"O Regresso" do cinema Russo

A vida de Andrei (Vladimir Garine) e Ivan (Ivan Dobronravov), dois irmãos em fase de início de adolescência, é completamente abalada quando o seu pai (Konstantin Lavronenko) aparece em casa após uma ausência inexplicada de 12 anos. Tudo o que sabem acerca dele é que é (ou foi) piloto, e a única memória que retêm deste estranho homem é uma fotografia tirada há mais de dez anos. A aparente frieza que o pai mantém para com os seus filhos não parece oferecer grandes esclarecimentos. No entanto, este regresso não será um mero retorno a casa: Andrei e Ivan partem com o seu pai numa viagem com o suposto objectivo de recuperarem o tempo perdido. No entanto, as "férias" que terão com o pai serão muito diferentes do que alguma vez poderiam imaginar...

"O Regresso" chegou a Portugal transportado numa verdadeira avalanche de elogios onde não faltavam citações a praticamente todos os grandes cineastas russos do passado (sobretudo Tarkovski e Kulechov), e carregando consigo o prestígio do Leão de Ouro do Festival de Veneza do ano passado. Ainda assim, as poucas imagens que se vêem por aí poderiam sugerir que se tratava de um filme essencialmente contemplativo, de grande beleza visual mas de um possível vazio narrativo. Felizmente, está muito longe de ser o caso. "O Regresso" é uma das estreias mais estimulantes deste Verão e, para variar, dá mesmo para acreditar na hype de que se trata de um dos melhores filmes Russos das últimas décadas!

Se é verdade que a qualidade do notável trabalho do director de fotografia Mikhail Krichman salta à vista desde os primeiros planos do filme, não é (apesar de tudo) nela que encontraremos os maiores prazeres. A primeira sequência, onde um grupo de rapazes testa a sua "virilidade" numa competição privada de mergulho e onde o pequeno Ivan é gozado por não querer saltar para a água gelada, imediatamente estabelece o tom e lança a temática que o súbito retorno do pai só vem confirmar e aprofundar: trata-se de um filme sobre o crescimento no masculino e, também, sobre um conflito entre duas gerações de homens muito diferentes. Não é por acaso que as únicas mulheres neste filme, a mãe (figura essencialmente protectora, como podemos ver no início) e a avó (completamente apagada em segundo plano) estejam ausentes no resto da história, e nem a empregada do restaurante tem qualquer função que não a de dar a oportunidade ao Pai de ensinar algumas boas maneiras a Andrei.

O argumento, tal como a figura do Pai, assenta em poucos diálogos (a maioria e os mais extensos pertencem aos dois irmãos), optando por expressar as suas ideias através das pequenas insinuações do pouco que é dito, do que não é dito e dos momentos de silêncio. Recusa-se a fazer qualquer separação maniqueísta das personagens, evitando a tentação de tornar o pai no "vilão" da história, conseguindo assim fugir a quaisquer estereótipos e conferir uma enorme profundidade e um certo mistério às três personagens masculinas. Isto porque em vez de nos brindar com as respostas a todas as perguntas, prefere dar-nos pistas e deixar outras questões no ar. É uma aposta díficil, mas definitivamente ganha.

Há espaço para alguma crítica social (nomeadamente no modo como é sugerida a pobreza de diversas partes da sociedade russa), mas é na composição de personagens que se marcam alguns dos maiores pontos. O Pai é um homem no sentido mais "tradicional" do termo: másculo, reservado, autoritário, seguríssimo de si, absolutamente víril e com uma enorme dificuldade em expressar qualquer tipo de carinho. A viagem para a qual parte com os seus filhos será uma espécie de ritual de iniciação onde procurará, com métodos muito pouco usuais, transmitir os seus valores e fazer deles uns "Homens". No entanto, se Andrei ainda se identifica minimamente com o seu pai, esta sua atitude vai suscitar um confronto com Ivan que destabilizará tudo e que constituirá o principal ponto de interesse da história. Para isso muito contribuem as excelentes interpretações de todo o elenco, estando os três actores principais completamente à altura uns dos outros. É, portanto, de lamentar ainda mais a morte precoce de Vladimir Garine (morreu afogado no lago onde decorreu uma parte das filmagens, pouco depois destas terminarem), que certamente ainda teria muito a dar à 7ª arte. Resta-nos a esperança de Ivan Dobronravov e a já confirmada capacidade de Konstantin Lavronenko. O que não é pouco.

Há que sublinhar, muito especialmente, a estreia na realização de Andreï Zviaguintsev, um antigo actor que consegue revelar uma maturidade absolutamente impressionante para uma primeira obra. Num filme em que podia muito facilmente cair na tentação de se limitar a justapor uma quantidade de imagens bonitas na vaga esperança de fazer "poesia", o realizador consegue contar uma história sobre o crescimento com uma enorme segurança e, ao mesmo tempo, realmente ser poético. É, aliás, na découpage e na montagem que Zviaguintsev revela uma enorme noção de ritmo, um conhecimento muito preciso de quais planos se devem prolongar e quais se devem cortar mais cedo. O resultado é uma dilatação do tempo extraordinariamente conseguida, capaz de nos fazer passar as emoções das personagens sem alguma vez despertar o tédio e a monotonia.

"O Regresso" é um filme onde o frio parece transpor o grande ecrã e invadir-nos e, no entanto, consegue também ser de um enorme calor humano, chegando a proporcionar-nos vários momentos de um humor discreto que nos fazem sentir que estamos perante seres humanos e não meras personagens de uma ficção encenada. E não esqueçamos a música de Andrei Dergatchev, subtil e poderosa ao mesmo tempo. A enigmática sequência final é o derradeiro murro no estômago, deixando-nos a tarefa de interpretar as (belíssimas) imagens que desfilam diante dos nossos olhos muito depois dos créditos acabarem de rolar. Exercício a que nos dedicamos com prazer, tal é o fascínio que o filme deixa em quem o vê.

O Regresso (Vozvrashcheniye)
Drama, Rússia, 2003.

Realização: Andreï Zviaguintsev
Argumento: Vladimir Moiseyenko & Aleksandr Novototsky
Elenco: Ivan Dobronravov, Konstantin Lavronenko, Vladimir Garine, Natalia Vdovina, Galina Petrova
Produção: Dmitri Lesnevsky
Produção executiva: Yelena Kovalyova
Dir. de fotografia: Mikhail Krichman
Música: Andrei Dergatchev
Montagem: Vladimir Mogilevsky
Som: Andrei Khudyakov
Tradução: Sara David Lopes (a partir da versão inglesa)

Site oficial português: http://www.atalantafilmes.pt/2004/oregresso/

Dossier: A Questão Michael Moore - Operação Toucinho Canadiano (Parte IV de VI)

Depois da sua incursão no documentário cinematográfico com “Roger & Eu” e no mundo da TV com a primeira temporada de “TV Nation”, Michael Moore decidiu largar (temporariamente) a sua veia documentarista e experimentar a ficção com uma sátira política completamente nonsense – chamou-se por cá Operação Toucinho Canadiano. E não resultou tão bem quanto isso nem na bilheteira nem na página da crítica de cinema.

O plot é simples: o presidente dos Estados Unidos da América (Alan Alda) depara-se com uma situação de impopularidade tremenda. As eleições não estão muito distantes e se algo não for feito rapidamente, o partido arrisca-se a uma estrondosa derrota. O que fazer então para distrair a atenção do público Americano e garantir uma subida de popularidade? Declarar uma guerra fria ao Canadá (isto porque os Russos estão numa de investir nas infra-estruturas e na educação e não têm nem tempo nem dinheiro para mais uma guerra fria...)! O problema é que o que começa como sendo simplesmente uma “guerra de papel” acaba por descambar numa guerra a sério quando o xerife Bud Boomer (o falecido John Candy) e a sua amada Honey decidem fazer justiça pelas suas próprias mãos e realizarem a sua própria invasão ao Canadá!

Se em “Bowling for Columbine” Michael Moore viria a abordar os temas da cultura do medo, da influência das indústrias de armamento e o contraste entre as realidades sociais norte-americanas e canadianas, bem que se pode dizer que já neste filme se assistia a um “ensaio” de tais temáticas. O realizador brinca com os estereotipos que existem sobre americanos e canadianos, usando-os para efeito cómico - o povo norte-americano (mas, sobretudo, o poder político e militar norte-americano) é retratado como sendo completamente ignorante da realidade do seu país vizinho, enquanto que o Canadá é apresentado como um país de pessoas de uma boa vontade inacreditável, incapazes de ficarem violentos mesmo perante os maiores insultos... a não ser que estes sejam dirigidos à sua cerveja ou equipa de hóquei nacional!

O que falha no filme é o seu (assumido) exagero burlesco. Embora Moore queira criar uma farsa política na onda de “Dr. Estranhoamor” de Stanley Kubrick, muitas das suas qualidades acabam por se perder nalguns gags mais óbvios e básicos. A ideia da “criação de uma guerra a todo o custo” para reconquistar as eleições é original, mas seria melhor explorada em filmes como “Manobras na Casa Branca” de Barry Levinson; enquanto que a invasão do Canadá seria retomada em moldes ainda mais ácidos no delicioso "South Park - O Filme" de Trey Parker e Matt Stone (que, por acaso, até são amigos de Moore). No entanto, há que realçar alguns diálogos particularmente inteligentes que por vezes vão surgindo, como é o caso daquele semi-profético em que o presidente dos EUA despreza completamente a possibilidade de existirem ameaças terroristas!

Não é um filme excepcional, e é a confirmação de que Moore é muito mais um documentarista do que um ficcionista. Mas não deixa de ser um filme curioso, com alguns pontos fortes que tornam o seu visionamento bastante agradável.

