e no homem de negócios nipónico ligações não tão estranhas com o seu próprio passado...

Com argumento da escritora Marguerite Duras ("Moderato Cantabile", "O Amante"), Alain Resnais cria um filme intimista e experimental que consegue ser das obras mais fascinantes tanto da argumentista como do realizador. Misturando o registo do documentário (o segmento inicial, com as várias fotografias de Hiroshima, dos seus destroços, das suas vítimas) com uma ficção soberbamente dirigida. É um filme "difícil" mas nunca vazio. As interpretações de Emmanuelle Riva e Eiji Okada são fabulosas, dando vida aos diálogos dificílimos de "ler" (pelo seu teor reflexivo e quase "teatral") de Duras. Mas atente-se também à soberba música de Georges Delerue e Giovanni Fusco, à magnifica direcção de fotografia de Michio Takahashi e Sacha Vierny e, como não poderia deixar de ser num filme de Resnais, ao trabalho de montagem engendrado pelo trio Jasmine Chasney, Henri Colpi e Anne Sarraute (e certamente também ao próprio Resnais). É uma verdadeira lição de cinema que nada tem a ver com o pretensioso "revisitar" do tema que Nobuhiro Suwa fez em 2001 no medíocre "H Story".

Numa altura em que convém manter as memórias do acontecimento bem vivas, nada como ver um filme que, revisitando a "cena do crime", aborda o modo como as nossas experiências pessoais moldam as nossas lembranças dos acontecimentos do passado.

Ele - Tu não viste nada em Hiroshima. (...)
Ela - Vi tudo. Tudo.
(...)
Ela -... do décimo quinto dia também. Hiroshima cobriu-se de flores. Havia por toda a parte centáureas e gladíolos e trepadeiras e lírios amarelos que renasciam das cinzas com um com um extraordinário vigor, até então desconhecido nas flores. Nada inventei.
Ele - Inventaste tudo.
Ela - Nada.

Hiroshima, meu Amor (Hiroshima, mon Amour)
Drama, 1959, França/Japão
Realizador: Alain Resnais
Argumento: Marguerite Duras
Elenco: Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas, Pierre Barbaud, Bernard Fresson
Produção: Anatole Dauman e Samy Halfon
Dir. de Fotografia: Michio Takahashi e Sacha Vierny
Música: Georges Delerue e Giovanni Fusco
Montagem: Jasmine Chasney, Henri Colpi e Anne Sarraute

Disponibilidade:

Existe uma soberba edição em DVD da Criterion, mas nenhuma edição nacional. Pelo contrário, o argumento de Marguerite Duras está publicado em Português pela Quetzal Editores e recomenda-se.

Notícias: "O Lugar do Morto" é lançado em DVD

2004-08-02T02:36:00.000+01:00

Mais de três anos (!!!) passados após ter recebido subsídio pela parte do ICAM para ser transcrito para o formato digital, eis que finalmente chega ao mercado português o DVD da célebre longa metragem "O Lugar do Morto" de António Pedro Vasconcelos, editado pela Costa do Castelo.

A demora da edição ter-se-á devido a vários factores, entre os quais a dificuldade de obtenção de suplementos que enriquecessem a edição (na época da produção do filmes, até mesmo os "making-of" não eram comuns no cinema português...).

"O Lugar do Morto" é um dos mais míticos (e mais subestimados) filmes portugueses produzidos nos anos 80. Quando foi lançado nas salas, em 1984, causou sensação entre o público tornando-se o maior êxito de bilheteira obtido por um filme português até então (cerca de 278 mil espectadores, recorde só batido 13 anos mais tarde por "Tentação" de Joaquim Leitão). A razão deste êxito deveu-se não só às qualidades do filme, como também ao simples facto de se aventurar com uma inegável segurança por dois territórios pouco explorados no cinema português: o do policial e o do filme negro. É o próprio realizador, aliás, que diz que o filme é muito influenciado por Otto Preminger.

Como já foi aludido, o disco não é propriamente abundante em extras. Mas destaca-se a excelente qualidade da imagem (fabulosa para um filme de 1984) e um muito interessante audio-comment do realizador, que já nos brindara com uma boa lição de cinema na faixa de comentário de audio do DVD de "Jaime".

Com argumento de Carlos Saboga ("Aqui D'el Rei", "Jaime", "O Milagre Segundo Salomé") e António Pedro Vasconcelos, direcção de fotografia de João Rocha ("Perdido por Cem", "Oxalá" e "Paraíso Perdido" de Alberto Seixas Santos), montagem de Manuela Viegas ("Glória") e música de Alain Jomy ("Aqui D'el Rei", "Jaime"), bem como um elenco que conta com as presenças de Pedro Oliveira, Ana Zanatti, Ruy Furtado, Teresa Madruga, Lídia Franco, Natalina José, Carlos Coelho e Manuela de Freitas, "O Lugar do Morto" é um dos títulos essenciais da nossa cinematografia. O preço do disco é de €24.50. E vale a pena...

P.S. - Já agora, para quando uma edição em DVD de "A Balada da Praia dos Cães" de José Fonseca e Costa? É só uma ideia...

Museu temporariamente fechado para férias

2004-08-01T13:37:00.000+01:00

Chega Agosto e é sempre a mesma coisa na capital. As pessoas que pouparam algum dinheiro fogem para fora (Algarve ou República Dominicana, se o objectivo é praia; Paris ou Nova-Iorque, quando se procura outra coisa...) e quem permanece por Lisboa fica a trabalhar, à procura de emprego ou a dar-se feliz por haver tantos lugares para estacionar o carro. Por outro lado, quem está de férias e procura passar o tempo livre nas salas escuras pode ter certas dificuldades em encontrar boas propostas uma vez vistos os "essenciais" (afinal, estamos na silly-season!). Em qualquer outra altura do ano, uma boa alternativa a um cartaz menos apelativo seria sempre a Cinemateca. Digo "em qualquer outra altura do ano" porque, como pode constatar quem visitar o site oficial do Museu do Cinema, as suas portas estão fechadas neste mês de Agosto!