Já agora, mantenham os olhos bem abertos e estejam atentos durante todo o filme: entre outros, há para descobrir cameos de James Belushi (como um reporter de TV para a “NBS”), Dan Aykroyd (num pequeno mas hilariante papel como polícia canadiano) e do próprio Michael Moore como um manifestante que idolatra Bud Boomer!

Operação Toucinho Canadiano (Canadian Bacon)
Comédia, 1995, EUA.

Argumento e realização: Michael Moore
Elenco: John Candy, Alan Alda, Rhea Pearlman, Kevin Pollack, Rip Torn, Kevin J. Connor,
Produção: David Brown, Ron Rotholz, Michael Moore
Dir. de fotografia: Haskell Wexler
Música: Elmer Bernstein & Peter Bernstein
Montagem: Wendy Stanzler, Michael Berenbaum

Disponibilidade:

O filme já passou no Canal Hollywood algumas vezes, e o IMDB atribui-lhe um certificado de “para maiores de 12 anos” para o território Português, mas desconheço qualquer edição nacional em DVD do mesmo.

Quem procurar edições estrangeiras também não terá muito por onde escolher: as edições americanas, inglesas e francesas são praticamente iguais (só a inglesa é que dispensa umas legendas em espanhol e francês) e, de conteúdos adicionais, só têm mesmo a trailer...

Dossier: A Questão Michael Moore - Roger & Eu (parte III de VI)

Em 1987, Roger Smith, chairman da General Motors, decidiu, em pleno apogeu económico da empresa construtora de automóveis, fechar a fábrica localizada em Flint, no Michigan. Desse encerramento resultou o despedimento de mais de 40.000 empregados e o início do caos social na pequena cidade. Michael Moore, habitante de Flint que na altura se encontrava desempregado, decidiu não ficar passivo perante esta situação e, após juntar algum dinheiro ao organizar jogos comunitários de bingo na sua casa (!), pegou numa pequena equipa de filmagens que conhecera dos seus tempos de jornalista e partiu numa missão muito peculiar: fazer um documentário onde se mostrasse as consequências desastrosas do encerramento injustificado da fábrica e, ao mesmo tempo, contactar directamente com Roger Smith e convidá-lo a visitar Flint para lhe mostrar o impacto da sua decisão na vida dos habitantes da sua terra natal. Nunca conseguiu falar com Roger. Mas fez um dos documentários mais marcantes dos anos 80.

Quando estreou em 1989, “Roger & Eu” causou um burburinho considerável nos EUA. Pela primeira vez em muito tempo, a “América dos pequeninos” via no grande ecrã um dos seus a fazer frente ao patrão de uma grande corporação, munido unicamente de uma câmara e um sentido de humor ácido, e a conseguir dar uma luta impressionante! Embora o próprio poster não deixe quaisquer dúvidas de que Moore nunca irá encontrar-se com Roger, o que cativa o espectador não é (só) as tentativas frustradas de Moore de chegar ao último andar da sede da GM para falar com o poderoso chefão – é que entre esses momentos, Moore faz um fresco da situação na sua cidade natal que é das mais sinceras e perturbadoras viagens à América do interior jamais registadas em película.

Somos confrontados com o contraste da despreocupação dos ricos (que organizam festas onde alguns desempregados fazem de estátuas humanas, não fazendo sequer ideia de que Flint está a passar por uma crise social) e o brutal despejo de várias famílias das suas casas (uma das quais em pleno dia de Natal...) pela parte de um Xerife-adjunto que diz honestamente que só está a fazer o seu trabalho. Há também a senhora que combate a pobreza vendendo coelhinhos como “animais de estimação ou como comida”, não tendo qualquer dificuldade em abater e esfolar os ditos animais em frente à câmara naquela que foi (ridiculamente) a cena mais contestada de todo o filme. Pelo caminho, também fazemos uma viagem ao passado de Flint, que em tempos foi uma dos maiores representantes do “Sonho Americano” e, na altura em que o documentário foi rodado, foi eleita pela “Fortune Magazine” como a mais pobre cidade dos EUA.

O que mais toca é a evidente identificação que Moore tem com as pessoas da sua cidade natal. “Roger & Eu” pode ter inúmeros momentos que nos fazem rir, mas é sempre um riso amargo. Trata-se de um documentário pessoalíssimo (não é por acaso que o filme, até no título, está narrado na primeira pessoa do singular) sobre uma situação extremamente dolorosa para o seu autor, e o humor apresentado é sobretudo irónico e reflexivo. Não sabemos por vezes se havemos de rir com o ridículo que é assistir à inauguração em Flint de uma prisão onde as pessoas são convidadas “a passar uma noite dentro” para comemorar a ocasião ou a ficar imensamente furiosos com o facto das coisas terem chegado a um ponto onde situações como esta não pertencem ao campo do surreal!

No fim do dia, Moore pode não ter conseguido fazer com que Roger Smith assistisse pessoalmente ao estado das coisas em Flint, nem ter feito com que os desempregados da sua cidade recuperassem os seus empregos. Mas conseguiu dar-lhes voz e fazer com que os espectadores do resto do mundo conhecessem e reflectissem sobre a sua situação. E essa é a maior vitória do filme.

Roger e Eu (Roger and Me)
Documentário, 1989, EUA.

Argumento, produção e realização: Michael Moore
Co-Produtora: Kathleen Glynn
Operador de Câmara: Christopher Beaver, John Prusak, Kevin Rafferty e Bruce Schermer.
Montagem: Wendey Stanzler & Jennifer Beman
Cor, 87 minutos.

Disponibilidade:

Tragicamente, a primeira obra de Moore permanece inédita em solo português, isto tanto em DVD como em VHS, embora já tenha, inclusive, recebido honras de passar na televisão há vários anos (na SIC, se a memória não me falha...), muito antes de Michael Moore ser MICHAEL MOORE.



No entanto, não é difícil encontrar nas FNACs nacionais o DVD francês da Warner Brothers (“Roger et Moi”) que, como mais valia para quem não for grande conhecedor da língua de Molière, vem abastecido de legendas em Inglês, Alemão, Sueco, Norueguês, Dinamarquês, Finlandês e... obviamente, Francês! Nada de legendas em português, mas sempre é melhor que nada! Ah, e também há no disco umas dobragens em Francês e Alemão, mas todos sabemos que a versão original é aquela que vamos querer ouvir!

É uma edição praticamente desprovida de extras, mas felizmente temos, para nos consolar, a trailer original para as salas de cinema e (mais relevantemente) um comentário de áudio do próprio Michael Moore que deverá ser do interesse de todos que queiram saber mais sobre a concepção do filme.

Existem também as versões norte-americanas e inglesas deste disco, sendo a primeira igual à francesa em termos de conteúdos (mas com menos legendas por onde escolher) e a segunda bastante inferior, já que contém o filme e... nada mais!

É só uma pena que em nenhuma destas edições se tenha incluído também a curta-metragem documental “Pets or Meat: The Return to Flint”, um especial de 24 minutos feito para a TV, documentando o que acontecera aos habitantes de Flint três anos depois da conclusão de “Roger e Eu”.

A Emissão prossegue dentro de momentos...

A gerência pede desculpas pela demora da actualização do dossier "Michael Moore", mas problemas técnicos envolvendo discos rígidos, jumpers, fontes de alimentação e outros etc. do mundo informático não permitiram a inclusão diária de posts que se desejava. Se tudo correr bem, a partir de hoje os posts devem retomar o ritmo inicialmente previsto.

O post referente à primeira longa-metragem de Michael Moore, "Roger & Eu", será publicado dentro de breves instantes...

Dossier: A Questão Michael Moore - Fahrenheit 9/11 (parte II de VI)

"Fahrenheit 9/11 - A Temperatura a que Arde a Liberdade"

“Fahrenheit 9/11” começa com o mesmo ponto de partida do livro “Stupid White Men”: regressamos a 2000, no dia das eleições para a Presidência dos EUA. Al Gore é anunciado como sendo presidente mas, pouco tempo depois, é a FOX quem revela que a contagem dos votos, na realidade, dá a vantagem a Bush. Os restantes média apressam-se a dar-lhe razão. Gore já não é presidente, e Bush entra na Casa Branca à chuva de ovos e tomates de inúmeros manifestantes que contestam a sua eleição. Terá sido tudo um sonho? Um pesadelo? Ou simplesmente a realidade?

O mais recente filme de Michael Moore assume-se desde logo como sendo “Anti-Bush”. Quem vai vê-lo não deve esperar encontrar aqui uma visão jornalistica do tema, mas sim uma tese sobre o fracasso berrante de uma administração que teve como lema o “conservadorismo compreensivo”. É talvez o filme mais criticado de Moore, mesmo entre os seus habituais admiradores. É também aquele em que o realizador aparece menos no ecrã, sendo que a maior parte daquilo que vemos são imagens de arquivo montadas sobre uma ordem específica e “narradas” pela voz de Moore.

Manipulação? Mas o que é o cinema senão a arte da manipulação dos sons e das imagens? Basta colocar um plano ao lado de outro para existir manipulação, por muito pequena que seja. Quanto à alegada manipulação de factos, é o próprio Moore que desafia quem encontrar incoerências para as denunciar publicamente de modo a ganhar uma recompensa choruda. De resto, os elementos factuais ditos “falsos” por muita gente têm sido prontamente desmentidos no site “The Facts in 9/11”.