A Cinemateca Portuguesa é uma das melhores instituições nacionais dedicadas à promoção da Sétima Arte em Portugal. Que disso não haja dúvidas. A sua rica programação, baseada num crescente arquivo que, se em 1989, contava com cerca de 800 longas metragens nacionais e estrangeiras (de acordo com João Bénard da Costa no seu livro "Os Filmes da Minha Vida - Os Meus Filmes da Vida), hoje tem um espólio bem mais considerável, tem feito as delícias de quem a tenha visitado nos restantes onze meses dos últimos anos. O preço acessível dos seus bilhetes; a bem apetrechada livraria da Ler Devagar (a única que parece verdadeiramente fazer juz à categoria de "Livraria de Cinema" em Portugal); o simpático café-restaurante, com a sua esplanada a servir as honras de projecções ao ar-livre nos meses de calor; as exposições periódicas; a biblioteca; a sala de projecções de DVDs... tudo isto são qualidades que quem já entrou no edifício situado na Rua Barata Salgueiro certamente não negará. Isto, claro, se o tiver visitado sem ser em Agosto!

Poderão dizer-me que Agosto é mês de férias e que os empregados da Cinemateca, como seres humanos que são, merecem um período de descanso como qualquer outra pessoa. Concordo absolutamente. Todos, dos projeccionistas à simpática senhora da bilheteira, passando pelos empregados do café e da livraria, merecem um mês de repouso.

O que não compreendo é porque é que a Cinemateca não contrata, nem que unicamente a título temporário, alguém que mantenha o funcionamento das instalações durante mais 31 dias (que nem chegam a isso, porque a Cinemateca ao domingo não tem projecções...). O país está com uma considerável quantidade de desempregados que, certamente de bom grado, fariam um bom trabalho por um ordenado mínimo; e mesmo que não estivesse, há sempre jovens (e não-tão-jovens...) que precisam de empregos em part-time no Verão. Muitos deles preenchem as qualificações mínimas necessárias para o funcionamento da Cinemateca e do seu equipamento (a programação poderia facilmente ser feita à priori pelas "autoridades competentes"). Porque não dar-lhes a oportunidade?

Pode parecer piquinhice insistir nesta questão. Mas o facto é que, para muita gente, a única altura do ano em que podem realmente visitar a Cinemateca é em Agosto. Falo daqueles que vivem fora de Lisboa ou que, vivendo na capital ou perto dela, passam o resto do ano minados por empregos ou cursos sufocantes que deixam pouco tempo para uma passagem pelo Museu do Cinema. Pensemos, aliás, neste último título. A Cinemateca, muito justamente, tem como nome alternativo "Museu do Cinema". E é-o. A preservação/conservação que tem feito de milhares de títulos nacionais e estrangeiros é um feito digno de todos os elogios e, verdadeiramente, uma actividade típica de qualquer bom museu. Mas não basta conservar os filmes - há que exibi-los, dá-los a ver tanto a "connaisseurs" como a "menos iluminados" que talvez apanhem o bichinho do cinema ao ver um ciclo de Billy Wilder ou de Ingmar Bergman. Nos outros meses, é isso que acontece. Quem quiser vê-los em Agosto descobrirá que não pode. O Museu está fechado para férias.

Conseguem imaginar que quem quisesse ver "As Tentações de Santo Antão" de Bosch no Museu Nacional de Arte Antiga durante o mês de Agosto chegasse às portas desta instituição e tivesse que se contentar por comprar um livro da Taschen para contemplar a obra-prima do pintor holandês? Pode parecer exagero, mas acho que esta "ficção" é em tudo comparável com o encerrar da Cinemateca em Agosto. Facto tanto mais chato quando se passa pelos sites da cinematecas de Paris ou de São Paulo e se vê a programação que têm agendada para este mês. Bem sei que são países com realidades económicas e sociais bem diferentes de Portugal. Acredito mesmo que seja o factor € o maior responsável pela não-actividade da Cinemateca am Agosto e não qualquer "má vontade" dos seus directores... mas custava «mesmo» assim tanto mantê-la a funcionar só mais um pouco?

Enfim, vemo-nos por lá em Setembro...

"O Despertar da Mente" - A memória dos afectos

2004-07-25T22:00:00.000+01:00

Joel Barish (Jim Carrey), um homem de carácter introvertido, descobre que a sua excêntrica namorada Clementine (Kate Winslet) recorreu a uma estranha operação para apagar todas as memórias que tem dele. Joel descobre a companhia que fez a operação e pede, num misto de "vingança ciumenta" e incompreensão, para submeterem-no ao mesmo procedimento. Só que a operação levar-lhe-á a fazer uma viagem pelas suas memórias da sua vida com Clementine e, uma vez iniciado o processo de apagamento, Barish redescobre as razões porque se apaixonou pela rapariga e porque a sua relação falhou, tendo que derradeiramente fazer uma escolha definitiva: esquecer ou lembrar.

Só agora tive a oportunidade de ir ver "The Eternal Sunshine of the Spotless Mind - O Despertar da Mente" de Michel Gondry, dois meses depois da sua estreia, numa sessão única à meia-noite no Monumental (na mesma sala que, habitualmente, está a projectar o Shrek 2). E devo dizer que se o Verão tem andado a justificar a sua alcunha de "silly season", a permanencia de filmes como este em cartaz é de nos deixar um pleno sorriso na cara.

O argumento de Charlie Kaufman (autor dos scripts de "Queres Ser John Malkovich?" e "Inadaptado") é, mais uma vez, absolutamente fabuloso. O seu talento de compor personagens fantásticas em situações extraordinárias mantém-se intacto, bem como a sua capacidade de jogar com (e contra) as convenções tradicionais da escrita de argumento de modo a tornar toda a história mais interessante. Isto porque o filme, abordando o tema da memória e das nossas recordações afectivas (um tópico que certamente faria a delícia de Alain Resnais, cujo "Hiroshima, meu Amor" parece ter influenciado a história aqui e ali), está contruído como se ele próprio se tratasse de um conjunto de memórias erráticas que caminha para a sua progressiva clarificação. Constroi-se como um puzzle, mas vive-se (e sente-se) com uma intensidade rara. É uma das histórias de amor (ou sobre o amor) mais sincera e genuinamente românticas que o ecrã nos deu nos últimos tempos.

Mas se é verdade que o argumento é um elemento determinante, não podemos esquecer (injustamente) a contribuição do realizador Michel Gondry, da directora de fotografia Ellen Kuras e do montadora Valdís Óskarsdóttir para o belo todo que é este filme. O primeiro porque, ao contrário de que muitos têm especulado, usa inteligentemente a sua herança de realizador de video-clips para dar ao filme o seu "quê" de fantástico e surreal que necessita, sobretudo nas sequências passadas na memória de Barish, onde os efeitos especiais que sugerem o "apagamento" das recordações revelam-se um prodígio que, ao contrário de muito do que se vê no cinema actual, contribui para a narrativa em vez de ser simplesmente um mero fogo de artifício visual. A segunda porque a imagem tem um papel fulcral raramente visto, com a câmara a usar o foco e o desfoco para sugerir o estado da memória de Barish; e por fim a montagem que, talvez mais do que tudo, constroi o ambiente confuso e perdido da mente de Barish, funcionando com a precisão de um relógio. E há, claro, as interpretações dos actores...

...e que interpretações! Jim Carrey, de novo, mostra que é muito mais do que um actor de caretas, conferindo à sua personagem uma complexidade dramática que assenta muito mais nos pequenos pormenores de comportamento do que em expressões corporais exageradas. São poucos os actores que conseguiriam fazer este papel com a mesma entrega e seriedade de Carrey. Kate Winslet, que parece determinada a mostrar que tem uma gigantesca versatilidade e que é muito mais do que a "Titanic Girl", está deslumbrante do princípio ao fim num papel que poderia facilmente cair na caricatura mas que, graças ao soberbo trabalho da actriz britânica, consegue ser profunda. E nos secundários há que destacar a energia de Kirsten Dunst, a sobriedade de Tom Wilkinson, a surpreendente timidez de Elijah Wood e a solidez de Mark Ruffalo.

(Spoiler Alert) Incrivelmente, um dos elementos que parece destoar é o plano final do filme. Porque não acabou o filme com aquele (lindo) diálogo entre Winslet e Carrey? De onde veio a necessidade de fechar o filme com um plano de neve que nos deixa (literalmente!) ao frio? (Spoiler End)

Mas para dizer verdade, pouco interessa. Não é certamente por este pequeno defeito que o filme será recordado...

O Despertar da Mente (Eternal Sunshine of the Spotless Mind). Drama. 2004, EUA.
Realizador: Michel Gondry
Argumento: Charlie Kaufman
Elenco: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson
Produção: Anthony Bregman & Steve Golin
Dir. de Fotografia: Ellen Kuras
Música: Jon Brion
Montagem: Valdís Óskarsdóttir
Cor, 108 mins.
Tradução: Fátima Chinita

Site oficial: http://www.eternalsunshine.com/

Antevisão: "Steam Boy" de Katsuhiro Otomo

2004-07-20T15:25:00.000+01:00

O cinema de animação marca a sua estreia no Cinearte com aquela que é uma das obras mais aguardadas do momento!

Após nove anos (!) de uma extensíssima e conturbada produção, "Steam Boy" estreou a 17 de Julho nos ecrãs japoneses, terminando um longo calvário para o seu criador Katsuhiro Otomo, que faz assim o seu regresso à realização quase dez anos depois de assinar um segmento do filme "Memories".

Otomo é conhecido no ocidente, sobretudo, por ser o autor do mítico manga "Akira" e da sua não menos aplaudida transposição para a longa-metragem de animação. Se o manga fez história ao apresentar uma narrativa de ficção científica plenamente adulta que marcou milhões de leitores tanto no oriente como no ocidente (não esqueçamos os elogios tremendos que Moebius lhe fez), a adaptação para o grande ecrã foi, no ano de 1988, a mais cara produção anime de sempre, apresentando uma animação com uma fluídez raramente vista tanto nas obras japonesas como nas americanas ou europeias, e um trabalho de argumento e realização que deslumbrou plateias e críticos um pouco por todo o mundo. Foi este o título maioritariamente responsável pela chegada em força dos mal-apelidados "filmes manga" ao ocidente nos finais dos anos 80/inícios dos anos 90. Em Portugal, o filme não teve direito a distribuição (só mesmo a umas passagens no Fantasporto e, em 2001, a várias sessões esgotadas no Cine-Estúdio 222 aquando de um ciclo de anime organizado pela Zero em Comportamento) e o manga só chegou às nossas prateleiras em 1997 pela mão da Meribérica/Liber numa edição adaptada da versão americana colorizada por Steve Olif. Recentemente, o 10º aniversário do filme permitiu que o DVD comemorativo chegasse ao mercado importado pela MVM numa edição britânica com legendas em português, e o manga viu o seu último capítulo ser publicado há pouco tempo.

"Steam Boy" é um velho projecto de Otomo que, devido à complexidade da produção e à óbvia necessidade de meios mais exorbitantes, foi sendo posto na prateleira várias vezes pela produtora Bandai Visual, fazendo com que o seu realizador tivesse que ir trabalhando noutras obras em funções mais secundárias. Se há males que vêm por bem, esta "pausa" permitiu que Otomo escrevesse o argumento de "Metropolis" de Rin Taro e o de "Roujin Z" de Hiroyuki Kitakubo e assumissse o papel de supervisor (o mesmo é dizer, "mentor") de "Perfect Blue" de Satoshi Kon e "Spriggan" de Hirotsugo Kawasaki. Não se pode afirmar que fez pouco...