É filme para Americano ver? Provavelmente. É, afinal, na população norte-americana que Moore espera que o seu documentário faça o maior efeito. Propaganda? O Grande Dicionário da Língua Portuguesa do Círculo de Leitores define «propaganda» como sendo “Acção de propagar ideias, princípios, conhecimentos, teorias, divulgação, evangelização Associação encarregada de vulgarizar certas doutrinas”. Estranhamente, não vejo no filme a apologia de uma ideologia específica, nem a defesa de um partido em particular (Moore também nunca foi generoso com os democratas – vide “The Big One”) nem sequer uma divisão maniqueista do mundo em “bons” e “maus” – vejo, isso sim, uma crítica dura e impiedosa a uma administação e ao seu presidente. Crítica essa com que podemos concordar ou discordar (o filme NUNCA passa a ideia de que quem não concorda com as teorias expressas nele é estúpido!). De resto, que não haja dúvidas: o filme respeita todas as regras do documentário.*

Mas pondo estas questões de propaganda de parte, podiamos perguntar-nos se o filme tem ou não algum valor artistico, independetemente da mensagem que quer transmitir. Parece-me que, neste ponto, é que muita da crítica existente tem sido particularmente injusta, pois “Fahrenheit 9/11” consegue mesmo ser um belíssimo documenário. Desde a soberba sequência de créditos (onde vemos os membros principais da administração Bush a serem maquilhados como se fossem actores a prepararem-se para o início da peça), passando pela parte em que Moore tenta (sem sucesso) convencer membros do congresso a alistarem os seus filhos para a guerra no Iraque até ao plano final em que Bush se vê incapaz de dizer o velho ditado “Fool me once, shame on you; fool me twice, shame on me” que o estilo é provocador, extremamente crítico mas sempre lúcido e coerente. E francamente muito bem construído.

O filme consegue mesmo momentos belíssimos de montagem – quem o acusa de oportunista é porque deveria estar distraído durante a cena em que se “mostra” o embate nas Torres Gémeas dos aviões unicamente através do som e, posteriormente, de imagens de várias pessoas e olhar para off, onde a desgraça ocorreu. Cineastas menos habilidosos certamente não teriam resisitido à tentação de ir buscar as mais que revistas imagens dos choques – Moore escolhe a decência de nos poupar de tais obscenidades. Ninguém parece ter reparado nisso.

Há alturas onde Moore quase que pisa o risco – quando a mãe de um soldado morto no Iraque lê a última carta enviada pelo seu filho, perguntamo-nos por vezes se não estamos a entrar no campo do voyeurismo. A posteriori, parece-me que a escolha de Moore de colocar essa cena na íntegra faz todo o sentido, já que era necessário mostrar as consequências da guerra no Iraque, por muito dolorosas que fossem. Mas não esqueçamos outros momentos memoráveis/perturbantes do filme - o impasse de Bush ao ser informado de que o país está a ser atacado enquanto lia um livro infantil a um grupo de crianças (a voz-off de Moore, ao contrário do que já foi escrito por aí, não nos diz o que o presidente estava a pensar, apenas faz suposições baseadas nas suas expressões faciais...); a realidade desoladora da vida dos jovens "voluntários" que participaram na guerra do Iraque, bem como os curiosos métodos de recrutamento usados pelas instituições militares dos EUA para os convencer a alistar-se; o choque que é saber que a maioria dos congressistas que aprovaram o "Patriot Act" nem sequer o tinham lido; etc. Nestas sequências, como é típico na obra de Moore, o riso (irónico) vai de mão dada com a reflexão.

Mereceu a Palma d’Ouro? Na minha sincera opinião, sim, mereceu. Controvérsia... Que controvérsia?

Fahrenheit 9/11
Documentário, 2004, EUA.

Argumento e realização: Michael Moore
Produção: Michael Moore, Kathleen Glynn & Jim Czarnecki.
Produtores executivos: Harvey Weinstein & Bob Weinstein.
Dir. de Fotografia: Mike Desjarlais; Imagens adicionais: Kirsten Johnson & William Rexer.
Música: Jeff Gibs & Bob Golden.
Montagem:Kurt Engfehr, Todd Woody Richman & Chris Seward.

Disponibilidade:

O filme está actualmente em exibição nos cinemas portugueses.

*Já que falamos de propaganda, lembremos um pequeno episódio do passado. Howard Hawks filmou, logo a seguir ao ataque de Pearl Harbour, um filme de ficção chamado “Air Force - Águias Americanas”. Nele, os japoneses são retratados como sendo monstros - quando os seus aviões são abatidos por caças americanos o ambiente é de festa, e há até uma tentativa de comic-relief personificada num cachorrinho de nome “Tripoli” que, muito “sabiamente”, só ladra quando lhe dizem nomes japoneses como “Moto”. É propaganda no seu estado mais puro – há bons (os americanos) e maus (os japoneses), os maus são monstros imperdoáveis e desuhamanos, os bons são modelos de virtudes (e a única personagem que começa por não o ser acaba por se redimir lá para o fim) e, claro, o bem ganha sempre. Mesmo que essa vitória do bem consista em bombardear Tóquio... No entanto, é difícil encontrar hoje quem ouse dizer mal do filme e de chamar de faccioso a Howard Hawks. Afinal, o homem é (muito justamente) o génio por detrás de obras-primas como “Rio Bravo” ou “Os Homens Preferem as Loiras”. Pelo contrário, elogia-se a (inegável) qualidade técnica do filme, que é formidável sobretudo tendo em conta o ano em que foi produzido e a rapidez em que foi feito. E além disso, ninguém esquece que foram as cenas de combate de caças deste filme que influenciaram George Lucas na concepção dos brilhantes combates especiais entre Tie-Fighters e StormTroopers no seu mítico “A Guerra das Estrelas”. Do lado de propaganda já ninguém parece querer saber. O nome de Hawks é superior a isso tudo.

Dossier: A Questão Michael Moore (Parte I de VI)

O CineArte inaugura a sua secção de dossiers dedicados à obra de cineastas que, por uma razão ou por outra(s), merecem um destaque acrescido. Tentar-se-á, com estes dossiers, dar a conhecer a (quase) totalidade da obra de um determinado autor, dando a hipótese ao leitor de partir dos textos para um ou mais filmes. E começamos com uma escolha polémica – Michael Moore, o homem que tem como missão actual assegurar que George W. Bush não volte a ser eleito presidente dos Estados Unidos da América neste próximo Novembro.

Optou-se, neste dossier, por abordar unicamente a obra para cinema do documentarista oriundo de Flint, já que seria impossível (em termos temporais e financeiros...) escrever com a mesma consideração sobre os seus livros e sobre os seus trabalhos para a televisão.

Muito tem sido escrito sobre os filmes. Infelizmente, muito do que de negativo se afirmou sobre o seu último filme, “Fahrenheit 9/11”, tem nascido, um pouco à semelhança do que já acontecera com as suas obras anteriores, não só de diversas alegações de “manipulação dos factos” como, e isto muito mais gravemente, de um profundo desconhecimento do que é um documentário cinematográfico. Daí que, antes de continuar com este texto, convenha expor uma definição:

O documentário é um género que pressupõe uma visão subjectiva da realidade pela parte do seu autor, um ponto de vista nítido e sincero sobre uma determinada situação da actualidade. Não é uma reportagem e nem sequer se rege pelas leis do jornalismo (a primeira das quais, a objectividade no tratamento da informação - que mesmo no jornalismo televisivo de hoje em dia é mais que questionável...). É uma obra de arte, tão subjectiva como a mais honesta das ficções ou o mais rabiscado dos quadros.

Mas não vão por estas palavras. Michael Rabiger, autor do livro “Directing the Documentary” (1992, Focal Press) que é considerado uma leitura de referência nas escolas de cinema que leccionam o género do documentário, diz na sua obra lapidar que um filme documentário deve ser “ou um ensaio controlado e premeditado ou algo lírico e impressionista. Pode articular o seu significado principalmente através de palavras, imagens ou comportamento humano (...) O filme documentário reflecte um fascínio e um profundo respeito pela actualidade. É o exacto oposto do ‘escape entertainment’, estando comprometido com a riqueza e ambiguidade da vida tal como ela é”.

Nos seus documentários, Moore assume frontalmente a sua ideologia de esquerda. Embora diga que os seus filmes estão construídos de modo a entreter o espectador comum que pagou 10 dólares pelo bilhete de entrada, o certo é que estes oferecem muito mais do que umas quantas piadas dispersas por noventa ou cento e vinte minutos. Moore é um retratista da população da chamada “small-town America”, aquela que não tem qualquer expressão nos média ou nas artes norte-americanas, que só surge nos noticiários quando é vítima dos crimes de mão armada. As situações que aborda, como o crescente desemprego na classe média e as fraudes corporativas que passam incólumes, mostram uma nação de contrastes, que gosta de passar a imagem de que é o país mais rico do mundo e a “terra das oportunidades” mesmo que essa riqueza esteja longe de ser distribuída e que as oportunidades sejam só para alguns. São reflexões sobre “o Sonho Americano” feitas por alguém que soube ver nele o mais podre e, ironicamente, ser dos poucos privilegiados a vivê-lo.

Goste-se ou não, o certo é que Moore conseguiu uma proeza inegável, que foi atrair milhões de espectadores em todo o mundo para um género cinematográfico (o documentário) que geralmente tem grandes dificuldades em impor-se comercialmente perante as obras de ficção, isto quando consegue sequer chegar às salas de cinema. Os seus documentários geraram mais discussão e reflexão sobre a política interna e externa dos EUA do que muitos livros ou “reportagens objectivas” feitas para a imprensa escrita ou televisiva. E, no fim do dia, não será essa uma das mais nobres funções do cinema (e do cinema documental em particular), a de nos fazer discutir e reflectir sobre a nossa actualidade?