Escrito por Sadayuki Murai (argumentista das excelentes longas-metragens "Perfect Blue" e "Millenium Actress", bem como da série "Boogiepop Phantom" e de um episódio de "Cowboy Bebop"), "Steam Boy" conta a história de Rei, um jovem inventor que vive no Reino Unido em meados do século XIX, pouco antes da primeira Exposição Mundial. Uma nova invenção denominada "Steam Ball" vem parar à porta do avõ de Rei, Roid, mas este nem imagina o poder terrível que se esconde por de trás deste invento. Quando a Fundação Ohara envia os seus homens para obterem a Steam Ball para assim poderem usá-la para fins pouco recomendáveis, começa o conflito.

O filme custou 2400 milhões de yens a ser feito, sendo quase tão caro quanto "A Viagem de Chihiro" de Hayao Miyazaki, mas com um número de fotogramas animados bem maior que o do anime que arrebatou o Oscar há um ano! A música está a cargo do compositor norte-americano Steve Jablonski. A trailer que tivemos a oportunidade de visionar deixou-nos, desde logo, absolutamente espantados pela qualidade da animação: há algum tempo que não se via uma fluídez e uma junção tão harmoniosa entre gráficos CG e desenhos 2D. Se "Akira" fascinou plateias inteiras no seu tempo, é de esperar que "Steam Boy" faça o mesmo. No que diz respeito à história e ao filme em si, ainda é cedo para dizer se o resultado final está à altura das expectativas. O melhor mesmo é esperar para ver.

A estreia nos ecrãs franceses está marcada para 22 de Setembro. Em Portugal, por enquanto, não se faz qualquer ideia se o filme alguma vez chegará ou não às salas escuras, mas não é de espantar que o DVD aterre nas prateleiras das lojas mais cedo ou mais tarde... nem que seja na secção de "importação"!

Site oficial (em japonês): http://www.steamboy.net/
Ver também: http://www.lawson.co.jp/loppi/steam_boy/

P.S. - Convém relembrar que o DVD de Akira contínua à venda e que a edição nacional do disco digital versátil de "Memories" está quase a chegar!

Só umas poucas palavras sobre "American Splendor"

2004-07-19T02:10:00.000+01:00

Uma reposição oportuna no Ávila permitiu-me ver um daqueles filmes que, graças a esses inconvientes que consomem o nosso tempo, tinha deixado injustamente passar ao lado aquando da sua passagem pelos ecrãs portugueses - trata-se de "American Splendor" de Shari Springer Berman e Robert Pulcini, uma "adaptação" do comic-book underground homónimo de Harvey Pekar.

A BD em questão trata-se nem mais nem menos do que uma biografia do próprio Harvey Pekar, um average-middle-class-guy, arquivista num hospital suburbano e com um enorme sentido de auto crítica que, através do seu contacto com o cartoonista Robert Crumb (criador de "Fritz, the Cat", entre outros), decide passar as situações do seu quotidiano (incluindo as próprias pessoas com quem trabalha e se relaciona!) para as tiras de uma BD. O êxito é inesperado mas não tira Pekar da sua condição de slob mal-pago e depressivo. Quando Joyce, dona de uma loja de comics, lhe vem pedir o último número de "American Splendor", uma interessante (e pouco usual) relação nasce. Mas este é só o princípio de uma história mais ampla...

Não há que alongar muito. Mas tenho que dizer que "American Splendor" mistura, com invulgar sabedoria, o estilo do documentário (afinal, temos depoimentos das verdadeiras pessoas que surgem como personagens nos filmes, chegando mesmo a comentar as suas versão ficcionadas!) e uma ficção várias vezes hilariante e não poucas vezes tocante. É um "fresco" de uma América que não estamos habituados a ver, de um tipo de gente que raramente surge no grande ecrã de cinema tão bem retratada nos seus melhores e piores momentos. Tudo com uma banda-sonora de Jazz que mais parece uma fabulosa compilação do melhor que este estilo músical gerou desde o seu nascimento. É a música de que Harvey gosta, e nós agradecemos. Tal como agradecemos o soberbo trabalho dos actores (Paul Giamatti, não sendo 100% fisicamente semelhante a Harvey Pekar, captura a sua essência e maneira de ser com uma precisão que é preciso ver para se acreditar - sobretudo quando se pode, dentro do mesmo filme, comparar o actor com o próprio Pekar!) e a realização soberba do casal Berman-Pulcini.

"American Splendor" é bom, muito bom mesmo. Aqueles que têm saído desiludidos das recentes adaptações de vários comics da Marvel poderão aqui (e no excelente "Mundo Fantasma") reconciliar-se com a BD norte-americana e respectivas transposições para o cinema. Mas não posso deixar de achar curioso que são as adaptações de material mais "underground" que melhor têm funcionado ultimamente...

Site oficial: http://www.americansplendormovie.com/main.html

Bloco de Notas: Dossier Truffaut nos Cahiers du Cinéma

2004-07-18T00:47:00.000+01:00

Para aqueles que não a costumam comprar, a edição de Julho/Agosto dos Cahiers du Cinéma traz um interessante dossier sobre o cineasta François Truffaut.

Este número deve ser do agrado mesmo daqueles que acham que os Cahiers já não são o que eram durante a fase da "colecção amerela", já que, para além de artigos extensos acerca da escrita de Truffaut, da sua obra e (inevitavelmente) da sua "política dos autores", traz também depoimentos de realizadores tão variados como Carlos "Cáca" Diegues, Kiyoshi Kurosawa, Monte Hellman, Amos Gitai, Hou Hsiao-Hsien ou Abbas Kiarostami sobre o autor francês e o modo como os seus filmes lhes marcaram.

Fora do dossier, há também por lá um artigo sobre o João César Monteiro, mas é de esperar o típico "endeusamento cego" dos Cahiérs...