E goste-se ou não, é mais que certo que Michael Moore não ficará por aqui. A comprová-lo está o seu já anunciado próximo projecto de documentário “Sicko”, um filme que aborda o sistema de saúde norte-americano. Conhecendo a obra anterior do realizador, não é de esperar propriamente os maiores elogios pela parte do documentarista de Flint.

Memorial: "Hiroshima, meu amor" de Alain Resnais

Faz hoje 59 anos que a humanidade assistiu a um dos actos mais hediondos da sua história. Um avião tristemente baptizado de "Enola Gay" sobrevoou a cidade de Hiroshima, o seu piloto alegremente largou uma das mais perversas invenções da ciência e, em poucos minutos, fez história no pior de todos os sentidos. Como a memória dos homens, por vezes, é curta, convém relembrar o acontecimento e um dos filmes que, de forma indirecta, melhor espelhou os "anos a seguir" à tragédia atrás descrita: o magnífico "Hiroshima, meu amor" de Alain Resnais.

Doze anos depois da tragédia, um homem japonês e uma mulher francesa têm um affaire na primeira cidade devastada pela bomba atómica. Ela é actriz, está de passagem pelo Japão para acabar de filmar um filme sobre a paz e regressar o mais rapidamente possível para Paris. Ele é um salary-man casado que sabe falar francês. Ambos sabem que a sua relação está condenada. No entanto, algo os une de uma maneira quase irracional. Ao passear por Hiroshima, ao abraçar-se ao seu amante nipónico, Ela irá fazer uma viagem pelas suas memórias, encontrando em Hiroshima e no homem de negócios nipónico ligações não tão estranhas com o seu próprio passado...

Com argumento da escritora Marguerite Duras ("Moderato Cantabile", "O Amante"), Alain Resnais cria um filme intimista e experimental que consegue ser das obras mais fascinantes tanto da argumentista como do realizador. Misturando o registo do documentário (o segmento inicial, com as várias fotografias de Hiroshima, dos seus destroços, das suas vítimas) com uma ficção soberbamente dirigida. É um filme "difícil" mas nunca vazio. As interpretações de Emmanuelle Riva e Eiji Okada são fabulosas, dando vida aos diálogos dificílimos de "ler" (pelo seu teor reflexivo e quase "teatral") de Duras. Mas atente-se também à soberba música de Georges Delerue e Giovanni Fusco, à magnifica direcção de fotografia de Michio Takahashi e Sacha Vierny e, como não poderia deixar de ser num filme de Resnais, ao trabalho de montagem engendrado pelo trio Jasmine Chasney, Henri Colpi e Anne Sarraute (e certamente também ao próprio Resnais). É uma verdadeira lição de cinema que nada tem a ver com o pretensioso "revisitar" do tema que Nobuhiro Suwa fez em 2001 no medíocre "H Story".

Numa altura em que convém manter as memórias do acontecimento bem vivas, nada como ver um filme que, revisitando a "cena do crime", aborda o modo como as nossas experiências pessoais moldam as nossas lembranças dos acontecimentos do passado.

Ele - Tu não viste nada em Hiroshima. (...)
Ela - Vi tudo. Tudo.
(...)
Ela -... do décimo quinto dia também. Hiroshima cobriu-se de flores. Havia por toda a parte centáureas e gladíolos e trepadeiras e lírios amarelos que renasciam das cinzas com um com um extraordinário vigor, até então desconhecido nas flores. Nada inventei.
Ele - Inventaste tudo.
Ela - Nada.

Hiroshima, meu Amor (Hiroshima, mon Amour)
Drama, 1959, França/Japão
Realizador: Alain Resnais
Argumento: Marguerite Duras
Elenco: Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas, Pierre Barbaud, Bernard Fresson
Produção: Anatole Dauman e Samy Halfon
Dir. de Fotografia: Michio Takahashi e Sacha Vierny
Música: Georges Delerue e Giovanni Fusco
Montagem: Jasmine Chasney, Henri Colpi e Anne Sarraute

Disponibilidade:

Existe uma soberba edição em DVD da Criterion, mas nenhuma edição nacional. Pelo contrário, o argumento de Marguerite Duras está publicado em Português pela Quetzal Editores e recomenda-se.

Notícias: "O Lugar do Morto" é lançado em DVD

Mais de três anos (!!!) passados após ter recebido subsídio pela parte do ICAM para ser transcrito para o formato digital, eis que finalmente chega ao mercado português o DVD da célebre longa metragem "O Lugar do Morto" de António Pedro Vasconcelos, editado pela Costa do Castelo.

A demora da edição ter-se-á devido a vários factores, entre os quais a dificuldade de obtenção de suplementos que enriquecessem a edição (na época da produção do filmes, até mesmo os "making-of" não eram comuns no cinema português...).

"O Lugar do Morto" é um dos mais míticos (e mais subestimados) filmes portugueses produzidos nos anos 80. Quando foi lançado nas salas, em 1984, causou sensação entre o público tornando-se o maior êxito de bilheteira obtido por um filme português até então (cerca de 278 mil espectadores, recorde só batido 13 anos mais tarde por "Tentação" de Joaquim Leitão). A razão deste êxito deveu-se não só às qualidades do filme, como também ao simples facto de se aventurar com uma inegável segurança por dois territórios pouco explorados no cinema português: o do policial e o do filme negro. É o próprio realizador, aliás, que diz que o filme é muito influenciado por Otto Preminger.

Como já foi aludido, o disco não é propriamente abundante em extras. Mas destaca-se a excelente qualidade da imagem (fabulosa para um filme de 1984) e um muito interessante audio-comment do realizador, que já nos brindara com uma boa lição de cinema na faixa de comentário de audio do DVD de "Jaime".

Com argumento de Carlos Saboga ("Aqui D'el Rei", "Jaime", "O Milagre Segundo Salomé") e António Pedro Vasconcelos, direcção de fotografia de João Rocha ("Perdido por Cem", "Oxalá" e "Paraíso Perdido" de Alberto Seixas Santos), montagem de Manuela Viegas ("Glória") e música de Alain Jomy ("Aqui D'el Rei", "Jaime"), bem como um elenco que conta com as presenças de Pedro Oliveira, Ana Zanatti, Ruy Furtado, Teresa Madruga, Lídia Franco, Natalina José, Carlos Coelho e Manuela de Freitas, "O Lugar do Morto" é um dos títulos essenciais da nossa cinematografia. O preço do disco é de €24.50. E vale a pena...

P.S. - Já agora, para quando uma edição em DVD de "A Balada da Praia dos Cães" de José Fonseca e Costa? É só uma ideia...

Museu temporariamente fechado para férias

Chega Agosto e é sempre a mesma coisa na capital. As pessoas que pouparam algum dinheiro fogem para fora (Algarve ou República Dominicana, se o objectivo é praia; Paris ou Nova-Iorque, quando se procura outra coisa...) e quem permanece por Lisboa fica a trabalhar, à procura de emprego ou a dar-se feliz por haver tantos lugares para estacionar o carro. Por outro lado, quem está de férias e procura passar o tempo livre nas salas escuras pode ter certas dificuldades em encontrar boas propostas uma vez vistos os "essenciais" (afinal, estamos na silly-season!). Em qualquer outra altura do ano, uma boa alternativa a um cartaz menos apelativo seria sempre a Cinemateca. Digo "em qualquer outra altura do ano" porque, como pode constatar quem visitar o site oficial do Museu do Cinema, as suas portas estão fechadas neste mês de Agosto!

A Cinemateca Portuguesa é uma das melhores instituições nacionais dedicadas à promoção da Sétima Arte em Portugal. Que disso não haja dúvidas. A sua rica programação, baseada num crescente arquivo que, se em 1989, contava com cerca de 800 longas metragens nacionais e estrangeiras (de acordo com João Bénard da Costa no seu livro "Os Filmes da Minha Vida - Os Meus Filmes da Vida), hoje tem um espólio bem mais considerável, tem feito as delícias de quem a tenha visitado nos restantes onze meses dos últimos anos. O preço acessível dos seus bilhetes; a bem apetrechada livraria da Ler Devagar (a única que parece verdadeiramente fazer juz à categoria de "Livraria de Cinema" em Portugal); o simpático café-restaurante, com a sua esplanada a servir as honras de projecções ao ar-livre nos meses de calor; as exposições periódicas; a biblioteca; a sala de projecções de DVDs... tudo isto são qualidades que quem já entrou no edifício situado na Rua Barata Salgueiro certamente não negará. Isto, claro, se o tiver visitado sem ser em Agosto!

Poderão dizer-me que Agosto é mês de férias e que os empregados da Cinemateca, como seres humanos que são, merecem um período de descanso como qualquer outra pessoa. Concordo absolutamente. Todos, dos projeccionistas à simpática senhora da bilheteira, passando pelos empregados do café e da livraria, merecem um mês de repouso.

O que não compreendo é porque é que a Cinemateca não contrata, nem que unicamente a título temporário, alguém que mantenha o funcionamento das instalações durante mais 31 dias (que nem chegam a isso, porque a Cinemateca ao domingo não tem projecções...). O país está com uma considerável quantidade de desempregados que, certamente de bom grado, fariam um bom trabalho por um ordenado mínimo; e mesmo que não estivesse, há sempre jovens (e não-tão-jovens...) que precisam de empregos em part-time no Verão. Muitos deles preenchem as qualificações mínimas necessárias para o funcionamento da Cinemateca e do seu equipamento (a programação poderia facilmente ser feita à priori pelas "autoridades competentes"). Porque não dar-lhes a oportunidade?