"28 Dias Depois" - Os dias (não estão) contados para o filme de Zombies

2004-07-14T00:58:00.000+01:00

Vinte e oito dias depois de um estranho vírus ter sido libertado acidentalmente de um laboratório na Inglaterra, toda a ilha britânica está devastada, sendo assolada por mortos-vivos que os poucos sobreviventes que ainda restam escondidos nos destroços chamam de "Infectados". O vírus que estes carregam transmite-se pelo sangue, tornando as suas víctimas em monstros carregados de raiva em pouco menos de vinte segundos depois de serem mordidos. Jim, um paperboy que estivera internado em coma antes da propagação do vírus, acorda no hospital para encontrar Londres completamente desolada. O seu encontro com dois sobreviventes, Selena e Mark, fará com que não só fique a par da dramática situação actual, como também lhe permitirá iniciar a procura de alguma forma de fugir do pesadelo que estão a viver. No entanto, os "Infectados" não são a sua única ameaça...

Foi em 2002 que Danny Boyle, o célebre realizador britânico responsável pelo impressionante thriller "Shallow Grave - Pequenos Crimes Entre Amigos", pela extremamente elogiada adaptação de "Trainspotting" de Irvine Welsh e pela extremamente vaiada adaptação de "A Praia" de Alex Garland, se aventurou num território não-tão-comum-quanto-isso no cinema inglês e na sua própria obra: o filme de Zombies. Para além da peculiaridade desta premissa, Boyle ousou ser original não só na escolha da temática como também na própria concepção do filme, escolhendo usar como formato de registo de imagem o Vídeo-Digital (DV) em detrimento da tradicional (e muito mais cara) película de 35 milímetros, teoricamente abdicando desde logo de uma fotografia "mais bonita". Os riscos eram grandes, e bastava o facto de esta ser a segunda vez que Boyle e Alex Garland estavam envolvidos num mesmo projecto para não inspirar grande confiança.

Mas a aposta foi definitivamente ganha. Desde o momento em que assistimos a vários planos de Londres completamente vazia até à primeira cena em que os Infectados surgem do escuro que percebemos estar perante um filme de zombies como já tinhamos saudade de ver. Depois da enorme decepção que foi a transposição para o grande ecrã de Resident Evil (uma crítica minha, bastante ilustrativa dessa desilusão, pode ser encontrada aqui), é agradável constatar que o género ainda tem muito para oferecer!

Construindo a sua obra num crescendo de tensão, Boyle consegue criar um ambiente de cortar-à-faca ao longo de todo o filme. Muito desse ambiente deve-se à sólida direcção de actores, à soberba utilização da música de fundo de John Murphy e muito especialmente à direcção de fotografia. Aqueles que têm defendido a fotografia em DV como uma opção estética e económica a ter em conta têm aqui um belo contra-argumento para os cépticos que desconfiam da qualidade do vídeo enquanto formato de captação de imagem: o trabalho do director de fotografia Anthony Dodmantledff é exepcional, conferindo todo um "look" de documentário ao filme (coisa que George Romero também conseguira no seu mítico "A Noite dos Mortos Vivos") e, simultaneamente, fazendo-nos esquecer várias vezes ao longo de 110 mínutos de que estamos a ver uma obra que não foi rodada em película!

O argumento de Garland tem a inteligência de não se limitar a ser um survival-horror linear, dando alguma profundidade às personagens e inserindo uma dose sugestiva de crítica social na história. Tal como na tradição dos melhores filmes do género, "28 Dias Depois" expõe as qualidades e (acima de tudo) os podres dos sobreviventes perante os seus instintos mais básicos, sugerindo que os seres humanos não são assim tão diferentes das criaturas que tanto temem e desprezam. Os elementos de ficção científica de série B funcionam plenamente, e a violência tem a brutalidade que um filme destes necessita, não se esquivando a mostrar um ou outro plano mais "duro" só para garantir um público mais alargado.

É claro que o filme não está isento de erros: a montagem, embora na maioria das vezes justa e adequada (tendo mesmo excelentes momentos nas últimas instâncias passadas na mansão dos militares, por exemplo), é demasiado découpada nalgumas cenas mais movimentadas, deixando o espectador um tanto confuso sobre o que se está a passar; igualmente, os efeitos especiais oscilam entre os muito bons (o make-up dos infectados, o gore) e os menos bem conseguidos (algumas "stills" de Londres, os moínhos de vento na estrada, etc). Mas que são estes pormenores perante o fabuloso resultado final que é "28 Dias Depois"? Pouca coisa, verdadeiramente. O entusiasmo nítido por detrás de cada plano e a pura vontade de fazer um filme de horror por amor ao género são factores suficientemente aliciantes para nos fazer esquecer as pequenas imperfeições da obra.

Propagação

Embora seja um título que só tem dois anos, é justo dizer-se que "28 Dias Depois" já deixou as suas marcas noutros filmes: "O Renascer dos Mortos", o recente (e bastante interessante) remake do extraordinário "Dawn of the Dead" de George Romero, tem nitidamente algumas influências do filme de Danny Boyle. E, como seria de esperar, uma sequela já foi anunciada, justamente entitulada "28 Weeks Later". Resta saber se o duo Boyle-Garland permanecerá ou não nesta nova fita...

28 Dias Depois (28 Days Later). Terror/Ficção Científica. 2002, Inglaterra/Alemanha
Realizador: Danny Boyle
Argumento: Alex Garland
Elenco: Cillian Murphy, Naomie Harris, Christopher Eccleston, Megan Burns e Brendan Gleeson
Produção: Andrew Macdonald
Dir. de Fotografia: Anthony Dodmantledff
Música: John Murphy
Montagem: Chris Gill
Cor, 110 mins.
Site oficial: http://www.28dayslaterthemovie.co.uk/main.html

Disponibilidade

Infelizmente, a edição portuguesa deste título faz parte daqueles deploráveis discos nacionais que empalidecem face às propostas estrangeiras. De facto, o DVD lançado no mercado pela LNK não conta com quaisquer extras, tendo como únicas qualidades o número considerável de legendas à disposição (17) e o facto de manter o aspect-ratio de 1.85:1. Para o preço de 26,90€ a que está posto à venda, é pouco, muito pouco mesmo...

...sobretudo tendo em conta a riqueza das edições estrangeiras: de facto, uma pesquisa na net revela que a edição portuguesa é uma cópia "quase" directa da versão-light do DVD proposto pelos franceses, não tendo grande coisa a ver com a edição normal do filme, também editada na Bélgica.

Igualmente, os discos ingleses, espanhois e norte-americanos (tendo estes últimos disponíveis uma versão Full-Frame e uma Widescreen por onde escolher) contêm os mesmos extras:

Comentários de audio do realizador Danny Boyle e do argumentista Alex Garland; trailers de cinema; três finais alternativos com comentários de audio opcionais; seis cenas eliminadas na montagem com comentários de audio opcionais; o documentário "Pure Rage: The Making of 28 Days Later"; um videoclip da banda Jacknife Lee; storyboards animadas extraídos do website original & galerias de fotografias com comentário de audio do realizador.

Portanto, se não quiserem ficar pelo aluguer, o melhor mesmo é dar uso às lojas online...

Bloco de notas: Para aqueles que a partir de amanhã vão ter MUITO stress...

2004-07-13T17:18:00.000+01:00

Este pequeno apontamento é só para desejar uma boa sorte a todos os candidatos à Escola Superior de Teatro e Cinema que, amanhã, irão iniciar o período das temíveis entrevistas de acesso. Quem passou por isso sabe o que custa mas não se deixem intimidar e, lembrem-se, o que conta é a VOSSA paixão pelo cinema. Sejam, acima de tudo, sinceros.

E com isto, disse a minha lamechice...

(lista de candidatos à entrevista aqui.)

Notícias: Palmarés do Festival de Vila do Conde

2004-07-13T15:24:00.000+01:00

Mais um Festival de Curtas-Metragens de Vila do Conde chegou ao seu fim e a lista dos premiados já está desde ontem publicada online. Eis os resultados:

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Competição Nacional e Internacional

Grande Prémio Animação
PANIQUE AU VILLAGE : LE GRAND SOMMEIL, de Stephan Aubier e Vicent Patar (Bélgica) - 1

Grande Prémio Documentário - Manoel de Oliveira - patrocinado pelo Governo Civil do Porto
UNTERTAGE, de Jiska Rickels (Holanda) - 2

Grande Prémio Ficção - Cidade de Vila do Conde - patrocinado pela Câmara Municipal de Vila do Conde
FRAGILE, de Jens Jonsson (Suécia) - 3

Grande Prémio Experimental
OH DEAR..., de Nicholas Provost (Bélgica) - 4

Menção Honrosa Ficção
EXOTICORE, de Nicholas Provost (Bélgica) - 5

Prix UIP Vila do Conde, prémio para a melhor curta metragem Europeia
LOVE ME OR LEAVE ME ALONE,
de Duane Hopkins(Reino Unido) - 6

Prémio de Audiência - patrocinado pelo Jornal de Notícias.
(melhor média de votação a atribuir pelo público espectador do Festival)
SURPLUS, de Erik Gandini (Suécia) - 7

Competição Nacional

PRÉMIOS PARA A MELHOR CURTA METRAGEM PORTUGUESA

A OLHAR PARA CIMA, de João Figueiras

Prémio Tóbis, patrocinado pela Tóbis Portuguesa, SA. e Prémio Kodak, patrocinado pela Kodak Portugal, SA., para o produtor.
O Som e a Fúria
Sandro Aguilar e João Figueiras

Jameson Short Film Award para o Realizador - patrocinado pela Jameson Irish Whiskey.
João Figueiras

Prémio Jovem Cineasta Português - patrocinado pelo Instituto Português da Juventude.
Tiago Afonso, pelo filme Vestígios

Prémio para a melhor cinematografia - patrocionado pela AIP
Paulo Ares, pelo filme A OLHAR PARA CIMA

Prémio para a melhor interpretação feminina em Língua Portuguesa - patrocinado pelo Instituto Camões
Rita Durão, no filme O ESTRATAGEMA DO AMOR

Prémio para a melhor interpretação masculina em Língua Portuguesa - patrocinado pelo Instituto Camões
Tiago Ávila, no filme A OLHAR PARA CIMA

Prémio Take One!
AGUENTA RAPAZ de Manuel Vilarinho

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Não posso dizer grande coisa sobre o panorama internacional pois, para minha grande pena, não conheço nenhum dos realizadores acima citados.

No entanto, uma pequena interrogação sobre a competição nacional: porque é que fica sempre a sensação no ar de que os filmes da produtora "O Som e a Fúria" ganham os prémios nacionais todos os anos?

Fonte: Site Oficial do Festival de Curtas-Metragens de Vila do Conde

Antevisão: "Sorte Nula" de Fernando Fragata

2004-07-10T18:51:00.000+01:00

Tem causado algum burburinho na secção "Comente aqui" do Cinema2000 a discussão acerca de uma nova fita portuguesa que ainda está a meses de chegar aos ecrãs lusos - trata-se de "Sorte Nula" de Fernando Fragata, o mesmo realizador que nos brindou com o muito criticado "Pesadelo Cor de Rosa" e o pouco visto mas até bastante elogiado telefilme "Pulsação Zero".