Pode parecer piquinhice insistir nesta questão. Mas o facto é que, para muita gente, a única altura do ano em que podem realmente visitar a Cinemateca é em Agosto. Falo daqueles que vivem fora de Lisboa ou que, vivendo na capital ou perto dela, passam o resto do ano minados por empregos ou cursos sufocantes que deixam pouco tempo para uma passagem pelo Museu do Cinema. Pensemos, aliás, neste último título. A Cinemateca, muito justamente, tem como nome alternativo "Museu do Cinema". E é-o. A preservação/conservação que tem feito de milhares de títulos nacionais e estrangeiros é um feito digno de todos os elogios e, verdadeiramente, uma actividade típica de qualquer bom museu. Mas não basta conservar os filmes - há que exibi-los, dá-los a ver tanto a "connaisseurs" como a "menos iluminados" que talvez apanhem o bichinho do cinema ao ver um ciclo de Billy Wilder ou de Ingmar Bergman. Nos outros meses, é isso que acontece. Quem quiser vê-los em Agosto descobrirá que não pode. O Museu está fechado para férias.

Conseguem imaginar que quem quisesse ver "As Tentações de Santo Antão" de Bosch no Museu Nacional de Arte Antiga durante o mês de Agosto chegasse às portas desta instituição e tivesse que se contentar por comprar um livro da Taschen para contemplar a obra-prima do pintor holandês? Pode parecer exagero, mas acho que esta "ficção" é em tudo comparável com o encerrar da Cinemateca em Agosto. Facto tanto mais chato quando se passa pelos sites da cinematecas de Paris ou de São Paulo e se vê a programação que têm agendada para este mês. Bem sei que são países com realidades económicas e sociais bem diferentes de Portugal. Acredito mesmo que seja o factor € o maior responsável pela não-actividade da Cinemateca am Agosto e não qualquer "má vontade" dos seus directores... mas custava «mesmo» assim tanto mantê-la a funcionar só mais um pouco?

Enfim, vemo-nos por lá em Setembro...

"O Despertar da Mente" - A memória dos afectos

Joel Barish (Jim Carrey), um homem de carácter introvertido, descobre que a sua excêntrica namorada Clementine (Kate Winslet) recorreu a uma estranha operação para apagar todas as memórias que tem dele. Joel descobre a companhia que fez a operação e pede, num misto de "vingança ciumenta" e incompreensão, para submeterem-no ao mesmo procedimento. Só que a operação levar-lhe-á a fazer uma viagem pelas suas memórias da sua vida com Clementine e, uma vez iniciado o processo de apagamento, Barish redescobre as razões porque se apaixonou pela rapariga e porque a sua relação falhou, tendo que derradeiramente fazer uma escolha definitiva: esquecer ou lembrar.

Só agora tive a oportunidade de ir ver "The Eternal Sunshine of the Spotless Mind - O Despertar da Mente" de Michel Gondry, dois meses depois da sua estreia, numa sessão única à meia-noite no Monumental (na mesma sala que, habitualmente, está a projectar o Shrek 2). E devo dizer que se o Verão tem andado a justificar a sua alcunha de "silly season", a permanencia de filmes como este em cartaz é de nos deixar um pleno sorriso na cara.

O argumento de Charlie Kaufman (autor dos scripts de "Queres Ser John Malkovich?" e "Inadaptado") é, mais uma vez, absolutamente fabuloso. O seu talento de compor personagens fantásticas em situações extraordinárias mantém-se intacto, bem como a sua capacidade de jogar com (e contra) as convenções tradicionais da escrita de argumento de modo a tornar toda a história mais interessante. Isto porque o filme, abordando o tema da memória e das nossas recordações afectivas (um tópico que certamente faria a delícia de Alain Resnais, cujo "Hiroshima, meu Amor" parece ter influenciado a história aqui e ali), está contruído como se ele próprio se tratasse de um conjunto de memórias erráticas que caminha para a sua progressiva clarificação. Constroi-se como um puzzle, mas vive-se (e sente-se) com uma intensidade rara. É uma das histórias de amor (ou sobre o amor) mais sincera e genuinamente românticas que o ecrã nos deu nos últimos tempos.

Mas se é verdade que o argumento é um elemento determinante, não podemos esquecer (injustamente) a contribuição do realizador Michel Gondry, da directora de fotografia Ellen Kuras e do montadora Valdís Óskarsdóttir para o belo todo que é este filme. O primeiro porque, ao contrário de que muitos têm especulado, usa inteligentemente a sua herança de realizador de video-clips para dar ao filme o seu "quê" de fantástico e surreal que necessita, sobretudo nas sequências passadas na memória de Barish, onde os efeitos especiais que sugerem o "apagamento" das recordações revelam-se um prodígio que, ao contrário de muito do que se vê no cinema actual, contribui para a narrativa em vez de ser simplesmente um mero fogo de artifício visual. A segunda porque a imagem tem um papel fulcral raramente visto, com a câmara a usar o foco e o desfoco para sugerir o estado da memória de Barish; e por fim a montagem que, talvez mais do que tudo, constroi o ambiente confuso e perdido da mente de Barish, funcionando com a precisão de um relógio. E há, claro, as interpretações dos actores...

...e que interpretações! Jim Carrey, de novo, mostra que é muito mais do que um actor de caretas, conferindo à sua personagem uma complexidade dramática que assenta muito mais nos pequenos pormenores de comportamento do que em expressões corporais exageradas. São poucos os actores que conseguiriam fazer este papel com a mesma entrega e seriedade de Carrey. Kate Winslet, que parece determinada a mostrar que tem uma gigantesca versatilidade e que é muito mais do que a "Titanic Girl", está deslumbrante do princípio ao fim num papel que poderia facilmente cair na caricatura mas que, graças ao soberbo trabalho da actriz britânica, consegue ser profunda. E nos secundários há que destacar a energia de Kirsten Dunst, a sobriedade de Tom Wilkinson, a surpreendente timidez de Elijah Wood e a solidez de Mark Ruffalo.

(Spoiler Alert) Incrivelmente, um dos elementos que parece destoar é o plano final do filme. Porque não acabou o filme com aquele (lindo) diálogo entre Winslet e Carrey? De onde veio a necessidade de fechar o filme com um plano de neve que nos deixa (literalmente!) ao frio? (Spoiler End)

Mas para dizer verdade, pouco interessa. Não é certamente por este pequeno defeito que o filme será recordado... 

O Despertar da Mente (Eternal Sunshine of the Spotless Mind). Drama. 2004, EUA.
Realizador: Michel Gondry
Argumento: Charlie Kaufman
Elenco: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson
Produção: Anthony Bregman & Steve Golin
Dir. de Fotografia: Ellen Kuras
Música: Jon Brion
Montagem: Valdís Óskarsdóttir
Cor, 108 mins.
Tradução: Fátima Chinita

Site oficial: http://www.eternalsunshine.com/

Antevisão: "Steam Boy" de Katsuhiro Otomo

O cinema de animação marca a sua estreia no Cinearte com aquela que é uma das obras mais aguardadas do momento!
 
Após nove anos (!) de uma extensíssima e conturbada produção, "Steam Boy" estreou a 17 de Julho nos ecrãs japoneses, terminando um longo calvário para o seu criador Katsuhiro Otomo, que faz assim o seu regresso à realização quase dez anos depois de assinar um segmento do filme "Memories".
 
Otomo é conhecido no ocidente, sobretudo, por ser o autor do mítico manga "Akira" e da sua não menos aplaudida transposição para a longa-metragem de animação. Se o manga fez história ao apresentar uma narrativa de ficção científica plenamente adulta que marcou milhões de leitores tanto no oriente como no ocidente (não esqueçamos os elogios tremendos que Moebius lhe fez), a adaptação para o grande ecrã foi, no ano de 1988, a mais cara produção anime de sempre, apresentando uma animação com uma fluídez raramente vista tanto nas obras japonesas como nas americanas ou europeias, e um trabalho de argumento e realização que deslumbrou plateias e críticos um pouco por todo o mundo. Foi este o título maioritariamente responsável pela chegada em força dos mal-apelidados "filmes manga" ao ocidente nos finais dos anos 80/inícios dos anos 90. Em Portugal, o filme não teve direito a distribuição (só mesmo a umas passagens no Fantasporto e, em 2001, a várias sessões esgotadas no Cine-Estúdio 222 aquando de um ciclo de anime organizado pela Zero em Comportamento) e o manga só chegou às nossas prateleiras em 1997 pela mão da Meribérica/Liber numa edição adaptada da versão americana colorizada por Steve Olif. Recentemente, o 10º aniversário do filme permitiu que o DVD comemorativo chegasse ao mercado importado pela MVM numa edição britânica com legendas em português, e o manga viu o seu último capítulo ser publicado há pouco tempo.
 
"Steam Boy" é um velho projecto de Otomo que, devido à complexidade da produção e à óbvia necessidade de meios mais exorbitantes, foi sendo posto na prateleira várias vezes pela produtora Bandai Visual, fazendo com que o seu realizador tivesse que ir trabalhando noutras obras em funções mais secundárias. Se há males que vêm por bem, esta "pausa" permitiu que Otomo escrevesse o argumento de "Metropolis" de Rin Taro e o de "Roujin Z" de Hiroyuki Kitakubo e assumissse o papel de supervisor (o mesmo é dizer, "mentor") de "Perfect Blue" de Satoshi Kon e "Spriggan" de Hirotsugo Kawasaki. Não se pode afirmar que fez pouco...
 