Fernando Fragata, um realizador que começou como escriba de alguns argumentos e como operador de steady-cam em filmes como "Ao Fim da Noite" de Joaquim Leitão e "Nuvem" de Ana Luísa Guimarães, tem assumido na sua obra uma estética ultra-pop que fez com que a crítica deitasse completamente abaixo o seu primeiro filme e, de resto, não lhe tenha prestado grande atenção. "Pulsação Zero" fez parte da última remessa de telefilmes que a SIC produziu e, apesar de ter sido reprogramado à última hora aquando da sua única exibição na estação de Pinto Balsemão (até parecia que o estavam a tentar esconder), conseguiu impressionar muita gente que o viu tanto cá como além fronteiras (vejam-se as reacções bastante favoráveis escritas no IMBD, resultantes da passagem do filme por alguns festivais independentes nos EUA), chegando mesmo a correr o rumor de que Harvey Weinstein da Miramax estaria interessado em adquirir os direitos para um remake do mencionado telefilme!

A trailer disponível no site oficial permite confirmar que o estilo pop se mantém, mas ainda é cedo para retirar quaisquer conclusões acerca da qualidade da fita. O elenco parece interessante (António Feio, Rui Unas, Adelaide de Sousa e a estreia do fabuloso stand-up comedian Bruno Nogueira), mas ainda não consegui perceber bem se a história o é. Em todo o caso, parece ser (pelo menos uma tentativa de) uma pedrada no charco nesse rio seco que é o Cinema Português, portanto há que esperar para ver mais. O filme está agendado para estrear em Dezembro pela mão da Lusomundo. A seguir...

"La Jetée" - Quando o Experimentalismo é uma Arte

2004-07-06T15:58:00.000+01:00

This is the story of a man, marked by an image from his childhood. The violent scene that upsets him, and whose meaning he was to grasp only years later, happened on the main jetty at Orly, the Paris airport, sometime before the outbreak of World War III. (...) Later, he knew he had seen a man die. (...) And sometime after came the destruction of Paris.

Com estas palavras inicia-se a narração de "La Jetée", feita em off enquanto várias fotografias vão sucessivamente dando lugar a outras. A Terceira Guerra Mundial, contam-nos, arrasou Paris e condenou muitos dos seus habitantes a viverem nos subterrâneos de Chaillot. Os sobreviventes dividem-se entre aqueles que acreditam terem saído vitoriosos e aqueles que se deixaram ser aprisionados por esta nova ordem. São estes últimos que são submetidos a estranhas experiências pela parte dos cientistas que tentam encontrar alguma maneira de remediar os estragos causados ao planeta. A viagem no tempo, a procura de alguma solução no Passado ou no Futuro, torna-se uma possibilidade. É aqui que surge o Homem descrito no texto inicial: o conhecimento da sua obsessão por uma imagem do seu passado leva os cientistas a escolherem-no como cobaia para tentarem enviá-lo algures no tempo em busca de uma solução. Mas encontrará? Quando a misteriosa Mulher de que tão bem se lembra das suas memórias do aeroporto de Orly lhe surge à frente dos olhos, a fronteira entre o passado, o presente e o futuro parece deixar de existir.

Corria o ano de 1962, a Nouvelle Vague francesa já dava os seus primeiros passos mostrando ao mundo que o cinema podia ir muito mais além do que aquilo que os apoiantes do "cinéma du papa" nos ofereciam. Era a altura de experimentar novas ideias, novas maneiras de construir os filmes. Embora não fosse um dos membros do movimento, Chris Marker ficou célebre por, nesse ano, ter estreado uma curta-metragem que desafiava todas as convenções até aí estabelecidas: um filme de ficção científica contado (quase) totalmente pela sucessão de imagens estáticas/fotografias, usando a voz-off como motor principal da narrativa. Vinte e nove minutos após o arranque do projector, história tinha sido feita.

"La Jetée" é um filme deslumbrante. Se a ideia pode à partida parecer pouco apelativa e potencialmente pedante, o resultado supera todas as expectativas. Talvez a maior proeza do filme seja a sua inigualável capacidade de ser simultaneamente experimental e extremamente apelativo. Embora Marker seja um experimentalista nato e opte por contar a sua história de uma maneira muito pouco convencional, nunca, nem num só fotograma, o filme se torna aborrecido. Nem nunca esta vontade de contar a história por imagens estáticas soa pretenciosa. Isto porque Marker não olha com desdém para o espectador nem está interessado em simplesmente fazer uma "manta de retalhos" de imagens e músicas bonitas. Aqui, a forma não deturpa aquilo é talvez o mais importante: a narrativa. Estamos perante uma história de ficção científica intimista magnificamente construída e soberbamente contada, digna de um romance de Phillip K. Dick, e que espanta tanto mais que quebra com a maior eloquência do universo um dos grandes "dogmas" da escrita de argumento: o uso alargado da voz-off. Aqui, ela é não só essencial como também tão expressiva quanto os actores que surgem diante dos nossos olhos. E não deixa de ser incrível que um filme composto inteiramente por planos estáticos consiga ter um ritmo de tal forma fora do comum que os vinte e nove minutos que o compõem passam a voar. Isto é sobretudo devido a uma montagem prodigiosa que, mais do que simplesmente limitar-se a alinhar belíssimas fotografias, fusiona o som e a imagem de uma maneira que nos permite alcançar estados emocionais de uma intensidade tremenda. É o caso da cena da visita ao museu, onde a realização atinge momentos de puro lírismo graças à riqueza da imagem (em todos os aspectos: enquadramento, iluminação, composição, mise-en-scène, etc), à fantástica expressividade dos actores e à belíssima música de Duncan. É dos mais belos momentos cinematográficos que o formato da curta-metragem já nos deu. Tal como "La Jetée" é certamente das mais belas curtas-metragens que já vi,muito graças, de novo, às interpretações notáveis de todos os actores (não se atrevam a chamar-lhes foto-modelos ou foto-actores!), à excepcional banda-sonora (não só a música como toda a mistura de sons, essencial numa obra deste teor) e, claro, à soberba realização de Chris Marker.