Escrito por Sadayuki Murai (argumentista das excelentes longas-metragens "Perfect Blue" e "Millenium Actress", bem como da série "Boogiepop Phantom" e de um episódio de "Cowboy Bebop"), "Steam Boy" conta a história de Rei, um jovem inventor que vive no Reino Unido em meados do século XIX, pouco antes da primeira Exposição Mundial. Uma nova invenção denominada "Steam Ball" vem parar à porta do avõ de Rei, Roid, mas este nem imagina o poder terrível que se esconde por de trás deste invento. Quando a Fundação Ohara envia os seus homens para obterem a Steam Ball para assim poderem usá-la para fins pouco recomendáveis, começa o conflito. 



O filme custou 2400 milhões de yens a ser feito, sendo quase tão caro quanto "A Viagem de Chihiro" de Hayao Miyazaki, mas com um número de fotogramas animados bem maior que o do anime que arrebatou o Oscar há um ano! A música está a cargo do compositor norte-americano Steve Jablonski. A trailer que tivemos a oportunidade de visionar deixou-nos, desde logo, absolutamente espantados pela qualidade da animação: há algum tempo que não se via uma fluídez e uma junção tão harmoniosa entre gráficos CG e desenhos 2D. Se "Akira" fascinou plateias inteiras no seu tempo, é de esperar que "Steam Boy" faça o mesmo. No que diz respeito à história e ao filme em si, ainda é cedo para dizer se o resultado final está à altura das expectativas. O melhor mesmo é esperar para ver.

A estreia nos ecrãs franceses está marcada para 22 de Setembro. Em Portugal, por enquanto, não se faz qualquer ideia se o filme alguma vez chegará ou não às salas escuras, mas não é de espantar que o DVD aterre nas prateleiras das lojas mais cedo ou mais tarde... nem que seja na secção de "importação"!
 
Site oficial (em japonês): http://www.steamboy.net/ 
Ver também: http://www.lawson.co.jp/loppi/steam_boy/

P.S. - Convém relembrar que o DVD de Akira contínua à venda e que a edição nacional do disco digital versátil de "Memories" está quase a chegar!

Só umas poucas palavras sobre "American Splendor"

 
Uma reposição oportuna no Ávila permitiu-me ver um daqueles filmes que, graças a esses inconvientes que consomem o nosso tempo, tinha deixado injustamente passar ao lado aquando da sua passagem pelos ecrãs portugueses - trata-se de "American Splendor" de Shari Springer Berman e Robert Pulcini, uma "adaptação" do comic-book underground homónimo de Harvey Pekar.

A BD em questão trata-se nem mais nem menos do que uma biografia do próprio Harvey Pekar, um average-middle-class-guy, arquivista num hospital suburbano e com um enorme sentido de auto crítica que, através do seu contacto com o cartoonista Robert Crumb (criador de "Fritz, the Cat", entre outros), decide passar as situações do seu quotidiano (incluindo as próprias pessoas com quem trabalha e se relaciona!) para as tiras de uma BD. O êxito é inesperado mas não tira Pekar da sua condição de slob mal-pago e depressivo. Quando Joyce, dona de uma loja de comics, lhe vem pedir o último número de "American Splendor", uma interessante (e pouco usual) relação nasce. Mas este é só o princípio de uma história mais ampla...

Não há que alongar muito. Mas tenho que dizer que "American Splendor" mistura, com invulgar sabedoria, o estilo do documentário (afinal, temos depoimentos das verdadeiras pessoas que surgem como personagens nos filmes, chegando mesmo a comentar as suas versão ficcionadas!) e uma ficção várias vezes hilariante e não poucas vezes tocante. É um "fresco" de uma América que não estamos habituados a ver, de um tipo de gente que raramente surge no grande ecrã de cinema tão bem retratada nos seus melhores e piores momentos. Tudo com uma banda-sonora de Jazz que mais parece uma fabulosa compilação do melhor que este estilo músical gerou desde o seu nascimento. É a música de que Harvey gosta, e nós agradecemos. Tal como agradecemos o soberbo trabalho dos actores (Paul Giamatti, não sendo 100% fisicamente semelhante a Harvey Pekar, captura a sua essência e maneira de ser com uma precisão que é preciso ver para se acreditar - sobretudo quando se pode, dentro do mesmo filme, comparar o actor com o próprio Pekar!) e a realização soberba do casal Berman-Pulcini.



"American Splendor" é bom, muito bom mesmo. Aqueles que têm saído desiludidos das recentes adaptações de vários comics da Marvel poderão aqui (e no excelente "Mundo Fantasma") reconciliar-se com a BD norte-americana e respectivas transposições para o cinema. Mas não posso deixar de achar curioso que são as adaptações de material mais "underground" que melhor têm funcionado ultimamente...
 
Site oficial: http://www.americansplendormovie.com/main.html

Bloco de Notas: Dossier Truffaut nos Cahiers du Cinéma

Para aqueles que não a costumam comprar, a edição de Julho/Agosto dos Cahiers du Cinéma traz um interessante dossier sobre o cineasta François Truffaut.
 
Este número deve ser do agrado mesmo daqueles que acham que os Cahiers já não são o que eram durante a fase da "colecção amerela", já que, para além de artigos extensos acerca da escrita de Truffaut, da sua obra e (inevitavelmente) da sua "política dos autores", traz também depoimentos de realizadores tão variados como Carlos "Cáca" Diegues, Kiyoshi Kurosawa,  Monte Hellman,  Amos Gitai, Hou Hsiao-Hsien ou Abbas Kiarostami sobre o autor francês e o modo como os seus filmes lhes marcaram. 
 
Fora do dossier, há também por lá um artigo sobre o João César Monteiro, mas é de esperar o típico "endeusamento cego" dos Cahiérs...

"28 Dias Depois" - Os dias (não estão) contados para o filme de Zombies

Vinte e oito dias depois de um estranho vírus ter sido libertado acidentalmente de um laboratório na Inglaterra, toda a ilha britânica está devastada, sendo assolada por mortos-vivos que os poucos sobreviventes que ainda restam escondidos nos destroços chamam de "Infectados". O vírus que estes carregam transmite-se pelo sangue, tornando as suas víctimas em monstros carregados de raiva em pouco menos de vinte segundos depois de serem mordidos. Jim, um paperboy que estivera internado em coma antes da propagação do vírus, acorda no hospital para encontrar Londres completamente desolada. O seu encontro com dois sobreviventes, Selena e Mark, fará com que não só fique a par da dramática situação actual, como também lhe permitirá iniciar a procura de alguma forma de fugir do pesadelo que estão a viver. No entanto, os "Infectados" não são a sua única ameaça...

Foi em 2002 que Danny Boyle, o célebre realizador britânico responsável pelo impressionante thriller "Shallow Grave - Pequenos Crimes Entre Amigos", pela extremamente elogiada adaptação de "Trainspotting" de Irvine Welsh e pela extremamente vaiada adaptação de "A Praia" de Alex Garland, se aventurou num território não-tão-comum-quanto-isso no cinema inglês e na sua própria obra: o filme de Zombies. Para além da peculiaridade desta premissa, Boyle ousou ser original não só na escolha da temática como também na própria concepção do filme, escolhendo usar como formato de registo de imagem o Vídeo-Digital (DV) em detrimento da tradicional (e muito mais cara) película de 35 milímetros, teoricamente abdicando desde logo de uma fotografia "mais bonita". Os riscos eram grandes, e bastava o facto de esta ser a segunda vez que Boyle e Alex Garland estavam envolvidos num mesmo projecto para não inspirar grande confiança.

Mas a aposta foi definitivamente ganha. Desde o momento em que assistimos a vários planos de Londres completamente vazia até à primeira cena em que os Infectados surgem do escuro que percebemos estar perante um filme de zombies como já tinhamos saudade de ver. Depois da enorme decepção que foi a transposição para o grande ecrã de Resident Evil (uma crítica minha, bastante ilustrativa dessa desilusão, pode ser encontrada aqui), é agradável constatar que o género ainda tem muito para oferecer!

Construindo a sua obra num crescendo de tensão, Boyle consegue criar um ambiente de cortar-à-faca ao longo de todo o filme. Muito desse ambiente deve-se à sólida direcção de actores, à soberba utilização da música de fundo de John Murphy e muito especialmente à direcção de fotografia. Aqueles que têm defendido a fotografia em DV como uma opção estética e económica a ter em conta têm aqui um belo contra-argumento para os cépticos que desconfiam da qualidade do vídeo enquanto formato de captação de imagem: o trabalho do director de fotografia Anthony Dodmantledff é exepcional, conferindo todo um "look" de documentário ao filme (coisa que George Romero também conseguira no seu mítico "A Noite dos Mortos Vivos") e, simultaneamente, fazendo-nos esquecer várias vezes ao longo de 110 mínutos de que estamos a ver uma obra que não foi rodada em película!




O argumento de Garland tem a inteligência de não se limitar a ser um survival-horror linear, dando alguma profundidade às personagens e inserindo uma dose sugestiva de crítica social na história. Tal como na tradição dos melhores filmes do género, "28 Dias Depois" expõe as qualidades e (acima de tudo) os podres dos sobreviventes perante os seus instintos mais básicos, sugerindo que os seres humanos não são assim tão diferentes das criaturas que tanto temem e desprezam. Os elementos de ficção científica de série B funcionam plenamente, e a violência tem a brutalidade que um filme destes necessita, não se esquivando a mostrar um ou outro plano mais "duro" só para garantir um público mais alargado.

É claro que o filme não está isento de erros: a montagem, embora na maioria das vezes justa e adequada (tendo mesmo excelentes momentos nas últimas instâncias passadas na mansão dos militares, por exemplo), é demasiado découpada nalgumas cenas mais movimentadas, deixando o espectador um tanto confuso sobre o que se está a passar; igualmente, os efeitos especiais oscilam entre os muito bons (o make-up dos infectados, o gore) e os menos bem conseguidos (algumas "stills" de Londres, os moínhos de vento na estrada, etc). Mas que são estes pormenores perante o fabuloso resultado final que é "28 Dias Depois"? Pouca coisa, verdadeiramente. O entusiasmo nítido por detrás de cada plano e a pura vontade de fazer um filme de horror por amor ao género são factores suficientemente aliciantes para nos fazer esquecer as pequenas imperfeições da obra.

Propagação

Embora seja um título que só tem dois anos, é justo dizer-se que "28 Dias Depois" já deixou as suas marcas noutros filmes: "O Renascer dos Mortos", o recente (e bastante interessante) remake do extraordinário "Dawn of the Dead" de George Romero, tem nitidamente algumas influências do filme de Danny Boyle. E, como seria de esperar, uma sequela já foi anunciada, justamente entitulada "28 Weeks Later". Resta saber se o duo Boyle-Garland permanecerá ou não nesta nova fita...

28 Dias Depois (28 Days Later). Terror/Ficção Científica. 2002, Inglaterra/Alemanha
Realizador: Danny Boyle
Argumento: Alex Garland
Elenco: Cillian Murphy, Naomie Harris, Christopher Eccleston, Megan Burns e Brendan Gleeson
Produção: Andrew Macdonald
Dir. de Fotografia: Anthony Dodmantledff
Música: John Murphy
Montagem: Chris Gill
Cor, 110 mins.
Site oficial: http://www.28dayslaterthemovie.co.uk/main.html

Disponibilidade




Infelizmente, a edição portuguesa deste título faz parte daqueles deploráveis discos nacionais que empalidecem face às propostas estrangeiras. De facto, o DVD lançado no mercado pela LNK não conta com quaisquer extras, tendo como únicas qualidades o número considerável de legendas à disposição (17) e o facto de manter o aspect-ratio de 1.85:1. Para o preço de 26,90€ a que está posto à venda, é pouco, muito pouco mesmo...

...sobretudo tendo em conta a riqueza das edições estrangeiras: de facto, uma pesquisa na net revela que a edição portuguesa é uma cópia "quase" directa da versão-light do DVD proposto pelos franceses, não tendo grande coisa a ver com a edição normal do filme, também editada na Bélgica.

Igualmente, os discos ingleses, espanhois e norte-americanos (tendo estes últimos disponíveis uma versão Full-Frame e uma Widescreen por onde escolher) contêm os mesmos extras:

Comentários de audio do realizador Danny Boyle e do argumentista Alex Garland; trailers de cinema; três finais alternativos com comentários de audio opcionais; seis cenas eliminadas na montagem com comentários de audio opcionais; o documentário "Pure Rage: The Making of 28 Days Later"; um videoclip da banda Jacknife Lee; storyboards animadas extraídos do website original & galerias de fotografias com comentário de audio do realizador.

Portanto, se não quiserem ficar pelo aluguer, o melhor mesmo é dar uso às lojas online...

Bloco de notas: Para aqueles que a partir de amanhã vão ter MUITO stress...

Este pequeno apontamento é só para desejar uma boa sorte a todos os candidatos à Escola Superior de Teatro e Cinema que, amanhã, irão iniciar o período das temíveis entrevistas de acesso. Quem passou por isso sabe o que custa mas não se deixem intimidar e, lembrem-se, o que conta é a VOSSA paixão pelo cinema. Sejam, acima de tudo, sinceros.

E com isto, disse a minha lamechice...

(lista de candidatos à entrevista aqui.)

Notícias: Palmarés do Festival de Vila do Conde

Mais um Festival de Curtas-Metragens de Vila do Conde chegou ao seu fim e a lista dos premiados já está desde ontem publicada online. Eis os resultados:

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Competição Nacional e Internacional


Grande Prémio Animação
PANIQUE AU VILLAGE : LE GRAND SOMMEIL, de Stephan Aubier e Vicent Patar (Bélgica) - 1

Grande Prémio Documentário - Manoel de Oliveira - patrocinado pelo Governo Civil do Porto
UNTERTAGE, de Jiska Rickels (Holanda) - 2

Grande Prémio Ficção - Cidade de Vila do Conde - patrocinado pela Câmara Municipal de Vila do Conde
FRAGILE, de Jens Jonsson (Suécia) - 3

Grande Prémio Experimental
OH DEAR..., de Nicholas Provost (Bélgica) - 4

Menção Honrosa Ficção
EXOTICORE, de Nicholas Provost (Bélgica) - 5

Prix UIP Vila do Conde, prémio para a melhor curta metragem Europeia
LOVE ME OR LEAVE ME ALONE,
de Duane Hopkins(Reino Unido) - 6

Prémio de Audiência - patrocinado pelo Jornal de Notícias.
(melhor média de votação a atribuir pelo público espectador do Festival)
SURPLUS, de Erik Gandini (Suécia) - 7


Competição Nacional


PRÉMIOS PARA A MELHOR CURTA METRAGEM PORTUGUESA

A OLHAR PARA CIMA, de João Figueiras

Prémio Tóbis, patrocinado pela Tóbis Portuguesa, SA. e Prémio Kodak, patrocinado pela Kodak Portugal, SA., para o produtor.
O Som e a Fúria
Sandro Aguilar e João Figueiras

Jameson Short Film Award para o Realizador - patrocinado pela Jameson Irish Whiskey.
João Figueiras

Prémio Jovem Cineasta Português - patrocinado pelo Instituto Português da Juventude.
Tiago Afonso, pelo filme Vestígios

Prémio para a melhor cinematografia - patrocionado pela AIP
Paulo Ares, pelo filme A OLHAR PARA CIMA

Prémio para a melhor interpretação feminina em Língua Portuguesa - patrocinado pelo Instituto Camões
Rita Durão, no filme O ESTRATAGEMA DO AMOR

Prémio para a melhor interpretação masculina em Língua Portuguesa - patrocinado pelo Instituto Camões
Tiago Ávila, no filme A OLHAR PARA CIMA

Prémio Take One!
AGUENTA RAPAZ de Manuel Vilarinho

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Não posso dizer grande coisa sobre o panorama internacional pois, para minha grande pena, não conheço nenhum dos realizadores acima citados.

No entanto, uma pequena interrogação sobre a competição nacional: porque é que fica sempre a sensação no ar de que os filmes da produtora "O Som e a Fúria" ganham os prémios nacionais todos os anos?

Fonte: Site Oficial do Festival de Curtas-Metragens de Vila do Conde

Antevisão: "Sorte Nula" de Fernando Fragata

Tem causado algum burburinho na secção "Comente aqui" do Cinema2000 a discussão acerca de uma nova fita portuguesa que ainda está a meses de chegar aos ecrãs lusos - trata-se de "Sorte Nula" de Fernando Fragata, o mesmo realizador que nos brindou com o muito criticado "Pesadelo Cor de Rosa" e o pouco visto mas até bastante elogiado telefilme "Pulsação Zero".

Fernando Fragata, um realizador que começou como escriba de alguns argumentos e como operador de steady-cam em filmes como "Ao Fim da Noite" de Joaquim Leitão e "Nuvem" de Ana Luísa Guimarães, tem assumido na sua obra uma estética ultra-pop que fez com que a crítica deitasse completamente abaixo o seu primeiro filme e, de resto, não lhe tenha prestado grande atenção. "Pulsação Zero" fez parte da última remessa de telefilmes que a SIC produziu e, apesar de ter sido reprogramado à última hora aquando da sua única exibição na estação de Pinto Balsemão (até parecia que o estavam a tentar esconder), conseguiu impressionar muita gente que o viu tanto cá como além fronteiras (vejam-se as reacções bastante favoráveis escritas no IMBD, resultantes da passagem do filme por alguns festivais independentes nos EUA), chegando mesmo a correr o rumor de que Harvey Weinstein da Miramax estaria interessado em adquirir os direitos para um remake do mencionado telefilme!

A trailer disponível no site oficial permite confirmar que o estilo pop se mantém, mas ainda é cedo para retirar quaisquer conclusões acerca da qualidade da fita. O elenco parece interessante (António Feio, Rui Unas, Adelaide de Sousa e a estreia do fabuloso stand-up comedian Bruno Nogueira), mas ainda não consegui perceber bem se a história o é. Em todo o caso, parece ser (pelo menos uma tentativa de) uma pedrada no charco nesse rio seco que é o Cinema Português, portanto há que esperar para ver mais. O filme está agendado para estrear em Dezembro pela mão da Lusomundo. A seguir...

"La Jetée" - Quando o Experimentalismo é uma Arte

This is the story of a man, marked by an image from his childhood. The violent scene that upsets him, and whose meaning he was to grasp only years later, happened on the main jetty at Orly, the Paris airport, sometime before the outbreak of World War III. (...) Later, he knew he had seen a man die. (...) And sometime after came the destruction of Paris.