Algo para deixar para o futuro

A história de Marker deixou marcas em todo o fã de sci-fi que teve o prazer de a ver, e não é de admirar que tenha inspirado vários realizadores e argumentistas, mesmo que o tema das viagens no tempo não fosse novo (já a "Máquina do Tempo" de H.G.Wells tinha sido adaptada ao grande ecrã dois anos antes). "12 Macacos" de Terry Gilliam é o exemplo mais citado e mais directo, até porque se assume abertamente como um "remake" da curta, mas quem viu Jin-Roh de Hiroyuki Okiura decerto notará o quão "La Jetée" influenciou esse filme: a cena do museu é homenageada quase à la lettre naquele que também é um dos momentos mais belos do filme de animação japonesa. Ou não fosse Mamoru Oshii (argumentista do filme em questão) um grande admirador do realizador francês. As suas temáticas políticas, as questões éticas relacionadas com a viagem do tempo, as consequências das nossas obsessões, são problemas que soam hoje tão preocupantes como na década dos Beatles. É sinal de que a obra conseguiu passar o teste do tempo e, sobretudo, marcar novas gerações de artistas. Não será essa a maior das recompensas que o realizador poderia ter?

Há quem diga que o cinema experimental é, por natureza, "ensimesmado", de difícil acesso e somente para o gosto de minorias ou "públicos restritos" (eufemismo politicamente correcto de "elites intelectuais"). É esta ideia de cinema experimental, aliás, que parece ainda pairar na mente de muitos realizadores portugueses. Talvez fosse bom convidá-los a (re)ver "La Jetée", mas desta vez com um bloco de notas à mão para anotar as possíveis razões por que o filme funciona tão bem sendo tão distintamente exótico.

La Jetée. Ficção Científica/Drama. 1962, França
Realizador: Chris Marker
Elenco: Jean Négroni (narrador), Davos Hanich (O Homem), Hélène Chatelain (A Mulher), Jacques Ledoux (O Cientista), André Heinrich, Jacques Branchu, Pierre Joffroy, Étienne Becker, Philbert von Lifchitz, Ligia Branice, Janine Klein , William Klein, Germano Faccetti
Produtor: Anatole Dauman
Dir. de Fotografia: Jean Chiabaut & Chris Marker
Música: Trevor Duncan
Montagem: Jean Ravel
Montagem de som e misturas: Antoine Bonfati
P/B, 29 min.

Disponibilidade

Existem duas edições em DVD de "La Jetée" que podem ser adquiridas na net. Uma delas é uma box editada na França que inclui tanto esta curta-metragem como a longa "Sans Soleil", também de Chris Marker. Contém tanto a versão francesa como a inglesa, mas o preço é algo elevado. Uma versão ligeiramente diferente desta box existe em edição britânica da Warner Studios, mas a faixa de audio francesa parece ter desaparecido misteriosamente. Outra alternativa é adquirir a colectânea de curtas-metragens "Short 2 - Dreams" onde a obra de Marker está incluída e que (de acordo com a Amazon) até parece ter uma faixa de comentários do realizador (?) que deverá ser interessante. No entanto, só a versão falada em inglês está disponível neste disco.

Editorial - Introdução e Declaração de Princípios

2004-07-03T17:36:00.000+01:00

«"Todo" é aquilo que tem princípio, meio e fim. "Princípio" é o que não contém em si mesmo o que quer que siga necessariamente outra coisa, e que, pelo contrário, tem depois de si algo com que está ou estará necessariamente unido.» - Aristóteles, in "Poética".

A citação de Aristóteles, tirada da obra que (provavelmente) ditou as primeiras teorias sobre as fundações da narrativa ocidental (e cujos "princípios" ainda hoje influenciam a escrita de argumentos em todo o planeta), parece-me sempre adequada para dar o "pontapé de saída" num texto inaugural, mesmo que esse texto seja só para dar início a um mero blog que tem como tema a Sétima Arte.

Uma questão impõe-se: para quê mais um blog de cinema quando esse mar quase infinito de informação que é a internet já se encontra povoado por vários e tão distintos exemplos?

O CineArte assume-se como um blog sobre cinema escrito em português que quer ser diferente dos demais que maioritariamente abundam pela blogosfera. Com isto, não quero dizer que este ambicione ser um projecto megalómano ou revolucionário. Nem-se propõe, com este blog, "educar" um eventual pobrezinho leitor com as sábias palavras arrogantes de quem consegue escrever sobre um filme sem dizer nada sobre ele. Simplesmente pretendo que o que surgir aqui escrito possa levar os seus leitores a conhecer este ou aquele cineasta, a darem uma hipótese a outra cinematografia que desconheciam, a voltar a pensar naquela sequência daquele filme, a relembrarem-se da razão porque gostaram (amaram?) tanto (d)aqueles noventa ou cento e vinte minutos que passaram em frente a um ecrã, seja ele grande ou pequeno. Acredito piamente que a paixão do cinema é algo que deve ser partilhado. Se o que aqui surgir possa, por vezes, parecer presunçoso, arrogante ou pura e simplesmente despropositado, será simplesmente devido a um discurso movido por essa mesma paixão. E a paixão, como sabemos, por vezes é díficil de controlar...

Por aqui surgirão as obras dos mais diversos cineastas das mais diversas cinematografias nos mais diversos géneros e estilos. A ideia não é "fazer uma crítica de um filme" no sentido mais popular do termo (aquela que se pode reduzir à quantidade de estrelas dada no fim do texto ou apresentada em gloriosas tabelas comparativas) mas sim escrever sobre ele. Paralelamente, há a ideia de apresentar, esporadicamente, dossiers sobre certos temas, realizadores, etc. Só o tempo (e a disponibilidade) ditarão a sua real concretização.

Para já, é um projecto a solo levado a cabo por um mero estudante de cinema. Mas isso não quer dizer que, com o fluir do tempo e da escrita, o corpo da redacção (se assim o pudermos chamar...) não vá aumentar e contribuir com novas e preciosas ideias. Entretanto, e como a grande mais-valia da net é a comunicação entre os seus utilizadores, a barra de "comments" está aberta a todas as palavras que aqui queiram deixar. Serão muito bem vindas!