Com estas palavras inicia-se a narração de "La Jetée", feita em off enquanto várias fotografias vão sucessivamente dando lugar a outras. A Terceira Guerra Mundial, contam-nos, arrasou Paris e condenou muitos dos seus habitantes a viverem nos subterrâneos de Chaillot. Os sobreviventes dividem-se entre aqueles que acreditam terem saído vitoriosos e aqueles que se deixaram ser aprisionados por esta nova ordem. São estes últimos que são submetidos a estranhas experiências pela parte dos cientistas que tentam encontrar alguma maneira de remediar os estragos causados ao planeta. A viagem no tempo, a procura de alguma solução no Passado ou no Futuro, torna-se uma possibilidade. É aqui que surge o Homem descrito no texto inicial: o conhecimento da sua obsessão por uma imagem do seu passado leva os cientistas a escolherem-no como cobaia para tentarem enviá-lo algures no tempo em busca de uma solução. Mas encontrará? Quando a misteriosa Mulher de que tão bem se lembra das suas memórias do aeroporto de Orly lhe surge à frente dos olhos, a fronteira entre o passado, o presente e o futuro parece deixar de existir.

Corria o ano de 1962, a Nouvelle Vague francesa já dava os seus primeiros passos mostrando ao mundo que o cinema podia ir muito mais além do que aquilo que os apoiantes do "cinéma du papa" nos ofereciam. Era a altura de experimentar novas ideias, novas maneiras de construir os filmes. Embora não fosse um dos membros do movimento, Chris Marker ficou célebre por, nesse ano, ter estreado uma curta-metragem que desafiava todas as convenções até aí estabelecidas: um filme de ficção científica contado (quase) totalmente pela sucessão de imagens estáticas/fotografias, usando a voz-off como motor principal da narrativa. Vinte e nove minutos após o arranque do projector, história tinha sido feita.



"La Jetée" é um filme deslumbrante. Se a ideia pode à partida parecer pouco apelativa e potencialmente pedante, o resultado supera todas as expectativas. Talvez a maior proeza do filme seja a sua inigualável capacidade de ser simultaneamente experimental e extremamente apelativo. Embora Marker seja um experimentalista nato e opte por contar a sua história de uma maneira muito pouco convencional, nunca, nem num só fotograma, o filme se torna aborrecido. Nem nunca esta vontade de contar a história por imagens estáticas soa pretenciosa. Isto porque Marker não olha com desdém para o espectador nem está interessado em simplesmente fazer uma "manta de retalhos" de imagens e músicas bonitas. Aqui, a forma não deturpa aquilo é talvez o mais importante: a narrativa. Estamos perante uma história de ficção científica intimista magnificamente construída e soberbamente contada, digna de um romance de Phillip K. Dick, e que espanta tanto mais que quebra com a maior eloquência do universo um dos grandes "dogmas" da escrita de argumento: o uso alargado da voz-off. Aqui, ela é não só essencial como também tão expressiva quanto os actores que surgem diante dos nossos olhos. E não deixa de ser incrível que um filme composto inteiramente por planos estáticos consiga ter um ritmo de tal forma fora do comum que os vinte e nove minutos que o compõem passam a voar. Isto é sobretudo devido a uma montagem prodigiosa que, mais do que simplesmente limitar-se a alinhar belíssimas fotografias, fusiona o som e a imagem de uma maneira que nos permite alcançar estados emocionais de uma intensidade tremenda. É o caso da cena da visita ao museu, onde a realização atinge momentos de puro lírismo graças à riqueza da imagem (em todos os aspectos: enquadramento, iluminação, composição, mise-en-scène, etc), à fantástica expressividade dos actores e à belíssima música de Duncan. É dos mais belos momentos cinematográficos que o formato da curta-metragem já nos deu. Tal como "La Jetée" é certamente das mais belas curtas-metragens que já vi,muito graças, de novo, às interpretações notáveis de todos os actores (não se atrevam a chamar-lhes foto-modelos ou foto-actores!), à excepcional banda-sonora (não só a música como toda a mistura de sons, essencial numa obra deste teor) e, claro, à soberba realização de Chris Marker.

Algo para deixar para o futuro



A história de Marker deixou marcas em todo o fã de sci-fi que teve o prazer de a ver, e não é de admirar que tenha inspirado vários realizadores e argumentistas, mesmo que o tema das viagens no tempo não fosse novo (já a "Máquina do Tempo" de H.G.Wells tinha sido adaptada ao grande ecrã dois anos antes). "12 Macacos" de Terry Gilliam é o exemplo mais citado e mais directo, até porque se assume abertamente como um "remake" da curta, mas quem viu Jin-Roh de Hiroyuki Okiura decerto notará o quão "La Jetée" influenciou esse filme: a cena do museu é homenageada quase à la lettre naquele que também é um dos momentos mais belos do filme de animação japonesa. Ou não fosse Mamoru Oshii (argumentista do filme em questão) um grande admirador do realizador francês. As suas temáticas políticas, as questões éticas relacionadas com a viagem do tempo, as consequências das nossas obsessões, são problemas que soam hoje tão preocupantes como na década dos Beatles. É sinal de que a obra conseguiu passar o teste do tempo e, sobretudo, marcar novas gerações de artistas. Não será essa a maior das recompensas que o realizador poderia ter?

Há quem diga que o cinema experimental é, por natureza, "ensimesmado", de difícil acesso e somente para o gosto de minorias ou "públicos restritos" (eufemismo politicamente correcto de "elites intelectuais"). É esta ideia de cinema experimental, aliás, que parece ainda pairar na mente de muitos realizadores portugueses. Talvez fosse bom convidá-los a (re)ver "La Jetée", mas desta vez com um bloco de notas à mão para anotar as possíveis razões por que o filme funciona tão bem sendo tão distintamente exótico.

La Jetée. Ficção Científica/Drama. 1962, França
Realizador: Chris Marker
Elenco: Jean Négroni (narrador), Davos Hanich (O Homem), Hélène Chatelain (A Mulher), Jacques Ledoux (O Cientista), André Heinrich, Jacques Branchu, Pierre Joffroy, Étienne Becker, Philbert von Lifchitz, Ligia Branice, Janine Klein , William Klein, Germano Faccetti
Produtor: Anatole Dauman
Dir. de Fotografia: Jean Chiabaut & Chris Marker
Música: Trevor Duncan
Montagem: Jean Ravel
Montagem de som e misturas: Antoine Bonfati
P/B, 29 min.

Disponibilidade

Existem duas edições em DVD de "La Jetée" que podem ser adquiridas na net. Uma delas é uma box editada na França que inclui tanto esta curta-metragem como a longa "Sans Soleil", também de Chris Marker. Contém tanto a versão francesa como a inglesa, mas o preço é algo elevado. Uma versão ligeiramente diferente desta box existe em edição britânica da Warner Studios, mas a faixa de audio francesa parece ter desaparecido misteriosamente. Outra alternativa é adquirir a colectânea de curtas-metragens "Short 2 - Dreams" onde a obra de Marker está incluída e que (de acordo com a Amazon) até parece ter uma faixa de comentários do realizador (?) que deverá ser interessante. No entanto, só a versão falada em inglês está disponível neste disco.

Editorial - Introdução e Declaração de Princípios

«"Todo" é aquilo que tem princípio, meio e fim. "Princípio" é o que não contém em si mesmo o que quer que siga necessariamente outra coisa, e que, pelo contrário, tem depois de si algo com que está ou estará necessariamente unido.» - Aristóteles, in "Poética".

A citação de Aristóteles, tirada da obra que (provavelmente) ditou as primeiras teorias sobre as fundações da narrativa ocidental (e cujos "princípios" ainda hoje influenciam a escrita de argumentos em todo o planeta), parece-me sempre adequada para dar o "pontapé de saída" num texto inaugural, mesmo que esse texto seja só para dar início a um mero blog que tem como tema a Sétima Arte.

Uma questão impõe-se: para quê mais um blog de cinema quando esse mar quase infinito de informação que é a internet já se encontra povoado por vários e tão distintos exemplos?

O CineArte assume-se como um blog sobre cinema escrito em português que quer ser diferente dos demais que maioritariamente abundam pela blogosfera. Com isto, não quero dizer que este ambicione ser um projecto megalómano ou revolucionário. Nem-se propõe, com este blog, "educar" um eventual pobrezinho leitor com as sábias palavras arrogantes de quem consegue escrever sobre um filme sem dizer nada sobre ele. Simplesmente pretendo que o que surgir aqui escrito possa levar os seus leitores a conhecer este ou aquele cineasta, a darem uma hipótese a outra cinematografia que desconheciam, a voltar a pensar naquela sequência daquele filme, a relembrarem-se da razão porque gostaram (amaram?) tanto (d)aqueles noventa ou cento e vinte minutos que passaram em frente a um ecrã, seja ele grande ou pequeno. Acredito piamente que a paixão do cinema é algo que deve ser partilhado. Se o que aqui surgir possa, por vezes, parecer presunçoso, arrogante ou pura e simplesmente despropositado, será simplesmente devido a um discurso movido por essa mesma paixão. E a paixão, como sabemos, por vezes é díficil de controlar...

Por aqui surgirão as obras dos mais diversos cineastas das mais diversas cinematografias nos mais diversos géneros e estilos. A ideia não é "fazer uma crítica de um filme" no sentido mais popular do termo (aquela que se pode reduzir à quantidade de estrelas dada no fim do texto ou apresentada em gloriosas tabelas comparativas) mas sim escrever sobre ele. Paralelamente, há a ideia de apresentar, esporadicamente, dossiers sobre certos temas, realizadores, etc. Só o tempo (e a disponibilidade) ditarão a sua real concretização.

Para já, é um projecto a solo levado a cabo por um mero estudante de cinema. Mas isso não quer dizer que, com o fluir do tempo e da escrita, o corpo da redacção (se assim o pudermos chamar...) não vá aumentar e contribuir com novas e preciosas ideias. Entretanto, e como a grande mais-valia da net é a comunicação entre os seus utilizadores, a barra de "comments" está aberta a todas as palavras que aqui queiram deixar. Serão muito bem vindas!